Quello che dice Madonna mi interessa poco; quello che dice Madonna durante una campagna promozionale ancora di meno. Tuttavia, in questi giorni il chiacchiericcio sulla cantante è diventato assordante e, tra le mille dichiarazioni, interviste e finte jihad contro Lady Gaga, esce una notizia che sembra quantomeno strana: Madonna ha insultato (o forse solo lanciato una frecciatina a) Britney Spears. Buffo. Magari è il caso di andare a cercare cos’ha detto la diretta interessata, magari in inglese.

Madonna, intervistata da The Advocate, sostiene che il pubblico gay trovi un modello in Lady Gaga perché non rientra nei canoni convenzionali e ha un passato difficile. Ci sono molte cose contestabili in questa affermazione, ma non entriamo nel merito e limitiamoci ad analizzare le parole da lei pronunciate.

I can see that they connect to her kind of not fitting into the conventional norm. I mean, she’s not Britney Spears. She’s not built like a brick shithouse. She seems to have had a challenging upbringing, and so I can see where she would also have that kind of connection.

Ora, built like a brick shithouse non è inglese da liceo e non è un’espressione particolarmente felice né comune, ma con un po’ di impegno ci si può arrivare. Dicesi built like a brick shithouse una persona grande e grossa, forte e robusta. (Tuttavia, secondo alcuni, vorrebbe anche essere un complimento a una bella ragazza perché un tempo le latrine erano in legno… Per chi volesse approfondire, basterà la definizione su Wiktionary; per i maledetti rompicoglioni come me, tenete, vi ho fatto uno screenshot dal Dictionary of Catch Phrases della Routledge). Insomma, per estensione, Madonna vuole dire che Britney ha basi solide (urca!), mentre Gaga è più fragile e vulnerabile. E soprattutto, nessuno ha insultato nessuno.

Andiamo a vedere com’è stata riportata la notizia su vari siti italiani.

Vanity Fair sceglie (saggiamente) di non tradurre per intero la citazione e saltare la shithouse.

Cioè, non è Britney Spears. Ha avuto un’adolescenza difficile [...]

Quelli di MTV.it sono già più fantasiosi, ma si tengono sul vago e non ci ricamano troppo sopra.

Cioè, non è Britney Spears. Lei non è ‘costruita’.

Spetteguless inizia a porsi qualche domanda sull’espressione idiomatica e preferisce non tradurla, ma offre due opzioni: “bella tettona” e “cesso a mattoni”.

Voglio dire, non è Britney Spears. She’s not built like a brick shithouse (slang uk che può passare sia come complimento – bella tettona – che come clamorosa offesa – cesso a mattoni).

E ora che ci avviciniamo pericolosamente ai gironi dei nanopress, vi avverto, tutto può succedere. Cosmomusic, ripreso poi da Paperblog, riassume liberamente con il titolo “Madonna: ‘Britney Spears è meglio di Lady Gaga’” e adotta una curiosa variante sul tema edilizio.

Sì, voglio dire, non è Britney Spears. Lei non è costruita come il mattone di una casa.

E infine, quelli di I Love Popmusic si sbizzarriscono e ci regalano la perla definitiva.

Voglio dire, lei non è Britney Spears. Lei non è una schifezza (cesso) costruita di mattoni.

La stessa traduzione finisce poi su Musickr che titola direttamente: “Madonna: ‘Britney Spears è un cesso’”.

And I’m not sorry / It’s human translation. Tutto questo è solo la punta dell’iceberg, che è in gran parte costituito da commenti e link su Twitter e Facebook. Una frase un po’ ambigua che confonde anche gli anglofoni e viene poi tradotta in maniera fantasiosa o superficiale è esattamente quello che ci vuole in questa guerra immaginaria tra popstar che porta tanti clic. Senza contare che, da quando Madonna ha concesso un’intervista esclusiva a Oggi per infamare Berlusconi, non c’è più da stupirsi di nulla.

Sono passati meno di sei mesi dall’arrivo di “Video Games” su YouTube, e ancora meno da quando la inserii nella compilation estiva e ripercorsi la cronologia del fenomeno Lana Del Rey e le sue critiche. Oggi, in un certo senso, si chiude un ciclo: esce Born To Die e la mia inevitabile recensione si legge su Grazia.

(Ogni tanto date un’occhiata alla mia rubrica su Grazia. Potreste trovarci, chessò, un’intervista a Porcelain Raft? Un profilo di Azealia Banks?)

È apparsa oggi sul sito del Disney Store una maglietta che unisce la storica copertina di Unknown Pleasures dei Joy Division e la figura di Topolino. Com’era prevedibile, nel giro di poche ore è scattata la Sindrome di “Hallelujah”. Dicesi Sindrome di “Hallelujah” (dall’omonima canzone di Leonard Cohen) quel coro di “ma-come-ti-permetti” che si alza ogni volta che esce la cover di una canzone o il remake di un film: c’è sempre una fetta di pubblico che pensa di possedere i diritti artistici e affettivi sul prodotto originale e si ribella. Oggi è successo con una t-shirt.

Pitchfork è stato tra i primi ad abbaiare, trovando la creazione inappropriata perché: 1) il cantante dei Joy Division si è impiccato; 2) “Joy Division” deriva dal nome dato alle prigioniere dei lager costrette a prostituirsi per i Nazisti. Questi due elementi non sono compatibili con l’immagine della Disney e il suo pubblico. Per carità, ci sono i bambini (anche se la maglietta è disponibile solo nelle taglie da adulto).

A questo punto possiamo trovare tutto crudele e inappropriato o stare calmi e pensarci su.

Ian Curtis è morto nel 1980, Unknown Pleasures è del 1979. Sono passati più di trent’anni, un tempo sufficiente per dare al cantante e l’opera lo status di icone pop. E succede questa cosa con le icone pop: più sono lontane nel tempo, più la loro immagine diventa di dominio pubblico. Di conseguenza, artisti, designer, marchi e chiunque altro la utilizzano per fare colpo sull’osservatore o l’acquirente. Alcuni lo fanno in maniera sofisticata, altri meno, ma è impossibile controllarne l’uso e preservarne, in un certo senso, integrità ed eredità artistiche. I volti e i nomi di alcune celebrità e opere diventano loghi: si caricano di mille significati e nessuno. Lo stesso vale più o meno per Topolino, la cui famosa silhouette contiene di tutto: da Mary Poppins a Hannah Montana, dal capitalismo alle cospirazioni sugli Illuminati.

Non so cosa ci vediate voi, ma è comunque lecito pensare che, nel corso della vostra vita, la Disney abbia avuto almeno la stessa importanza dei Joy Division. Non vi voglio far scegliere, così, su due piedi, tra “Love Will Tear Us Apart” e “Tutti quanti voglion fare jazz” o tra Peter Hook e Anacleto. Però, capirete che non si può nemmeno gridare allo scandalo e allo stupro emotivo dei vostri ricordi di teenager depressi perché la copertina di un disco famosissimo ha incontrato la silhouette di un topo. E perlomeno quel topo qualche gioia ve l’ha data.

Poi magari domattina mi sveglierò e leggerò che l’ideatore della copertina Peter Seville si è detto indignato o plagiato (sebbene l’immagine non sia originale, ma venga da un’enciclopedia) e che la Disney ha ritirato dal commercio la maglietta. La Sindrome di “Hallelujah” avrà colpito ancora.

Se questo è l’effetto che fa “Ai se eu te pego” su di me e te, figuriamoci cosa dev’essere quel pezzo per il discografico medio. Uno passa la vita a cercare l’artista giusto per fargli fare il disco, la copertina, il festival, le interviste, il video e il tour giusti. E l’acconciatura giusta, i vestiti giusti, le gravidanze giuste, i pettegolezzi giusti e tutti i dettagli che l’ascoltatore  non noterà mai, ma dietro ai quali ci sono mesi di preparazione. Poi dal nulla arriva un brasiliano con un budget poco sopra lo zero (e quelle camicie) e grazie ai balletti di un paio di calciatori schizza alla numero uno in mezzo mondo. “Ai se eu te pego” è il suono di mille discografici che si buttano dal cornicione.

Io sono uno che si rallegra quando un prodotto non anglofono ha successo internazionale ed è una cosa che ripeto ogni volta che c’è una cerimonia di premiazione (soprattutto gli MTV EMAs), ma dando un’occhiata alle classifiche, c’è poco da stare felici. La tabella mostra le canzoni non in inglese o in italiano che hanno raggiunto la prima posizione in Italia dal 2000 a oggi.

Qualche considerazione:

• Negli ultimi dodici anni, solo quattordici canzoni non in inglese o in italiano hanno raggiunto la vetta. È un po’ poco, ma…
• ..eccetto “Le vent nous portera”, sono tutte canzoni che vanno da appena decente a orrore inspiegabile. Quindi, l’unica canzone veramente bella è stata scritta da una persona che dovrebbe trovarsi in galera per omicidio.
• (A me piace molto “Alors on danse”, ma so di dire qualcosa di molto impopolare e difenderò questa canzone in un’altra occasione.)
• Eccetto Jennifer Lopez (che era già famosa da molto prima per canzoni in inglese) e Manu Chao (tenetemi fermo), si tratta solo di one hit wonder. Il caso più eclatante sono le Cinema2, di cui si fa fatica a trovare traccia persino su YouTube.
• Nel 2011, il Brasile si è vendicato nei nostri confronti per tutti quegli anni di Pausini. Mandiamo una task force diplomatica subito o tagliamo immediatamente l’import-export canoro tra i due paesi: è per il bene di tutti.

Adele, torna qui, è tutto perdonato.

Dove eravamo rimasti? Agosto 2011, Video Music Awards, Beyoncé annuncia di essere incinta di Jay-Z in diretta mondiale. Nei cinque mesi successivi, la gravidanza mediatica è molto travagliata: gira voce che la cantante, che nel frattempo sforna una pletora di singoli e plagi, stia portando in grembo un cuscino. Durante un’intervista televisiva, il pancione posticcio sembra sgonfiarsi e i dubbi diventano legittimi.

8 gennaio 2012, Beyoncé “partorisce” Blue Ivy Carter. Le persone famose su Twitter fanno a gara a proclamarsi zii e zie, le persone comuni su Twitter scherzano sul nome, le persone fuori di testa su Twitter mandano in trending topic I.V.Y = Illuminati’s Very Youngest (ma i complottisti avrebbero trovato un acronimo adeguato a supportare le loro teorie anche se l’avessero chiamata Cinzia).

Io avrei fatto a meno di tornare sull’argomento della maternità della coppia, ma ho come la sensazione che loro siano i primi a volere che se ne parli. Un indizio? Manco il tempo di cambiare un pannolino che Jay-Z ha già inciso e pubblicato sul suo sito una canzone per la bambina.

O meglio, una canzone con la bambina (viene data come “featuring B.I.C.”) per la bambina.

O meglio, un canzone con la bambina per noi (eh già, pur potendo già riscuotere i diritti SIAE con due vagiti, Ivy non sa nemmeno cosa sia una canzone, quindi supponiamo Jay-Z l’abbia incisa per l’attenzione di un pubblico intimo e ristretto: l’internet).

Ascoltiamola – in fondo è la nostra bomboniera!

Ritornello: Jay-Z non riesce descrivere “l’incredibile sentimento che sente”, sul serio! Però ci prova lo stesso.

Prima strofa: Per “i falsi allarmi e le false partenze”, si suppone non faccia riferimento al problema di trovare uno spazio nell’agenda della moglie, ma di questo parleremo meglio dopo. Seguono gli inevitabili versi su Dio, le preghiere, le nuove responsabilità… Quand’è che arriva la parte interessante?

Seconda strofa: Jay-Z presenta l’albero genealogico alla bambina: di cosa è morto il nonno, la famiglia, dove vivevano. Poi, finalmente, è una perla dietro l’altra:

“Non sai ancora cosa sia lo swag“
(Oh, lo imparerà presto: i pannolini Luis Vuitton tendono a lasciare tante piccole, fastidiose LV sulle chiappe.)

“Ma sei stata fatta a Parigi”
(NB: fatta, non concepita.)

“E il giorno dopo mamma si è svegliata e ha fatto il servizio fotografico per l’album”
(Bene, Google mi dice che è successo il 23 aprile, quindi l’immacolata concezione è databile al 22. Grazie, volevamo proprio saperlo.)

“L’ultima volta l’aborto è stato tragico”
(Oh oh.)

“Avevamo paura che tu sparissi”
(Un attimo, Jay-Z, se c’è stato un aborto – non so come dirtelo…)

“Ma no, bimba, tu sei magica”
(Phew, allora non c’è stato un aborto! Perché hai detto aborto?)

“E ora lo sai, shit happens“
(Be’, ma ti è andata bene, sei il primo neonato a essere sopravvissuto indenne a un aborto!)

“Assicurati che l’aereo su cui viaggi è più grande del tuo bagaglio a mano”
(Finalmente un consiglio prezioso da padre premuroso. Con RyanAir il massimo è 10kg, quindi se decidi di comprarti un piccolo stato africano, ricordati di metterlo in stiva.)

“Sei la figlia del destino, la figlia del mio destino”
(L’originalità: escludendo tutti i blog e i programmi di intrattenimento del mondo, Jay-Z è il primo a fare il gioco di parole con Destiny’s Child.)

“Sei la mia figlia con la figlia della Figlia del Destino”
(Appena puoi, affittati Inception.)

Ivy, guarda la foto là sopra: tuo padre non sarà mai più così. Per colpa tua, ha perso tutta la sua credibilità in 3 minuti e 42 secondi. Un record. Peggio di lui avrebbe potuto fare solo zio Kanye, ma quello lì al massimo può sgravare un uovo di Fabergé.

Sono stato alla finale di X Factor, proprio lì, in studio, a mangiare il buffet di Sky e schivare le telecamere 3D. Poi, la notte stessa, ho fatto una chiacchierata con Emiliano Colasanti (che era a casa sua in modalità rosicamento) e ne è uscito un articolo per GQ.

Due gentiluomini su Gentlemen’s Quarterly che discutono dell’assenza di Tommostrini, della necessità di una svolta dubstep per i Moderni e dell’evoluzione di Morganasia. E quando vi ricapita? Si legge qui.

Ora non ne parlo più, promesso.

Attenzione: questo blog non incoraggia la sbronza e gli stati alterati di coscienza in generale. Ma se proprio dovete bere, che almeno sia un Negramaro Montenegro.

10. Toro Y Moi, Underneath the Pine

Dalla chillwave al funk il passo è MA PERCHÉ? Detto questo, se avete girato un film soft core con protagonista maschile Tom Selleck e state cercando la colonna sonora, è l’album ideale.

Voto di Pitchfork: 8.3

9. Yuck, Yuck Un (brutto) revival anni ’90 suonato (male) da gente nata negli anni ’90. Perlomeno hanno azzeccato il nome. Voto di Pitchfork: 8.1

8. tUnE-yArDs, W H O K I L L cHe gRaN caSiNo, ma magari è stato inciso così A P P O S T A per farci sentire la musica nel S A N G U E dei nostri fRaTeLli afro-americani così in cerca di un’I D E N T I T À – nonostante la cantante sia bIaNcA. Voto di Pitchfork: 8.8

7. Horrors, Skying Ovvero: prendi del rock middle-of-the-roaddel tutto anonimo, ma fa’ il possibile per registrarlo male in una cantina accanto a un cantiere aperto e il discone è servito. Voto di Pitchfork: 7.5

6. Destroyer, Kaputt Discorso simile a Toro Y Moi, anche se qui siamo un gradino più in basso: telefoni erotici 144 a inizio anni ’90. Voto di Pitchfork: 8.8

5. Gil Scott-Heron & Jamie XX, We’re New Here Sclap-sclappiti-chak-chak-alzo la voce di due toni-abbasso la voce di due toni-clap-chak-GENIO DEL MINIMALISMO. Voto di Pitchfork: 7.8

4. Fucked Up, David Comes To Life OK, quanti anni hai per ascoltare ‘sti qua? Quindici? Quindici e mezzo? E nel tempo libero che fai, cadi dagli skateboard? Voto di Pitchfork: 8.6

3. iceage, New Brigade OK, quanti hai per ascoltare ‘sti qua? Tredici? tredici e mezzo? E nel tempo libero che fai, ti tagli? Voto di Pitchfork: 8.4

2. Qualcuno Che Non Ho Mai Sentito Nominare, Album Della Consacrazione Be’, non posso che inchinarmi al talento di Qualcuno Che Non Ho Mai Sentito Nominare. Dopo diciassette introvabili EP e una mixtape che ha fatto parlare tutti i buzz blog del mondo, arriva il suo Album Della Consacrazione. Da avere assolutamente in vinile. Il prossimo album non ci piacerà. Voto di Pitchfork: 9.9

1. Girls, Father, Son, Holy Ghost Alla posizione numero uno bisogna sempre fare una scelta poco scontata, oppure così scontata che non è scontata, oppure darsi fuoco. E infatti qui il flame me lo sto proprio cercando col lanternino (direi che con le metafore sul fuoco puoi chiudere qui, NdR). Però, sul serio, io non capisco come questi siano riusciti ad avere successo fuori dal loro garage. I testi? La voce? La tecnica? L’innovazione? La tradizione? I capelli del cantante? Vi piacciono per i capelli del cantante. Ma se li è tagliati? E allora continuo a non capire. Voto di Pitchfork: 9.3

Una volta andai a vedere Peaches dal vivo. Dopo un’ora di concerto a tutti gli effetti vietato ai minori, la cantante si presentò tra il pubblico in jeans e maglietta, sorridente, con l’aspetto di una persona qualunque. Tuttavia, un individuo sovraeccitato nella folla le urlò qualcosa di sconcio in inglese maccheronico. Lei si girò e, con l’aria seccata di chi ha già subito questo trattamento più di una volta, disse: “the show is over”. Peaches probabilmente si fa la spesa da sola, viaggia in seconda classe e, no, non è una spogliarellista assatanata anche quando scende dal palco – la maggior parte del suo pubblico lo capisce senza doverglielo spiegare. Rihanna, invece, col suo bacino di utenza globale e trasversale, ogni tanto ha bisogno di ricordare ai sudditi che, tolti i frustini e gli hotpants, è tanto una persona semplice. Ed è qui che entra in gioco “Family Values”, il primo di una serie di mini-documentari sulla vita dietro le quinte della popstar.

Visto? Rihanna è una persona vera: visita i famigliari, dispensa consigli al fratellino e sua mamma fa ridere perché dice “Facebook”. E quant’è bello radunarsi sul divano e guardare vecchie foto ingiallite! Jay-Z, che non poteva mancare in questa americanata sentimentale, ci ricorda che “non c’è modo di ripagare la famiglia per tutto quello che ha fatto per te”. Ed ecco Rihanna che, in un abile product placement, tira fuori due Cartier. “Ma quello non importa”, incalza il voiceover di Jay-Z. Ma come, non importa? Che confusione! Ricapitoliamo: i beni materiali non contano però contano?

È questa ambiguità che rende il video perfetto per il suo scopo: Rihanna non poteva permettersi l’anello che sognava da piccola (come te), ma ora può averlo (e tu no); Rihanna è una persona normale con una famiglia normale (come te), ma è anche una ricca star (e tu no).¹ Questo sembrerebbe lo schema dei valori promossi dal documentario. Non importa che Rihanna incida canzoni sul sesso estremo, si presenti in pubblico sempre più svestita e appaia in video in cui beve e si droga pesantemente: la Rihanna vera ha una casa modesta e, quando può, si presenta ai famigliari struccata e porta loro regalini.

Volevamo proprio saperlo? No. (E i numeri di YouTube sembrerebbero supportare questa teoria: “solo” 170.000 visite.) Eppure hanno bisogno di dirci che c’è una spessa linea di demarcazione tra popstar e persona, che Ozzy Osbourne mangia pipistrelli, ma è tanto carino in pantofole. Certo,  a volte è interessante  conoscere il lato umano dell’artista, ma molto più spesso (MTV Diary ha fatto scuola) sembra solo un’altra spunta nella lista dei PR per attaccare il mercato da tutte le angolazioni possibili. E Rihanna ci sta riuscendo benissimo. Rihanna è al contempo oggetto sessuale inarrivabile, sorella premurosa, intima confidente, sveltina in ascensore, figlia ideale, compagna di sbronze, fidanzata fedele, escort acrobatica e, quando Beyoncé avrà finito di monopolizzare il settore gravidanza, madre dei tuoi figli.

¹ Tuttavia, Rihanna si alza dal divano per andare in cucina (come te) e camminando per pochi metri riesce comunque a mandare messaggi sessuali allo spettatore (e tu no).

Tiziano Ferro è il migliore cantautore italiano in attività. Migliore: superlativo relativo, ma i termini di paragone scarseggiano. Nessun altro unisce versatilità, forza espressiva e originalità nella scrittura quanto lui. Un giorno canta De Andrè, il giorno dopo è su un palco a fare “Rumore” con la Carrà; può finire in un disco di Mary J. Blige come in uno dei Linea77 e gli accostamenti saranno comunque adeguati – merito, oltre al suo talento interpretativo, del saper applicare la varietà dei suoi gusti musicali alle produzioni. Questa eccentricità si è sentita tutta nei suoi primi quattro album: compilation non sempre coese di tradizione, wannabismi americaneggianti e esperimenti elettronici anche piuttosto arditi.

Alla vigilia de L’amore è una cosa semplice, sorgevano diversi timori: “La differenza tra me e te” non aggiungeva molto al suo repertorio; la lista dei collaboratori sembrava invariata; il passaggio da Battiato e Fossati a Nesli e Irene Grandi non prometteva bene; la copertina scontata e l’ennesimo video di Morbioli lasciavano presagire una mancanza di idee anche nella presentazione del prodotto. Ci si aspettava, insomma, un placido disco di transizione, un disco che dice: “coming out o no, sono sempre lo stesso, tranquilli, non è cambiata una virgola”.

All’incalzare del ritornello della traccia 2, tutti questi pregiudizi vanno a farsi benedire: davanti alle ballate di Tiziano Ferro, ci si può solo arrendere, e poco importa se l’arrangiamento non cambierà la storia della musica, se le liriche sembrano battere sentieri conosciuti, se il pezzo potrebbe tranquillamente venire da uno degli album precendenti.

Tuttavia sarebbe scorretto dire che nel complesso manchi la creatività. “Sperimentazione” nel pop è in genere sinonimo di follie elettroniche futuristiche, ma le tracce più coraggiose di quest’album prendono invece la direzione opposta: blues (“…ma so proteggerti”), bossa nova (“TVM”), swing (“Quiero vivir con vos”). Sebbene Tiziano Ferro si trovi a suo agio con tutti questi registri e i risultati siano senz’altro gradevoli, i momenti più belli e toccanti sono da cercare altrove: “La fine”, perfetta confessione presa in prestito da Nesli, e il finale di “10.000 scuse”. In questo interludio, il cantante ricicla i versi di “Centoundici”: è il Tiziano dieci anni fa,  che a sua volta scriveva al se stesso adolescente: “Continua a cantare / Regala senza sosta il tuo amore”. E così ha fatto.

Tiziano Ferro sa ancora distruggerti con due versi, sa ancora scrivere una ballata e renderla universale sfruttando lo spazio negativo del non detto (del resto, è proprio la ricchezza di chiavi interpretative possibili ad aver decretato il suo successo – e non è solo questione di pronomi personali). Tiziano Ferro non è cambiato, Tiziano Ferro è il migliore cantautore italiano in attività.

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Contesto: Frankie Hi-Nrg: «ecco perché Twitter è molto meglio di Facebook» (Linkiesta.it)

Sono giorni di grande incertezza e instabilità. Impazza il totoministri, si fanno nomi e ipotesi. Ieri, preoccupato per le sorti del Paese, ho lanciato un appello ai compagni di FriendFeed per creare un Consiglio dei Ministri armonioso, adeguato e capeggiato dall’unico italiano che sa mettere tutti d’accordo. Ed è con grande piacere che vi presento oggi il governo tecnico-canoro che tutti noi meritiamo ed esigiamo. Fate partire “Italia” di Mino Reitano e cliccate sull’immagine per ingrandire.

Grazie a Elena, Emiliano, Massi, Benty e soprattutto Giulia per aver esaminato, dibattuto e scelto i ministri che salveranno il Paese.

Siamo alla seconda puntata delle selezioni di X Factor 5 e quest’anno i provini si tengono davanti al pubblico in palazzetti dello sport e non in uno studio chiuso. Questa sembra essere la prima di tante piccole correzioni che renderebbero il programma italiano più simile all’originale inglese. E  non è necessariamente un bene.

X Factor UK, col passare degli anni, ha perfezionato la formula in maniera infallibile. Il format funziona e non si cambia, ma si può sempre ritoccare il contenuto. Accantonata l’idea di trovare le popstar del futuro (dopo il successo iniziale, quasi tutti i concorrenti vengono in genere licenziati dalle etichette coi flop del secondo album), a X Factor interessano gli ascolti televisivi e le attenzioni della stampa. La musica non si vende più, l’intrattenimento leggero e la storia strappalacrime sì. Ed ecco quindi che i fenomeni da baraccone e i casi umani non solo vengono ammessi alle selezioni, ma hanno anche accesso alla gara. Del resto, di ragazzine che sanno imitare Aretha Franklin ce ne sono a centinaia, mentre di asiatiche di mezza età in minigonna che mettono le cosce in faccia a Gary Barlow in prime time un po’ meno; le prime non fanno audience, le seconde sì.

Non c’è da stupirsi se qualcuno paragona la visione del programma alle gite al manicomio nel XVIII secolo. A voler cercare concorrenti sempre più fuori di testa, infatti, X Factor UK (e Britain’s Got Talent e American Idol) hanno più volte pestato il merdone. L’anno scorso, Shirlena Johnson ha lasciato lo show perché mentalmente instabile; quest’anno, Ceri Rees si è presentata per la quarta volta alle selezioni e le sono stati dedicati sette lunghissimi minuti di screentime fino all’inascoltabile esibizione che l’ha rimandata a casa. Il caso della Rees è stato oggetto di un acceso dibattito perché non solo era la sua quarta partecipazione davanti alle telecamere, ma questa volta era stata perfino invitata dalla redazione al grido di “è la tua grande occasione”. Fortunatamente, davanti all’interminabile umiliazione della gattara 54enne, il pubblico ha detto basta.

È comprensibile che il programma voglia strappare qualche risata, ma nessuno è più così ingenuo da non individuare immediatamente i concorrenti destinati al LOL. Non stiamo parlando di gente come le Yavanna o Nevruz, che possono far sorridere per la loro eccentricità, ma sanno cantare. Se sei strambo e stonatuccio e arrivi davanti ai giudici dopo numerose fasi di selezione, hai abboccato (e abbiamo abboccato anche noi che ti facciamo diventare trending topic, Fiocco di Neve). Se sei stonato a quei livelli e pensi veramente di avere un futuro nella musica, la circonvenzione di incapace è dietro l’angolo.
(E allora la Corrida? Ci vuoi dire che Corrado sfruttava le persone fragili? Un attimo, il sottotitolo della Corrida era “dilettanti allo sbaraglio”: di talento se ne vedeva poco. Era una sagra paesana coi vecchietti che cantavano le canzoni in dialetto e le signore che battevano le pentole e i campanacci nel pubblico. Tra un “Vitti ‘na crozza” suonato con le ascelle dal pensionato catanese e Un Contratto Con La Casa Discografica Più Importante Al Mondo c’è un po’ di differenza.)

Ma se X Factor 5 non sembra ancora aver giocato la carta CAMICIE DI FORZA, ha già imparato la lezione di Simon Cowell sui casi umani di cui discutevo esattamente un anno fa. (Facciamo partire Adele come sottofondo.) Le Lallai  “sono sorelle e non si parlano da anni, ma si sono incontrate sul palco di X Factor“. Be’, innanzitutto, CHE BELLA COINCIDENZA. E poi, che brutto, non si fa, la famiglia prima di tutto! Ventura e Morgan individuano subito il caso umano e forzano la riconciliazione via duetto: come soliste no, ma in coppia in sì. E nessuno che dica loro: “ma fatevi un po’ i cazzi vostri”. Manca solo il bus di Stranamore guidato da Rossella Brescia vestita da postina per completare il crossover. Venerdì sera, le Lallai si sono quindi presentate come duo e, be’, “l’esibizione è segno di un legame molto forte che dovreste rivedere” (Arisa), “quello che non vi dite da anni, ve lo siete detto con la musica, vi state sfidando con la vocalità!” (Morgan), “anch’io ho una sorella: tutto è risolvibile” (Ventura), “siete troppo brave, fate la pace! ” (delle signore fuori dal palazzetto), “No” (Elio).

Ecco, grazie Elio: NO. Se questa è la piega “inglese” che gli autori hanno deciso di prendere per questa edizione, si spera siano in tempo per ripensarci. (Le Lallai sono il caso più estremo, ma non avete idea di quante nonne morte da vendicare artisticamente ci siano in Italia.) X Factor è uno degli ultimi baluardi di musica in televisione ed è una bella gara da seguire. Il pubblico che attira è diverso da quello di Amici e, se la timeline di Twitter può insegnarci qualcosa, la deriva defilippica non è piaciuta a nessuno. Alla quinta stagione e con una grossa opportunità per cambiare, il programma può scegliere se diventare l’ottimo talent show che a tratti abbiamo già conosciuto o l’ennesima discarica di RVM lacrimogeni. Sapete cosa dovete fare.

Più di qualsiasi altro artista, però, Björk ha sempre avuto la passione per l’involucro, il pacchetto fisico e concettuale in cui infilare il disco. Non ci è dato sapere se la pletora di cofanetti, raccolte ed edizioni speciali sia dettata dal suo narcisismo o dalle esigenze economiche di una piccola label che continua a mungere l’unica grossa mucca che ha nel roster, ma per un’artista viva e con alle spalle meno di vent’anni di carriera solista, non sembra esserci un limite alla antologizzazione delle sue opere.

Il pacchetto in cui è inserito Biophilia, dicevamo, comprende una serie di applicazioni. Björk “stava aspettando che la tecnologia si mettesse in pari con lei”, disse il curatore del Manchester International Festival presentando il nuovo tour, e lei stessa ha affermato come l’iPad e le sue possibilità in campo musicale fossero da sempre il suo sogno. Il sogno di una ribelle che scriveva le melodie in testa anziché sul pentagramma, che non ha mai voluto conoscere la sua estensione vocale o imparare a suonare uno strumento, facendo di questa sua “ignoranza” un’arma vincente. Necessità e virtù.

Stufa dell’approccio accademico alla musica, Björk vuole ora insegnarci un approccio più ludico (e tattile) alla composizione musicale – e impartirci nozioni di biologia nel frattempo! – con una serie di apps. Ci è riuscita?

Di ritorno da una delle prime date del suo nuovo tour, scrissi che non fu esattamente la gita al museo che ci si aspettava. Che, sì, il concerto instillava una certa curiosità per la scienza ma, date le premesse (l’iniziale interessamento di National Geographic, i laboratori, la voce di David Attenborough), il tanto pubblicizzato aspetto didattico deludeva un po’.

Il concerto non ci ha spiegato nulla sui fenomeni naturali; l’applicazione non ci ha insegnato nulla di nuovo rispetto a Tap Tap Revenge e dopo un’oretta di divertimento finirà nelle cartelle del dimenticatoio. Scartando finalmente l’involucro che ha fatto guadagnare una copertina di Wired a Björk e spendere 500 parole a me, arriva il disco vero e proprio.

Biophilia riprende il discorso lasciato in sospeso con Volta, un album spesso urlato, tribale e, dice Björk, arrabbiato: “Volta era tutto un puntare il dito, criticare e chiedere giustizia”. Biophilia cerca invece soluzioni a problemi che la cantante mette in luce con il suo impegno politico per la salvaguardia del patrimonio naturale dell’Islanda. Volta era un album “antropologico, femminista, attivista”, mentre in Biophilia l’uomo è assente. C’è l’amore per la natura intatta in un percorso che parte dagli astri e finisce negli atomi e, sebbene tutte le canzoni siano in prima persona, Björk cerca metafore per le relazioni umane nel discorso scientifico o viceversa: il rapporto tra virus e organismo ospite, la “battaglia magnetica” delle placche tettoniche per raggiungere l’unione. E quando l’uomo fa la sua comparsa, si tratta sempre di antenati, di figure preistoriche affascinate dal miracolo dei fulmini e lo spazio. Ne è un esempio “Cosmogony”, quella che Björk definisce la “canzone madre” dell’album e, come in passato fu per altre tracce che ricoprivano questo ruolo (“Isobel”, “Bachelorette”, “Oceania”), il testo è scritto con il poeta Sjón. Dal punto di vista lirico, Biophilia è il lavoro più coerente e riuscito della cantante dai tempi di Homogenic, che troviamo più a suo agio coi registri epici che con quelli intimi.

Musicalmente, l’opera è più difficile da incasellare delle precedenti e la missione della cantante ancora più ambiziosa: creare suoni in linea coi temi delle tracce (in “Thunderbolt” le linee di basso sono le scariche elettriche di una bobina di Tesla) o con strumenti inventati appositamente (il gameleste di “Virus”, un ibrido tra gamelan e celesta). Il risultato, però, è meno musique concrète delle aspettative: a un primo ascolto, questi esperimenti concettuali suonano come strumenti ordinari o effetti creabili al computer. Ma non sono proprio la continua ricerca, l’ambizione e la testardaggine ad aver reso Björk una degli artisti più interessanti al mondo? E questo è un album di ricerca, ambizioso e testardo che riassume un percorso musicale decennale: l’epicità di Homogenic si sposa con l’intimità di Vespertine, i silenzi le esplosioni vocali di Medúlla incontrano i beats graffianti di Volta con inevitabili incursioni dubstep.

Homogenic era Fuoco, Vespertine era Acqua (o meglio, ghiaccio), Medúlla era Aria, Volta era Terra. Biophilia è la straordinaria somma di tutti questi elementi.

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E per concludere questa settimana monografica, non si poteva non dedicare una puntata ai momenti di ilarità con protagonista Björk. Dalle parodie alle surreali interviste, nella sua carriera c’è stata anche dell’ironia. Dopo il salto, sette episodi di LOL con l’umlaut. LÖL.

7. “Triumph of a Heart” (2005)

Quando si dice un’artista seminale. Björk e Spike Jonze nel 2005 avevano già capito il potenziale dei lolcats. Il video più leggero della cantante che, a causa di alcuni probemi di coppia col fidanzato Gatto, va a ubriacarsi a Reykjavik. Ma c’è il lieto fine: lui la salverà e balleranno insieme. Una gif lunga cinque minuti.

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6. Community, “Abed’s Uncontrollable Christmas” (2010)

In una delle puntate più folli e geniali di Community (e ce ne vuole), Abed guida un treno con marce che scandiscono i livelli di assurdità: quello più alto è ovviamente “Björk”.

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5. Popworld, Simon Amstell intervista Björk (2005)

In un raro tour promozionale nel 2005, Björk subisce il trattamento Simon Amstell (che nella sua carriera di intervistatore ricordiamo principalmente come Colui Che Fece Piangere Britney Spears). Scopriamo che una volta ha fatto pipì tra gli scogli (“ma non erano di nessuno”), che si è ubriacata coi Take That (“succede spesso”) e le piacciono i reni.

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4. Saturday Night Live S15 E34, “Weekend Update” (2009)

Nel pieno della crisi economica islandese, il telegiornale di SNL invita Björk/Kristen Wiig come ambasciatrice e opinionista. Dovremmo usare le nuvole al posto dei soldi. Snarf!

(Ho provato a caricare la clip su tre diverse piattaforme e la NBC ha trovato tre modi diversi di dirmi che sono un criminale. Se non volete farvi mancare questo sketch strepitoso, la puntata è quella di Bradley Cooper e TV on the Radio.)

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3. Björk smonta un televisore

Una giovane Björk parla di televisione e poi la smonta e ci spiega come funziona (“l’ho letto stamattina in un libro danese”). Da segnare anche il consiglio finale: “Non lasciate che i poeti vi mentano”.

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2. Discorso di ringraziamento ai BRIT Awards (1998)

Anche noi ti siamo riconoscenti, pompelmo.

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1. Saturday Night Live S27 E20, “Celebrity Jeopardy” (2002)

Il premio per la parodia di Björk meglio riuscita va senz’altro a Winona Ryder. Era il periodo del vestito a cigno e Dancer in the Dark (ergo “everything is music!”). L’avrò visto mille volte e continua a farmi stare male dal ridere.

Purtroppo non posso fare l’embed dello sketch intero: guardatelo qui.

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E siamo già giunti alla penultima giornata della Björk Vika. Siete contenti? Ho contato almeno tre clienti soddisfatti, quindi è a tutti gli effetti un successo. Senza perdere tempo, oggi propongo i migliori tributi alla musica di Björk: sette cover belle o bellissime dopo il salto.

7. Ben Gibbard, “Jóga” (2004)

Che a Gibbard piacesse Björk l’avevamo già capito quando i Death Cab For Cutie si confrontarono con “All Is Full of Love” nel 2001. Qui riesce a trovare l’intimità in “Jóga” interpretandola in versione acustica per l’altrimenti trascurabile Read: Interpreting Björk, album tributo pubblicato in Giappone nel 2004.

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6. DJ Shadow, “Mutual Slump” (1996)

OK, non è esattamente una cover di “Possibly Maybe”, ma ci vuole talento anche nel campionare. Bravino ‘sto DJ Shadow, secondo me farà strada.

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5. Bon Iver, “Who Is It” (2011)

Recentissima cover di Bon Iver eseguita appena qualche mese fa. Manco a dirlo, per me è sì. Justin, che ti costa, registrala pure in studio.

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4. Final Fantasy, “Possibly Maybe” (2008)

Uno dei pochi episodi felici di Enjoyed, pubblicizzatissimo tributo a Post di Stereogum. Tant’è vero che quando quest’anno hanno messo insieme una raccolta di cover per gli Strokes il mio primo pensiero è stato: “Finalmente ora toglieranno il banner del tributo a Björk”. Dicevamo. Final Fantasy. “Possibly Maybe”. “Lottery or car crash?” Splendore.

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3. Paolo Angeli, “Desired Constellation” (2007)

La ragione per cui mi sono imbattuto in questo musicista italiano è proprio una sua serie di cover di Björk del 2007. Poi ho notato come ha pimpato la chitarra e la stima è cresciuta ancora di più. Da ascoltare anche “Unravel” e “One Day”.

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2. Robyn, “Hyperballad” (2010)

Gli svedesi consegnano il prestigioso Polar Music Prize a Björk nel 2010 e, già che ci sono, mettono in mostra le meraviglie nazionali. Dal pubblico, Björk esibisce un’impeccabile poker face: commossa, impietosita, incazzata? Chi può dirlo. Personalmente avrei preferito che Robyn si confrontasse con un altro pezzo, ma… “Ma che cosa? Ma che davvero ti stai lamentando di ROBYN che canta una delle canzoni più belle di BJÖRK se non dell’UNIVERSO?” Avete ragione, la smetto.

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1. Radiohead, “Unravel” (2007)

Non c’era nemmeno da pensarci su. Thom ha più volte detto che “Unravel” è la sua canzone preferita in assoluto – l’ha pure scritto a caratteri cubitali, una volta. I Radiohead eseguirono questa cover in uno dei loro webcast sperimentali di In Rainbows. Volete di più? Il remix di Pocket è ancora meglio e vince tutto:

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La settimana björkiana continua con le sette migliori b-side. La scelta, a contrario dei remix, è relativamente ristretta – segno che l’artista ha sempre preferito concentrarsi sulle (poche) tracce da includere negli album. Eppure, qui abbiamo sette perle che hanno trovato spazio solo nei singoli e che è giusto riesumare. Qualche approfondimento dopo il salto.

7. “Domestica”
Pagan Poetry, 2001

Domestika era il titolo di lavorazione di Vespertine. Il tema dell’album, in gran parte registrato da Björk col suo laptop nel “paradiso sotto il tavolo della cucina”, doveva proprio essere una celebrazione delle piccole cose e dei piaceri domestici. Il concept, poi abbandonato, sopravvive in questa b-side di “Pagan Poetry” in cui Björk canta per tre minuti di come non riesca a trovare le chiavi di casa. “La chiave l’hai messa senz’altro lì / Lì sulla finestra”, risponderebbe qualcun altro.

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6. “Amphibian”
Being John Malkovich OST, 1999 / Cocoon, 2002

Tre voci (una centrale, una nella cuffia destra e una in quella sinistra) improvvisano parole senza senso in una delle tracce più astratte dell’artista. Finì nei titoli di coda di Essere John Malkovich, dandoci qualche indizio sulla direzione musicale post-Homogenic.

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5. “Sweet Sweet Intuition”
Army of Me, 1995

Stranamente, una delle cose meno note del curriculum di Björk è che ha scritto una canzone per Madonna: “Bedtime Story”. I retroscena sono molto succosi: Björk dice di averlo fatto come favore per l’amico Neellee Hooper (produttore che hanno in comune) e non certo per Madonna perché è una persona “guidata dalla logica e calcolatrice”, che ragiona “con l’emisfero sinistro del cervello” (!?!) Björk non fu affatto soddisfatta del risultato finale perché pare che Madonna cambiò alcuni versi alterandone il significato. L’islandese reagì incidendo “Sweet Sweet Intuition” (la canzone come l’aveva intesa), mentre Madonna, secondo i maligni, si vendicò col video di “Human Nature”, in cui una ballerina pettinata come Björk ’95 viene frustata e ridicolizzata. Da qualche parte, c’è una morale in questa storia.

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4. “Vísur Vatnsenda-Rósu”
Possibly Maybe, 1996

Siamo tutti contenti quando Björk canta nella sua lingua madre. “Vísur…” è una ninna nanna tradizionale registrata con Hector Zazou per Chansons des mers froides e poi riproposta come b-side. Il problema è capire come fa un bambino ad addormentarsi tranquillo sentendola.        

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3. “Sod Off”
Jóga, 1997

Arrabbiatissima b-side delle sessioni di Homogenic. Pur senza i beats vulcanici di quel periodo, gli archi à la “Bachelorette” mantengono l’epicità dell’album in cui non finì mai.

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2. “Generous Palmstroke”
Hidden Place, 2001

Le due versioni del singolo di “Hidden Place” erano una vera e propria miniera. “Generous Palmstroke” è una delle canzoni di Björk preferite da Björk stessa: non la incluse in Vespertine, ma continua a proporla dal vivo. Una ninna nanna un po’ ossessiva in cui la lasciva protagonista si abbandona alle “generose carezze” dell’amante (un tema molto presente in quell’album, ahem, le carezze, per così dire).

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1. “Verandi”
Hidden Place, 2001

Oscura e tesissima, “Verandi” mette in  secondo piano i suonini glitchy di Vespertine per far respirare gli archi. È la più bella b-side di Björk nonché la più riuscita delle sue canzoni in islandese. “Verandi” dovrebbe significare “lo stato dell’essere”, e in che stato si troverà Björk? “Avere un oceano di desiderio / Avere un desiderio peloso tra i fianchi / Avere occhi che vedono al buio / E troppo spazio tra le gambe.” Decisamente troppe informazioni.

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La scelta di remix di Björk è a dir poco sconfinata, ma stilare la classifica dei migliori sette non è stato difficile.  Le versioni alternative che l’artista ha accumulato durante gli anni si dividono infatti in due categorie principali: estenuanti tamarrate di 9 minuti e follie ai limiti dell’inascoltabilità. Alla base di questi disastri sonori ci sono diverse ragioni. Innanzitutto, il cantato di Björk spesso segue logiche tutte sue e incastrarlo in un numero di BPM definito è impresa ardua. E poi, soprattutto negli anni ’90, sembra semplicemente che l’etichetta ne commissionasse troppi e con poca cura, nella disperata ricerca di filler per le numerose versioni dei singoli che venivano pubblicate.

Nonostante i grandi nomi chiamati a rielaborare i pezzi (Underworld, Beastie Boys, Beck, Moby, Alec Empire, Matthew Herbert, Mark Patton), sono pochi i remixer ad aver colto nel segno producendo qualcosa di originale e soprattutto ascoltabile. Con qualche riserva, ecco la playlist più qualche nota esplicativa dopo il salto.

7. “Army of Me (Army of Klaus remix by Patrick Wolf)”
Army of Me: Remixes and Covers, 2005

Nel 2005, si poteva ancora parlare di Patrick Wolf usando le parole “ragazzino prodigio”. Patrick dice di essere stato “posseduto da Klaus Nomi” durante la produzione e di aver incluso sample registrati a un concerto di Björk, quando era un insospettabile spettatore. Il pezzo, con altri 16 remix spediti dai fan, finì nell’album di beneficenza per le vittime dello tsunami nel Sud-est asiatico. Pitchfork mostrò poca solidarietà e disse: “3.8“.

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6. “Dull Flame of Desire (Modeselektor remix for Girls)”
Dull Flame of Desire, 2007

Che la voce di Antony si sposi perfettamente coi dancefloor malinconici lo sapevamo. Che  i Modeselektor sapessero farci ballare anche. Un remix senza tanti fronzoli che fa il suo dovere.

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5. “Who Is It (Vitalic remix)”

Questa divertente rielaborazione electropop doveva essere una b-side di “Where Is the Line”, ma non fu mai pubblicata. Alcune imperfezioni nella sincronizzazione della voce lasciano intendere che non è un lavoro finito, ma funziona a meraviglia.

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4. “Oceania (Radio mix feat. Kelis)”
Who Is It, 2004

Questa traccia non compare nella playlist qua sopra perché Soundcloud non me la lascia caricare (peraltro dandomi del criminale). Peccato perché è un duetto molto interessante. Ma come si saranno incontrate Björk e Kelis, vi chiederete. Ebbene, c’è un aneddoto gustosissimo. Le due avevano i camerini confinanti a uno show e Björk stava ascoltando Peaches, ma aveva il CD rovinato, così Kelis le ha regalato il suo e si sono scambiate i numeri di telefono. Viene confermata la mia teoria secondo la quale Peaches è ascoltata e rispettata solo nello showbiz.

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3. “It’s in Our Hands (Soft Pink Truth remix)”
It’s in Our Hands, 2002

Uno dei momenti più inavvertitamente pop di Björk degli ultimi dieci anni: Soft Pink Truth (ovvero Drew Daniel, ovvero mezzo Matmos) mette “It’s in Our Hands” dentro un flipper e poi gli dà fuoco. La canzone veniva eseguita in questa versione anche dal vivo durante il Greatest Hits Tour, abbinata alle spiritose proiezioni di Lynn Fox.

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2. “Army of Me (feat. Skunk Anansie)”
Army of Me, 1995

Ho già parlato ieri di questo potentissimo remix di “Army of Me”. Questa è la versione in studio senza Skin, ma nel reparto urla e strilli, Björk non ha proprio bisogno di aiuto.

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1. “Big Time Sensuality (Plaid remix)”
Possibly Maybe, 1996

Non sono un grande fan di quell’esplosione di dance anni ’90 che è “Big Time Sensuality”. La vera “Sensualità con la S maiuscola” la ottengono i Plaid abbassando i BPM e spogliandola di tutti i rumorosi elementi dell’originale.

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PS: Qualcuno ha per caso detto Telegram? No? Bene.

Tra sette giorni esce il settimo album di Björk, Biophilia, e per arrivarci belli gasati, inauguro una settimana monotematica e monomanicale. Björk Vika (che vuol dire “settimana” in islandese, mi dicono) è il risultato di un mio blitz nello sgabuzzino dell’artista, alla ricerca di perle, rarità e ilarità.

Sette giorni di articoli e classifiche celebrativi che si chiuderanno con la recensione (più o meno istantanea) dell’album. Un po’ come Shark Week, ma lo squalo è fermentato, come vuole la tradizione. Se non vi piace Björk – ve lo dico in maniera gentile – FUORI DI QUI. Per tutti gli altri, iniziamo coi suoi sette migliori momenti live dopo il salto.

7. “Oceania” (Cerimonia di apertura delle Olimpiadi di Atene 2004)

Fu una bella emozione vedere Björk avvolgere un intero stadio con il suo vestito, la sua voce (non dal vivo per motivi tecnici) e un brano splendido, scritto dal poeta Sjón per l’occasione. Peccato che le inquadrature non rendano giustizia alla performance perché in regia si stavano fumando la torcia olimpica.

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6. “Violently Happy” (MTV Unplugged 1994)

Björk si presenta allo storico programma conciata come una Spice girl e con un suonatore di bicchieri. La miglior versione di “Violently Happy” mai eseguita.

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5. “I’ve Seen It All” (Cerimonia degli Oscar 2000)

Non credo esistano molti vestiti ad essere così iconici da meritare una voce su Wikipedia. Per la prima (e ultima) volta, tutto il mondo (i.e., l’America) parlava di Björk: la star eccentrica da un piccolo stato ghiaccato che si presenta distribuendo uova sul red carpet.  Non dev’esserle dispiaciuto, se poi ha deciso di riproporre il cigno nella copertina di Vespertine (“vuoi vedere che qualcuno si ricorda che sono tutta matta e indosso cose tutte matte e mi compra ‘sto ciddì?”), ma noi sappiamo che Björk non è solo piume.

Inizialmente, anche Thom Yorke era atteso sul palco e – potrei sbagliarmi – sarebbe stata la prima volta in cui i due apparivano insieme dal vivo. Purtroppo, l’esibizione televisiva poteva essere di soli 3 minuti e la canzone ne dura 6, quindi Thom restò a casa.

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4. “All Is Full of Love” (Royal Opera House 2001)

L’era di Vespertine aveva la migliore lineup di sempre: l’arpa di Zeena Parkins, le manopole dei Matmos e le voci di un coro femminile groenlandese. Il tour della consacrazione, del “posso permettermi un’orchestra di 70 elementi nei templi della musica classica”. Se ci fossi stato, probabilmente direi anche il più bello.

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3. “Satisfaction” feat. PJ Harvey (BRIT Awards 1994)

Mille anni fa, trovai questa traccia su Napster o un altro dei p2p che spuntavano come funghi e chiudevano ancor più rapidamente. A quei tempi, i dischi si compravano perché per scaricarne uno intero ci volevano svariati eoni, ma i p2p erano il massimo per procurarsi le rarità. E io ascoltavo questa strana cover un po’ stonata ma ipnotica, non riuscendo a capire se fosse una parodia, un fake o il prezioso documento audio di una serata tra due colleghe che hanno bevuto troppi Appletini. Avanti veloce, molti anni dopo, nell’era di YouTube: erano i BRIT Awards.

Nella stessa serata, abbiamo anche l’intervista per la stampa in cui è visibile l’eccitazione di due ragazzotte che a un tratto si rendono conto si essere entrate nel mondo dei grandi. E non dimentichiamoci la storica risposta di Björk alla domanda di una giornalista che vuole venga fatta chiarezza sulla pronuncia del suo nome: “Björk – it rhymes with jerk“.

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2. “Army of Me” feat. Skunk Anansie (Top of the Pops 1995)

Durante il tristemente defunto Top of the Pops (no, non sto parlando del franchising su Rai Due, parlo di quello vero) succedevano anche cose del genere. Gli Skunk Anansie, a quei tempi compagni di etichetta di Björk, riarrangiano “Army of Me” in maniera potentissima.

(Esistono anche una versione in studio senza Skin e un’altra leggermente rielaborata nella colonna sonora di Sucker Punch.)

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1. “Hyperballad/Freak/Pluto” (Voltaic tour 2007)

Nel tour di Volta, Björk si è portata dietro Mark Bell degli LFO e il magico reactable facendone l’uso più appropriato che si potesse: “Hyperballad” si trasforma in “Freak” che si trasforma in “Pluto” che si trasforma in fottuto rave.

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Bonus: “No Limits” al pianobar

In un locale francese, una Björk mezza ubriaca viene invitata a partecipare al pianobar, richiede una canzone, si accorge di ignorarne il testo e le note, ilarità ne consegue. E meno male è la sua chanson préférée, pensa se non l’avesse mai sentita prima.

Ci sono diverse ragioni dietro al successo di X Factor e una di queste è la struttura. È un programma con un format solido, chiaro, che sa mettere in risalto concorrenti e giudici e sa creare la tensione nei momenti giusti.

Ci sono diverse ragioni dietro al fallimento di Operazione Trionfo e una di queste è la struttura. Il suo nuovo reboot Star Academy, per differenziarsi da X Factor, ha accentuato i problemi di un format datato e ormai superato in molti paesi.

Innanzitutto, 16 concorrenti sono troppi. Ce li hanno presentati con brevi profili degni di The Club in cui, giustamente, non sapevano cosa dire. Non è neanche colpa loro: chiunque sembrerebbe ridicolo in una stanza dai colori acidi a spiegare cosa significa per te la musica. Ne escono delle perle incredibili come: “Le canzoni per me sono come le ciliegie, la musica è una ciliegia” (quello che vogliono far passare per eccentrico otaku con l’eye-liner); “Mi piace masterizzare” (quello che vogliono far passare per geek); “Mi piace il mondo gotico” (quella che vogliono far passare per emo). Poi una ha confessato che Biagio Antonacci è il suo cantante preferito ed è scattata la tolleranza zero.
Ad aumentare la confusione, il fatto che – a parte due minorenni sull’orlo del Jessicabrandogate – si tratta solo di ventenni di bell’aspetto. Niente Giops, Yavanna o Farias, che non erano certo le proposte discografiche più allettanti, ma aggiungevano una nota di colore e varietà.

Il secondo problema – grossissimo e probabilmente irreparabile – è la formula dei medley. Ci sono 16 sconosciuti che cantano pochi secondi a testa di troppe canzoni senza averle preparate. Finisce la serata e non si è capito chi è chi, chi ha potenziale, chi ci potrebbe piacere. In compenso, abbiamo sentito una decina di attacchi sbagliati e tanto tanto controcanto (mettetevelo in testa: il controcanto non rende un duetto più interessante, così come gli svisi infiniti dell’epoca Giorgia). Inoltre, alle esibizioni mancano il kitsch, l’ironia e la locura che – diciamocelo – hanno fatto la fortuna di X Factor. Insomma, MANCA TOMMASSINI.

E infine, chi giudica non ha motivi per salvare questo o quel cantante – una formula perfetta se fossimo in tribunale, ma quando si tratta di spettacolo, funziona meglio aggiungere alla ricetta gli interessi personali dei giudici. Non c’è tensione, non c’è attesa, non c’è dibattito. Un piccolo screzio tra Mietta e Vanoni non sazierà certo la sete di polemiche dello spettatore.

Oltre a questi problemi strutturali, l’esecuzione è stata ancora più disastrosa. Facchinetti dopo cinque anni ha imparato a condurre un talent, ma qui non ha nulla da condurre: una voce fuoricampo potrebbe tranquillamente prendere il suo posto. Il resto del cast non aiuta: Savino non ha spazio per aggiungere qualche commento vagamente divertente, Roy Paci è Roy Paci, la Cuccarini ride in maniera isterica senza motivo cercando una co-conduzione che non può avere. L’unica speranza è Ornella Vanoni, che ha un indiscusso potenziale Maionchi ancora tutto da sfruttare.

Sai che il tuo programma ha un problema quando l’unica ragione per guardarlo è vedere un’anziana un po’ svampita che non sa usare il telecomando del voto e urla: “ho un calo glicemico” e “mi scappa la pipì”.

Tatangelo, torna qui, è tutto perdonato.

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Giovedì parte Star Academy su Rai Due e conosciamo già il promo da diverse settimane. Qualcosa, però, non torna. La pubblicità ci mostra Facchinetti vicino a una culla accerchiata da microfoni e telecamere, con ninna nanna di sottofondo. Il programma ci viene presentato come “il papà di tutti i talent”.

Star Academy, ovvero Operazione Trionfo, ovvero Operación Triunfo può essere considerato “il papà di tutti i talent” nel senso attuale del termine. Il format, inaugurato nel 2001 in Spagna, è più vecchio dell’inglese Pop Idol di solo qualche mese, ma in realtà, i primi talent show risalgono agli anni ’70. Il più famoso (e vicino alla formula presente) è Star Search, al quale partecipò anche una piccola Britney Spears.

Ammettendo che Star Academy sia “il papà di tutti i talent”, perché viene raffigurato in una culla come un bebè? Se è per suggerire una novità nel nostro Paese, anche qui sappiamo che non è vero. Miguel Bosé, corri corri corri, ecc.

Scartando l’ipotesi che un bebè possa essere padre, l’attenzione si sposta su Facchinetti che, con grande discrezione – non so se avete sentito la notizia – ha appena figliato. Tuttavia, non possiamo certo concedere che Facchinetti venga chiamato “il papà di tutti i talent” solo per essersi riprodotto (per giunta, a sorpresa, la Marcuzzi non ha partorito un programma TV, ma una bambina vera!) e/o per aver presentato quattro edizioni di un altro talent show negli ultimi anni.

Dato che sono particolarmente generoso, offro gratuitamente alla Rai un’idea per risolvere questo pasticcio semiotico che hanno combinato. Basta ridoppiare Facchinetti facendogli dire la seguente battuta:

“Star Academy: il Benjamin Button di tutti i talent”

Voilà.

Lana Del Rey ha 24 anni, viene da New York, fa la cantante ed è uno degli esordi più sconvolgenti del 2011. Sono bastati una manciata di video per farla rimbalzare su tutti i blog che contano, con la complicità e il supporto di Pitchfork.

Al di là della qualità dei testi e della musica, Lana ha il merito di seguire un concept preciso che chiama “Hollywood sadcore”. Può sembrare pretenzioso, come esordiente, cercare già una nicchia tra i generi musicali, ma la definizione calza a pennello. Le influenze di Lana – da Elvis a Nina Simone, da Nancy Sinatra a Antony – si fondono in liriche malinconiche, spezzoni lo-fi che compongono i video e servizi fotografici patinati. Lana finge la stessa nostalgia che ricreiamo con Instagram filtrando gli scatti con effetti di epoche in cui non eravamo ancora nati – e le riesce benissimo.

Dopo l’iniziale entusiasmo che si prova quando un artista esce fuori dal nulla con qualcosa di strepitoso e fa inavvertitamente parlare troppo di sé, quella che alcuni chiamano “la bolla speculativa della blogosfera” scoppia. Si passa dal “wow” al “meh” nel giro di qualche settimana e spuntano le prime indie-trologie.

L’accusa che viene rivolta oggi a Lana del Rey e la farebbe passare da buzzgirl a mainstreamer è: essere costruita.

Hipster Runoff ci marcia da qualche giorno, mostrando abilità di giornalista d’inchiesta da far impallidire Striscia la notizia (e un’ironia pericolosamente ai limiti del sessismo): pubblica prima un profilo dell’artista chiedendo se si tratti della prossima “overrated, marginally talented but TOTALLY HOT female in indie“ e prosegue con un exposé dei “crimini” di Lana. Lizzy Grant viene descritta come una cantante mainstream fallita e re-impacchettata dall’industria con un’immagine e un nome d’arte creati ad hoc per essere la nuova Barbie alt-sexy; spuntano foto di qualche anno fa che la ritraggono più ordinaria, con un naso più grosso e labbra più piccole. OK, è inevitabile che qualcuno alzi il sopracciglio quando una ragazza oggettivamente carina e così giovane si reca dal chirurgo con una foto di Angelina Jolie, e lei stessa candidamente afferma che “Lana Del Rey” è un nome datole da “manager e legali” che cercavano un’immagine appropriata alla sua musica.

(Costruita? Ma come? Pensavo fosse una diva degli anni ’50 arrivata da noi con la macchina del tempo!)

Se volete crocifiggere Lana Del Rey per i compromettenti indizi sul suo passato pre-silicone, non vedo l’ora che scopriate Thom Yorke ossigenato, la Björk del periodo punk e l’Alanis Morissette che ballava in top e apriva i concerti di Vanilla Ice.

Oppure, potrete arrendervi al fatto che gli artisti sopraccitati hanno avuto fama e rispetto perché, dopo qualche tentativo, hanno trovato la loro (mi tocca usare questo termine) collocazione discografica.

A rendere il dibattito sugli scheletri nell’armadio di Lana Del Rey ancora più futile e surreale c’è un piccolo dettaglio: non ha ancora pubblicato nemmeno un LP. A voler proprio indagare a fondo, c’è un suo vecchio video (“Kill Kill”) che lascia intendere che avesse già inquadrato la sua linea estetica e musicale molto prima del successo, il nome d’arte e i chirurghi. Insomma, l’accusa è di averla re-inventata ancor prima di inventarla.

Sono il primo a sentire puzza di marketing ovunque e dubitare dell’industria, ma mai come in questo caso bisognerebbe giudicare il prodotto finito per come è. I video di Lana Del Rey funzionano, le sue canzoni sono splendide.

Per il secondo anniversario dell’11 settembre, MTV Italia e Saatchi & Saatchi crearono una campagna memorabile e riuscitissima fermando la musica per 1 minuto e 11 secondi.

Ovviamente la musica non si fermò con l’11 settembre, per quanto, nei giorni successivi all’attacco, il gigante della radiofonia americana Clear Channel distribuì alle sue 1.200 emittenti una lista di 165 canzoni da non trasmettere. Non è ancora ben chiaro quanto fosse ufficiale questa lista né se costituisse un divieto o solo un consiglio, ma se ne parlò molto. Era un momento in cui chi si occupava d’intrattenimento sentiva la pressione di non poter intrattenere, e in cui ogni altra notizia sembrava frivola e inopportuna. Quella surreale lista di canzoni pop vietate dalle radio diede materiale a chi non scriveva di cronaca, ma voleva/doveva infilare l’11 settembre in un articolo. Un po’ come sto facendo io adesso.

Il memo dei 165 pezzi banditi vale la pena ripassarlo. Includeva testi o titoli in cui si parlava di volo (“Learn to Fly”, Foo Fighters), aeroplani (“Aeroplane”, RHCP), razzi (“Rocket Man”, Elton John), catastrofi e incendi anche se metaforici (“Disco Inferno”, The Trammps) ed eventi sanguinosi del tutto scollegati (“Sunday Bloody Sunday”, U2).

E “Walk Like An Egyptian” delle Bangles.

C’è sempre qualcuno che potrebbe offendersi e chi si offende perché qualcuno ha pensato che qualcun altro sia così stupido da potersi offendere. Con una pressione del genere, gli artisti sono stati molto cauti nei loro omaggi all’11 settembre. Pur trattandosi dell’evento più importante della storia contemporanea, è difficile nominare anche solo una manciata di canzoni sul tema. Escludendo i prevedibili tributi per beneficenza e l’imbarazzante retorica di alcuni esempi di country patriottico, sono relativamente in pochi a averne scritto in maniera esplicita. L’allarme sell-out è dietro l’angolo – e non c’è peggior accusa di sfruttare una tragedia per vendere compact disc.

Tra i rari esempi degni di nota figurano: la struggente ma piuttosto astratta “Harbour” di Moby con Sinéad O’Connor; “Hunting for Witches” dei Bloc Party (sebbene sia arrivata nel 2007 e parli soprattutto degli attachi di Londra e l’atteggiamento dei media); la ritardataria lettera aperta dei Beastie Boys; l’inevitabile omaggio springsteeniano di “The Rising”; “911″, violenta e confusa reazione a caldo registrata il 12 settembre 2001 da Gorillaz e D12.

Decisamente più complesse le riflessioni sull’identità americana in due album agli antipodi: Scarlet’s Walk (2002), l’estenuante viaggio di Tori Amos alla scoperta delle radici del Paese, e American Life (2003), l’album più politico e sottovalutato di Madonna che, abbandonata ogni speranza di poter dire qualcosa di serio senza essere presa a sassate, dovette poi risollevare la promozione del disco con due baci saffici.

E infine, lo strano caso di uno sconosciuto chiamato Ryan Adams, il cui singolo d’esordio diventò uno degli inni per eccellenza in maniera del tutto involontaria. Il video di “New York, New York”, uscito con strano tempismo il giorno degli attacchi, era da intendersi come un omaggio a Friends, riprendendo la skyline della città come nella sigla della serie. I discografici decisero di non ritirarlo e diventò la canzone perfetta per tutti i canali che non sapevano più cosa programmare senza paranoie.

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Esattamente dieci anni fa, una cantante inglese bloccata a Washington riceveva una telefonata. Mentre guardava il Pentagono in fiamme dalla finestra di una camera d’albergo, le annunciarono che aveva vinto il premio musicale più prestigioso del Regno Unito per un suo album, Stories from the City, Stories from the Sea. Martedì scorso, quel premio, PJ Harvey l’ha vinto per la seconda volta con Let England Shake, un album di guerra nato in parte dalle testimonianze dei soldati in Iraq e Afghanistan – chiudendo un ciclo. Si può sospettare che, oltre agli indiscussi meriti musicali e il valore politico dell’opera, il Mercury Prize le sia stato nuovamente assegnato per creare la notizia perfetta per la stampa. È una bella storia, in effetti, e se il premio fosse andato ad Adele o Tinie Tempah, non ci sarebbe stata una scusa altrettanto buona per scriverne. Un po’ come sto facendo io adesso.

Il ritratto di New York di Stories from the City, Stories from the Sea è ai limiti della chiaroveggenza. PJ cattura la tensione impalbabile di una città sull’orlo del cambiamento, in cui non ci si può sentire al sicuro; proietta la violenza repressa, la vulnerabilità e la freddezza delle sue relazioni sui grattacieli di Manhattan; vaga incerta tra Chinatown e Little Italy mentre sfrecciano gli elicotteri. È una dichiarazione d’amore scritta in tempi non sospetti che inquadra il futuro della città senza saperlo.

È l’album migliore e più significativo sull’11 settembre, ed è stato inciso un anno prima dell’11 settembre.

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Fino a qualche giorno fa.

Durante l’ultima, dimenticabilissima edizione dei Video Music Awards tenutasi domenica, Beyoncé ha annunciato di essere incinta.

La twittersfera non poteva certo stare a guardare quello che tutti stavano già guardando senza far notare quello che tutti già stavano notando, e l’annuncio si è tradotto in 8.868 tweet al secondo. Più dei mondiali di calcio, più del terremoto in Giappone. A quel punto, non sarebbe servita nemmeno Lady Gaga che sgrava gremlins sul red carpet per distrarre l’umanità dal feto reale. E meno male che Beyoncé è già al quinto mese e ce ne restano solo quattro (anche se, dipende, magari lo tiene dentro un po’ più a lungo per far coincidere il parto con un nuovo video). Seguiranno: interviste in tutti i talk show mattutini, il servizio fotografico senza veli col pancione (è artistico! È per beneficenza! Weirdest boner!) e una linea di capi prémaman. Poi, per non uccidere il buzz postpartum, la signora di Casa Jay-Z potrebbe fare una comparsata sulla newsletter per mamme impegnate di Gwyneth Paltrow, mentre noi tutti potremo finalmente occuparci delle scelte di stile del neonato. Altro che tacchi di Suri Cruise e sopracciglia di Lourdes, il piccolo gangster (che avrà almeno tre nomi: uno normale, uno afroesotico e uno biblico) sarà il soggetto di milioni di tumblr dedicati.

A rendere il tutto ancora più interessante, ci penseranno i complottisti di Vigilant Citizen e affini: convinti che Beyoncé e Jay-Z siano i capi supremi della setta degli Illuminati, etichetteranno il bambino come il Rosemary’s Baby dell’hip hop.

E, infine, l’album. L’album definitivo sulle gioie della maternità, quattordici tracce concepite, prodotte e registrate nel grembo imperiale, con special edition avvolta in una replica in scala 1:1 della sacca scrotale di Jay-Z.

Eppure, mi direte, è solo questione di prospettiva. Beyoncé che annuncia una gravidanza sul palco dei VMAs è l’equivalente su scala planetaria di quelle mamme che credono di possedere il marciapiede coi loro passeggini a forma di SUV. Noi abbiamo gli amici su Facebook che postano le foto del pupo che fa la pappa, il ruttino e il bagnetto; la popstar ci fa un comunicato stampa e un disco. Come tutti, parla di ciò che gli accade e ciò che conosce. Ma a rendere preziosa l’opera non è, in genere, l’esperienza in sé bensì il punto di vista. È la capacità di elaborare qualcosa che viviamo tutti in maniera unica. Ma quando il tema è la maternità, le chances di trovare prospettive originali sono pari a quelle di avere un parto ottuplo. Gridare al mondo: “GUARDAMI, SONO MADRE” funzionerà in termini commerciali, ma raramente artistici.

L’homo sapiens si riproduce da 200.000 anni: fatevene una ragione.

Tagged: Beyoncé, Gianna Nannini, Jay-Z ]]> http://poptopoi.com/2011/08/31/guardami-sono-madre-la-plateale-maternita-della-popstar/feed/ 3 poptopoi http://poptopoi.com/2011/08/14/la-compila-di-pop-topoi/ http://poptopoi.com/2011/08/14/la-compila-di-pop-topoi/#comments Sun, 14 Aug 2011 01:07:19 +0000 Pop Topoi http://poptopoi.com/?p=2150 ]]>

Il Festivalbar è morto da quattro anni e un po’ se ne sente la mancanza. Il sentimento di nostalgia non è certo legato al programma in sé, ma a quello che rappresentava: l’arrivo dell’estate. A maggio, ovvero quando iniziavano a passare la pubblicità su Italia1. Poi, però, La tua estate in musica finiva sul più bello, perché ad agosto il Festivalbar inspiegabilmente non andava in onda. Sottotitoli alternativi: Vuoi mica montare palchi con quel caldo? o Il signor Salvetti è in vacanza, desidera? Magari passavano le repliche e i conduttori presentavano le esibizioni delle puntate precedenti (giuro di ricordare Amadeus che lancia tormentoni pre-registrati usando il verbo “gettonare”. “Gettoniamo gli Articolo 31!”, ecc.). A settembre, la finalissima alla’arena di Verona ti ricordava che – reality check – l’estate era bell’e finita, ma per un paio di sere potevi di nuovo riascoltare i brani che l’avevano accompagnata.

I premi, poi, non si è mai capito chi li decidesse e con quale criterio. Nel ’78, vinse Kate Bush; nel ’79, Alan Sorrenti, PER DIRE. In epoche più recenti, bastava individuare l’artista italiano più grosso che aveva un album in promozione quell’anno: Ramazzotti, Vasco, Ligabue.

Forse ci piaceva perché era una delle poche occasioni per vedere in TV alcune star internazionali, ma si trattava sempre di annoiate esibizioni in playback accompagnate da applausi registrati e pessimi siparietti. Il tutto avvolto dai troppi capelli della Panicucci.

Un altro intramontabile simbolo che appena nominerò avrà su di voi l’effetto di mille madeleine (inzuppate nell’Estathé) è la compilation del Festivalbar. Oh sì, quella blu e quella rossa, ovvero l’unico modo possibile per portarsi a casa tutto il tormentame estivo. Con quello che costavano, c’era da pensarci bene su prima di comprare il disco dal colore giusto, e sebbene la distribuzione delle hit nelle scalette  sembrasse fatta apposta per complicarti la scelta, erano semplicemente il prodotto di due case discografiche diverse (la rossa era tradizionalmente EMI e la blu Sony o Warner).

Col Festivalbar, sono morte anche le compilation blu e rossa, ma non temete: arriva quella viola di Pop Topoi!  (Era molto più viola prima che la filtrassi con Instagram, ma è una manovra necessaria per attirare il pubblico indie.) Comprende 14 tracce nuove o nuovissime e SI SCARICA QUI. Dopo il salto, un po’ di parole sulle scelte.

E ora, con permesso, vado in vacanza.

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1. Jay-Z & Kanye West, “Who Gon Stop Me”

Watch The Throne è un discone clamoroso. Strabordante di campionamenti, collaborazioni e tanto ego. E chi li ferma.

2. Beyoncé, “Best Thing I Never Had (original mix)”

Quando l’autore di “Best Thing I Never Had” (Patrick “j.Que” Smith) ha sentito il pezzo finito è rimasto un po’ interdetto e ha deciso di donare al mondo la versione con l’arrangiamento originale. La giusta vendetta di una canzone che non era destinata a essere una ballad, ma un incalzante pezzone anni ’80 che probabilmente avrebbe avuto molto più successo.

3. Chromeo feat. Solange Knowles, “When The Night Falls (Breakbot remix)”

La più indie delle sorelle Knowles si accoppia coi Chromeo in questo pezzo dell’anno scorso, ma con un remix nuovo di zecca e sopratutto ballabilissimo.

4. Jens Lekman, “An Argument with Myself”

Jens è tornato con quello che dovrebbe essere l’inno ufficiale dell’estate. Spensierato e tropicaleggiante,  è un piccolo flusso di coscienza del cantautore mentre passeggia impacciato per Melbourne. Tutti in coro: “Aww, Jens”.

5. Gotye feat. Kimbra, “Somebody that I Used to Know”

E da Melbourne arriva anche Gotye. (Eh, che aggancio!) La sua bellissima “Heart’s a Mess” nel 2007 era passata quasi inosservata, mentre questa break up song che sul ritornello ricorda paurosamente Sting, è già disco d’oro nella sua terra dei canguri.

6. Daley, “Those Who Wait”

Daley è il prototipo di hipster-Londra est, ma l’immagine è in netto contrasto con la sua languidissima voce. Lo tengo d’occhio da quando ha cantato in “Doncamatic” dei Gorillaz e dovreste farlo anche voi. Il suo primo album mixtape, tra l’altro, si scarica gratis dal suo sito. Se non vi basta il mio endorsement, fidatevi almeno di Damon Albarn.

7. Alex Clare, “Too Close”

Quando Paul Lester del Guardian ha dovuto scrivere il profilo di questo cantautore, si è trovato in seria difficoltà nell’identificare il genere della sua musica. In effetti, Alex Clare ha tutta l’aria di essere il tipo che se lo lasci in una stanza da solo con una chitarra, ti tira fuori una lagna à la James Blunt. Per fortuna che nella stanza sono entrati Diplo & Switch e hanno creato un mostro.

8. Nicola Roberts, “Beat of My Drum”

Non ho mai capito le Girls Aloud come insieme, figuriamoci prese singolarmente. Eppure, Nicola Roberts, messa nel tritacarne di Diplo (sì, ancora lui) e trasformata in una sorta di Barbie M.I.A., tira fuori un inatteso gioiellino pop. Il ritornello è troppo scemo per essere vero, ma è estate, su.

9. Willy Moon, “I Wanna Be Your Man”

Non si sa bene da dove salti fuori questo 21enne neozelandese, ma gli è bastato un video di 1 minuto e 50 secondi per attirare l’attenzione di molti appena quattro giorni fa. Willy Moon ha il nome e le sembianze di un cartone animato e pare uscito da Chi ha incastrato Roger Rabbit. Una specie di Janelle Monáe al maschile che pesca a piene mani dagli anni ’50 riarrangiandoli in maniera divertente, rumorosa, sporchissima e soprattutto attuale. C’è solo da sperare che non finisca nelle mani di una major che farà di tutto per “normalizzarlo”. Ma ci penseremo più avanti, questo minuto e 50 secondi di follia, per ora, è un’eccezionale sorpresa.

10. Jamie Woon, “Lady Luck”

Continua il mio endorsement per Jamie Woon nella speranza che qualcuno si accorga di lui. L’ho lodato in passato e non ho intenzione di smettere.

11. Rye Rye & Robyn, “Never Will Be Mine”

“Be Mine” è una delle più belle canzoni pop degli ultimi dieci anni, ma nessuno se n’è accorto. Meno male che Rye Rye ha deciso di rispolverarla e usarne il ritornello. I versi di Robyn, spogliati e rallentati, vengono accostati a un rap che amplifica l’amarezza della canzone originale. E riescono perfino a fare passare inosservato il modo in cui sono conciate queste due.

12, Lana Del Rey, “Video Games”

Lana Del Rey darà del filo da torcere a molte delle piacenti cantanti indie del nostro cuore. “Hollywood sadcore” è la definizione che questa newyorchese usa per descrivere la sua musica. Non si sa bene cosa voglia dire, ma non credo vogliate contraddirla.

13. CocknBullKid, “Yellow”

Sempre per la serie doveva-avere-successo-ma-il-mondo-è-ingiusto, arriva CocknBullKid. Uno degli esordi più gradevoli dell’anno; una serie di cover stupende con Eliza Doolittle, Gonzales e Clare Maguire; un video in cui si traveste da pupazzo Polifemo: ma cosa volete di più?

14. Basement Jaxx vs. Metropole Orkest, “Where’s Your Head At”

E per chiudere, un classico di dieci anni fa in versione orchestrale, frutto del recente scontro (dal vivo!) tra Basement Jaxx e la danese Metropole Orkest. Boom.

*

Per molti anni, le t.A.T.u. sono state la bugia peggio raccontata del pop. Una bugia con le gambe particolarmente corte, ma sparata contromano a 200 km/h. Due minorenni vestite da scolarette che si baciano erano l’evoluzione naturale del teen pop americano a cui gli americani non avevano osato pensare: ci volle un manager russo per alzare l’asticella, anticipare la slutwave e creare un grande pop topos.

Ricordo una puntata di TRL in cui la Surina e Maccarini si trovarono in visibile imbarazzo per aver fiutato la truffa e abbandonarono la consueta diplomazia cercando di far capire al pubblico in piazza (perlopiù composto da lesbiche – loro sì – vere) che non c’era da fidarsi di quelle due.

Eppure, la bufala continuò più o meno indisturbata ben oltre il tempo massimo (la gravidanza della bruna). Nonostante una notevole emorragia di fan, video sempre più pruriginosi, canzoni sempre meno interessanti, un film che Mischa Barton preferirebbe non aver mai fatto e colossali stonature nell’immagine e nella voce, le t.A.T.u. diventarono la prima e unica band russa dei record.

A tre anni dallo scioglimento, la rossa del duo Lena Katina inaugura la carriera da solista col singolo “Never Forget”.

Quando Robbie Williams lasciò i Take That, il suo primo singolo fu “Freedom”, perché finalmente era libero di fare ciò che voleva. Quando le Spice Girls si trovarono con una componente di meno, incisero una canzone di addio che suonava come un epitaffio e Geri Halliwell, nel suo primo video da solista, inscenò il funerale di Ginger Spice. C’è qualcosa di contradditorio nell’affermare di aver rotto col proprio passato artistico continuando a farvi riferimento, peraltro con metafore di tale pochezza. La t.A.T.u. che dichiara esauriti i suoi primi 14 minuti e 59 secondi di popolarità – sperando che con la rinascita da solista arrivi finalmente a 15 – è un crimine prevedibile, ma di un’efferatezza sconvolgente. Il video-funerale mostra la collega morta, prima stesa nuda su un lettino all’obitorio, poi baciata in fotografia e infine visitata al cimitero. E quel verso nella prima strofa, “now it’s time for us to get it straight“? Sarà anche un modo di dire per far rima, ma la scelta dell’aggettivo stride non poco.

I fan non sono i bambini traumatizzati da un divorzio: sanno che ci sono cause legali da aprire, contratti da rompere e uffici stampa da mobilitare. Vedrete che supereranno il trauma e sapranno perdonare le guerre mediatiche perché hanno imparato una cosa: di peggio, c’è solo una reunion.

E i ricavati andranno a questa fondazione. Poi magari mi sbaglio, eh.

Tagged: Amy Winehouse ]]> http://poptopoi.com/2011/07/30/too-soon/feed/ 6 poptopoi http://poptopoi.com/2011/07/24/rip-amy-winehouse-controllare-su-wikipedia-lanno-di-nascita-2011/ http://poptopoi.com/2011/07/24/rip-amy-winehouse-controllare-su-wikipedia-lanno-di-nascita-2011/#comments Sun, 24 Jul 2011 00:43:59 +0000 Pop Topoi http://poptopoi.com/?p=2091 ]]>  

Inserire qui foto dell’artista.

Si preferisca uno scatto promozionale o dal vivo.

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NB: Quando saranno note le cause del decesso, non aggiornare questo articolo bensì scriverne uno nuovo (più page views).

Se mi seguite su Twitter, domenica vi sarete accorti che ero al Manchester International Festival per la seconda data dell’anteprima mondiale del nuovo tour di Björk. Potrei esserne stato abbastanza entusiasta, non so se si è capito. Per chi volesse leggere opinioni a riguardo in un formato più digeribile e con meno caps-lock, la mia recensione è su Grazia.

Tagged: Björk ]]> http://poptopoi.com/2011/07/06/bjork-biophilia-tour/feed/ 1 poptopoi Björk http://poptopoi.com/2011/06/23/chi-saranno-i-giudici-di-x-factor-5/ http://poptopoi.com/2011/06/23/chi-saranno-i-giudici-di-x-factor-5/#comments Thu, 23 Jun 2011 08:10:48 +0000 Pop Topoi http://poptopoi.com/?p=1841 ]]>

L’estate, ahinoi, non è stagione di talent e son problemi. In autunno, X Factor passerà a Sky e Rai Due inaugurerà Star Academy, ma CHI condurrà, CHI presenzierà, CHI giudicherà? Morgan sì, Morgan no? Nessuno lo sa, ma questo non ha certo trattenuto la fuga di notizie, supposizioni e teorie. Con cadenza giornaliera, la blogosfera viene inondata da nomi più o meno surreali che potrebbero partecipare ai nuovi talent show.

Ne converrete, bisogna fare chiarezza.

Quindi, oggi vi regalo l’esclusivo Generatore Automatico di Giudici di X Factor 5. L’unico strumento che permette di creare il panel perfetto grazie a un complicato algoritmo di lulz, WTF e O RLY. Da tenere sempre a portata di mano per conoscere i protagonisti della prossima stagione talentuosa.

Cliccate e refreshate fino a settembre. Capace che troviate la combinazione corretta!

Il nuovo video di Lady Gaga è brutto. È a malapena un video: non c’è un concept, non c’è un barlume di creatività. Gli unici che possono dirsi contenti di cinque minuti di Gaga che si struscia al parapetto sono quei fan che han subìto un lavaggio del cervello così intensivo da pensare che qualsiasi cosa tiri fuori la loro eroina sia arte, emozione e ispirazione. Io invece penso che talvolta sia bene liberare Gaga dal peso politico e simbolico che si trascina dietro e ridimensionare le sue azioni e il suo mestiere. Lady Gaga è una musicista e ha fatto un brutto video. Capita.

Tuttavia, come dice Popjustice, “non so cosa sia più preoccupante: il fatto che [Gaga] abbia realizzato qualcosa pur sapendo che è una merda o la possibilità che lei pensi sia bello”.

Inizialmente, Joseph Kahn doveva essere il regista di “The Edge of Glory”. Per quanto la sua carriera, a mio parere , includa alti e bassi (ma soprattutto bassi), era una buona idea assegnare la canzone a un regista vero, un professionista con alle spalle una cinquantina di video mainstream. È infatti da “Telephone” che Gaga si affida a creativi con altre esperienze: due fotografi per “Alejandro” e “Born This Way”, una coreografa per “Judas”. Coinvolgere persone con curricula non del tutto pertinenti può portare idee interessanti, ma non garantisce la qualità del prodotto finito – e aggiungere “haus of Gaga” ai credits come fosse un bollino Chiquita non funziona se la banana è marcia.

Per ora, tutto quello che sappiamo è che, in un momento imprecisato delle riprese, Kahn ha abbandonato il progetto. Dal leak di alcune immagini di produzione si intuiva la presenza di ambientazioni diverse e forse un concept più complesso. A un certo punto si è parlato di sirene.

I did NOT direct Lady Gaga's "Edge of Glory" video. Lady Gaga did.—
Joseph Kahn (@JosephKahn) June 16, 2011

Well, I'm trending worldwide again. This time for all the wrong reasons. Sigh.—
Joseph Kahn (@JosephKahn) June 17, 2011

Forse nei prossimi giorni verrà fatta chiarezza e scopriremo com’è nato lo screzio tra i due, ma già che ci siamo, tanto vale lanciare un’ipotesi: con Clarence Clemons in fin di vita, Gaga ha deciso di smontare il baraccone. La canzone è dedicata al nonno defunto di Stefani e, come spiega lei stessa, parla de “l’ultimo momento prima di lasciare la Terra”. Dato che queste potrebbero essere le ultime immagini ufficiali di Clemons, forse Gaga non se l’è sentita di legarlo per sempre a un video con danze discinte e parrucche colorate. In quest’ottica, “The Edge of Glory” sarebbe l’unico tributo possibile: una strada deserta, lui e lei, un sassofono.

EEEEEEH siamo finalmente giunti al termine del Premio più lungo della storia (o almeno, a me è sembrato così). Un’affluenza senza precedenti ha messo a dura prova le urne, strabordanti di affettati marci e ciocche buffamente colorate. Ma, come suggeriscono le percentuali, non c’è stata gara: MiticoVasco, IL RE DEL ROCK, l’umarell di Zocca ha guadagnato quasi il 60% dei consensi degli aventi diritto al voto. Colleghiamoci col vincitore per scoprire come sta festeggiando.

Bene. Ora che les jeux sont faits, devo confessare che tifavo per i Modà. Avrei potuto applicare il Metodo Baudo ’96, ma non l’ho fatto e potete quindi avere la garanzia di un risultato democratico e pulito.

Ieri sera, come saprete, si è anche tenuta la quarta edizione del Premio Mogol. La giuria, composta da Mario Luzzatto-Fegiz, Marinella Venegoni e Paolo Giordano (il Premio MoLOL, insomma), ha premiato “Le tasche piene di sassi”. Io Jovanotti lo preferisco meno filosofo Baci Perugina e più electropop, ma poteva andare peggio, considerando che tra i nominati figuravano anche Le Strisce, Van De Sfroos, Mannarino (le quote etniche), Cremonini, Pezzali (le quote redenzione) e Gazzè (le quote SOB, fatelo vincere, che vi costa).

"le tasche piene di sassi" ha vinto il premio Mogol per il miglio testo dell'anno.Grazie a tutti!grazie maestro Mogol!—
Lorenzo Jovanotti (@lorenzojova) June 14, 2011

La spumeggiante serata, che verrà trasmessa su Rai Uno il 23 giugno, è stata condotta da Fabrizio Frizzi ed impreziosita dalle esibizioni di Davide Mogavero (le quote “ancora tu, ma non dovevamo vederci più?”) e B-Twins (le quote twincest del CET). Ma il vero protagonista, almeno per quanto mi riguarda, è stato l’ambasciatore Saturnino, che se la instagrammava in platea.

Premio Mogol @ Anfiteatro Romano Aosta! http://instagr.am/p/FuiJZ/—
Saturnino Celani (@Saturnino69) June 14, 2011

E anche per quest’anno è tutto. Un sentito grazie alla golden share per le MIGLIAIA di voti  ricevuti (storia vera). Riguardiamoci il trailer che mi è costato tre attacchi epilettici e una querela da parte di Gaspar Noé.

Tagged: Elisa, Fabri Fibra, Moda, Paola e Chiara, Premio Mogol. Jovanotti, Saturnino, Vasco Rossi ]]> http://poptopoi.com/2011/06/15/premio-salame-dai-capelli-verderame-2011-il-vincitore/feed/ 8 poptopoi percentuali http://poptopoi.com/2011/06/08/premio-salame-dai-capelli-verderame-2011-la-finale/ http://poptopoi.com/2011/06/08/premio-salame-dai-capelli-verderame-2011-la-finale/#comments Wed, 08 Jun 2011 15:15:34 +0000 Pop Topoi http://poptopoi.com/?p=1794 ]]> Benvenuti all’ultimo round del premio più eccentricamente insaccato della blogosfera. Chi la spunterà, chi ha scritto le peggiori liriche dell’anno, chi è il degno successore di Pupo, sua Maestà Emanuele Filiberto di Savoia e il tenore Luca Canonici? Lo scopriremo presto, e lo deciderete voi. Inizialmente, avevo previsto una semifinale, ma il ritardo nella comunicazione della data del Premio Mogol ha scombussolato tutti i piani. Finalmente sappiamo quando il celebre paroliere consegnerà l’ambito riconoscimento (il 14 giugno) e dobbiamo sbrigarci. E poi, perché allungare il brodo? Buttiamo tutti i cavalli in pista e vediamo chi si fa più male.

Ecco il poker di ciofeche arrivate in finale:

Prima di votare, dovete sapere che, come in tutti i premi che si rispettino, si sono verificati BROGLI, COMPLOTTI, IRREGOLARITÀ E OMIGIDI. Nella seconda manche, Matteo Becucci aveva uno scarto notevole nel duello contro Paola e Chiara e i bookmakers non esitavano a scommettere i loro soldi e le loro madri sulla vittoria del livornese anche nella finalissima. Poi, il colpo di scena. Complice l’assenza del blocco dell’IP nelle votazioni, Becucci è stato misteriosamente salvato da (non scherzo) 2.467 voti per Paola e Chiara.
Non ci è dato sapere se il crimine è stato perpetrato da haters delle sorelle Iezzi o karampane becucciane, ma è stato eseguito con metodo e destrezza. Dati di traffico alla mano, i click non sono arrivati dal post bensì la pagina del sondaggio su Polldaddy, rendendo così impossibile risalire ai colpevoli. Non so voi, ma chiunque creda che questo premio sia così importante da dover essere sabotato, si guadagna la mia stima immediata. Quindi, Paola e Chiara sono in finale: nessuno è al sicuro.

I seggi sono aperti. Per gli exit polls, abbiamo i commenti e per gli intention polls, ho preparato questi pratici badge che potete mettere nei vostri luoghi dell’internet, così i vostri amici 2.0 sapranno chi endorsate. (Clicca per ingrandire.)

Per l’ultima volta nel 2011, golden share, share the salame.

Faccio qualche riflessione sul gruppo più popolare degli Anni Zero, il loro pubblico, Gwyneth Paltrow e la Coca Cola light. Si legge su inkiostro.

*

Prima di tutto, fatemi dire una cosa al nostro nominato che canta pensoso da dietro un filtro acquerello. Biagio, i pezzi sono opera tua, no? Non te li ha assegnati un team di discografici col gusto per gli scherzi ben orchestrati, no? Ecco, dato che te li scrivi tu, e che quindi hai la libertà di costruirli sulla tua voce, PERCHÉ ci infili sempre quelle note lassù, quelle note bastarde e irraggiungibili che poi quando ti invitano in televisione devi riproporre dal vivo e ti sforzi tutto, diventi paonazzo e ti si gonfia quella vena in fronte che pari Vegeta? Perché?

Messo da parte questo importante interrogativo, parliamo della canzone “Buongiorno bell’anima”.

– Buongiorno, bell’anima.
– Buongiorno a te.
– Come stai, bell’anima?
– Preferivo quando Cocciante mi diceva che bella sì, ma anima zero, e dovevo spogliarmi come so fare io e sedermi su quella seggiola.
– Cocciante era uno bravo: lo dimostra il fatto che sapeva infilare la parola “seggiola” in una canzonetta.
– Già, ma ora sto con Antonacci.
– Mi spiace, bell’anima.
– Si stava meglio quando si stava senz’.

La perla

Voglio fare con te
L’amore vero quello che
Che non abbiamo fatto mai
Quello dove alla fine si piange
Si leccano le lacrime

Perché deve vincere?
“Fatelo smettere.”
– La vena sulla fronte di Biagio Antonacci

*

Vasco è tornato, Vasco è ancora qua, Vasco è un sopravvissuto. Il dinosauro che non vuole estinguersi e, anzi, ha recentemente scoperto come estendere il suo raggio d’azione trasformandosi in VascoSocial. Per uno che ha sempre comunicato senza filtri, Facebook e YouTube sembrano stati creati per dare spazio ai suoi rant. Se la prende con Ligabue, coi fan dei Radiohead indignati per “Ad ogni costo”, con Marcello Veneziani e con quel povero Madeddu, che andrebbe fatto beato dopo essersi preso ogni genere di insulti per aver scritto che il nuovo album non faceva schifo come i precedenti. Fate largo, Little Monsters: qui c’è un esercito in bandana che esce dalle fottute pareti dei social network.
Il singolo “Eh… già” inquadra perfettamente questo momento nella carriera di Vasco Rossi, pardon, dott. Vasco Rossi: rissoso, pieno di sé (si firma “IL RE DEL ROCK”), non gliene frega niente della tua opinione ma farà di tutto per affossarti se non porti rispetto.
I topoi vascoidi sono tutti presenti: i versi biascicati, la schitarrata che sottolinea il messaggio centrale (“io sono ancora qua”) creando il momento ideale per sollevare migliaia di dita al cielo durante il live e, ovviamente, “EEEEH”. Il video, semplicissimo, è girato tutto davanti a un green screen che non verrà sostituito da fondali o effetti speciali: lui non ne ha bisogno. Fa le mossette e i gestacci, fa quasi tenerezza. Vasco si mangia la telecamera a 59 anni suonati, Vasco sa far parlare di sé nel 2011. E senza nemmeno aver partorito.

La perla

Più o meno, suppergiù
Più giù, più su
Più giù, più su
Più su, più giù
Più su, più giù
Più su, più giù
Più su

Perché deve vincere?
EEEEH? More like MEEEEH.

*

Vota, golden share, vota il tuo candidato sindaco alla presidenza del FAIL.

Nella mia mailbox non devono esserci mail non lette. Sul mio desktop non possono esserci più di cinque icone essenziali. Nella mia libreria iTunes tutti gli album devono avere la data di pubblicazione, le maiuscole giuste e le copertine. Alcuni lo chiamano OCD, io la chiamo VITA. Potete capire quanto mi diverta vedere errori ortografici e tipografici! Questo non vuol dire ch’io sia esente da typos (specialmente su Twitter), ma posso scagliare la prima pietra perché ne faccio meno della media.

La lista che segue comprende errori che mi mandano in bestia, errori che mi lasciano indifferente e misteri insoluti. Magari ci tornerà utile.

*

, !!!, †‡†,  GL▲SS †33†H, oOoOO, Sunn O)))

Mortacci loro.

*

OK, me la sono cercata, ma vi prego: non vendicatevi tirando fuori un mio tweet dell’89 in cui ho scritto male “Lynyrd Skynyrd”. Con la coda di paglia che mi ritrovo, è facile che l’abbia già cancellato.

"Pronto Raphael?"

Mentre tutti i paesi civili hanno trasmesso la diretta con un commento in stile radiofonico, l’Italia ha organizzato una serata ad hoc condotta da Raffaella Carrà. Che la Carrà non sapesse tenere in piedi una diretta, già si sapeva (e Sanremo 2001 ne fu una pietosa conferma), ma di certo non ci aspettavamo una completa e totale anarchia televisiva di queste dimensioni. Toglile i balletti, i fagioli e le lacrime – toglile la struttura canonica dei programmi che ha condotto per decenni – e la Carrà diventa una soubrette alle prime armi. Meglio così, per noi che vogliamo i lulz.

La scelta di mettere su uno show per seguire lo show nasce dalla (supposta) incapacità del pubblico italiano di digerire una diretta commentata con voiceover e che ci sia bisogno dello Studio Con Le Poltrone di Japino per non scioccare troppo la casalinga. Tuttavia, se la lingua e le facce sconosciute dei presentatori in Germania erano un tale spauracchio, non si spiega la presenza di un ospite/opinionista francese che parla francese per tutta la serata. E che ospite. E che opinionista. Bob Sinclar.

Mai si era visto dare tanto spazio a una figura così sgradevole e fuori luogo per puri fini commerciali: la ripetuta e spudorata promozione del singolo “A far la morte comincia tu”. Tre ore ininterrotte di marchetta impreziosita da opinioni non richieste su “cosa ascoltano i giovani”, il download illegale e la solita fuffa sulle emozioni nella musica. Stizzito, Sinclar ha accusato i concorrenti di essere “finti” e “troppo commerciali”. Lui, che ricicla campionamenti da quando è nato e che anziché dare da mangiare a Kelly Rowland come tutti i DJ del pianeta, sceglie la Carrà.

"I am THE WORST."

La selezione musicale è stata sorprendentemente variegata, segno che l’Eurovision non è più solo scarti di magazzino europop. Oltre alle inevitabili categorie Urlatrici, Nonni Folk e Bocellame sparso, ci sono stati tentativi di nu metal, jazz e Motown. Il tutto confezionato in pacchettini molto radiofonici, ma è più di quello che si possa dire di una tipica annata sanremese.
Persiste, tuttavia, un certo snobismo da parte dell’industria. Se all’Eurovision si andasse per vincere, a rigor di logica l’Islanda manderebbe Björk, la Francia Mylène Farmer, l’Italia la Pausini e il Regno Unito avrebbe centinaia di proposte più allettanti dei Blue (che erano comunque gli unici concorrenti in gara con un minimo di risonanza internazionale). Oppure possiamo riciclare la storia del “trampolino di lancio”, che in effetti l’anno scorso ha funzionato per la vincitrice Lena e sta già funzionando per quella macchina da guerra pop che è Eric Saade.

I CANI

Gualazzi è arrivato secondo ed è ancora difficile crederci. Sebbene l’unica cosa interessante del cantautore sia lo spelling col “ph” del suo nome, questa sera ha fatto centro (e non è stato solo merito degli amuleti e i pentacoli della Caselli). Il meccanismo della gara non permette al paese di votare il suo rappresentante, ma le nazioni confinanti tradizionalmente si danno una mano (ne consegue il successo dei blocchi jugoslavi, scandinavi, ecc.). E mentre erano tutti impegnati ad assegnare i voti più alti ai propri cugini, Gualazzi ha racimolato un piccolo bottino di voti bassi e qualche 12 (da Albania, Spagna, San Marino e Lettonia). Insomma, non ha polarizzato le opinioni ma è stato moderatamente gradito da tutti: questo ha decretato il suo successo.

Fidatevi, è meglio che non abbia vinto perché, se la leggenda del sabotaggio che mi hanno raccontato i Jalisse è ancora valida dopo 13 anni, la Rai non avrebbe fatto i salti di gioia all’idea di organizzare l’Eurovision 2012 in Italia (così spetta al vincitore). Toccherà invece all’Azerbaijan [inserire qui battuta sulla povertà di infrastrutture del paese] che ha sbancato con la formula “Vattene amore”: duetto uomo/donna sentimentale costruito a tavolino. E quanto mi piace dire che io, in tempi non sospetti, l’avevo previsto:

I Lola Ponce/Giò Di Tonno azerbarbagianni hanno vinto. L'ho detto. #eurovision—
Pop Topoi (@PopTopoi) May 14, 2011

*

Il 2011 è stato decisamente l’anno dei Negramaro. Ah ah ah, NON È VERO. L’album Casa 69 ha venduto molto, ma non quanto i precedenti, e il gruppo ha gridato al complotto quando il singolo “Sing-hiozzo” non ha ricevuto l’airplay sperato.

Credo che ci sia un cartello delle radio contro, ma preferisco pensare che il brano non sia piaciuto.

Senza nulla togliere all’appassionante teoria del complotto, preferisco supportare l’ipotesi che gli ultrasuoni di Giuliano Sanchubby siano poco radiofonici e facciano spiaggiare le balene. Come se non bastasse, l’annus horribilis dei Negramaro è stato segnato da un’operazione alle corde vocali del cantante, che ha colto l’occasione per lanciarsi nel misery porn con un commovente messaggio ai fan.

Basta con le digressioni, parliamo della can- parliamo della can- parliamo della canzone. Già dal titolo, intuiamo un approccio sperimentale inedito: “Sing-hiozzo” cerca di riprodurre graficamente e foneticamente un “vuoto d’aria” fisico ma soprattutto psicologico che tormenta l’eroe nella prima strofa. E lo fa prendendo in prestito “sing” dall’inglese perché il singhiozzo è la tecnica vocale che il cantante predilige. Un’opera dolorosa ma necessaria sulla difficoltà di esprimersi: LA BALBUZIE DEI SENTIMENTI.

La perla

Mi ha strozzato il cuo-
Mi ha strozzato il cuo-
Mi ha strozzato il cuore

Perché deve vincere?
Perché, dopo gli Oscar a Il Discorso del Re, è giusto fare luce sui problemi di logopedia anche nel mondo della musica.

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Anche Kekko dei Modà ci racconta con dovizia di particolari i suoi problemi di comunicazione, ma lui ha trovato un rimedio! Come un pittore, disegnerà ciò che prova per la sua amata, abbinando colori a emozioni, in un tripudio di similitudini e sinestesie ispiratissime. Che bella idea! Sentiamo. “Azzurro come te, come il cielo il mare.” OK, carino, magari un po’ banale… Vogliamo continuare? “Giallo come luce del sole.” Sì, ecco, questa sarebbe scontata anche alle elementari. Proviamo col verde? “L’erba verde come la speranza.” Mi fai parlare con la tua maestra? “Adesso un po’ di blu come la notte.”

Kekko, mi è venuta un’idea per il marrone e non sto parlando di Emma.

La perla
(Non vorrei influenzare la giuria, ma mi trovo costretto a fare un’eccezione e trascrivere tutto il testo.)

Ciao, semplicemente ciao
Difficile trovare parole molto serie
Tenterò di disegnare
Come un pittore
Farò in modo di arrivare fino al cuore
Con la forza del colore.
Guarda: senza parlare
Azzurro come te, come il cielo e il mare
E giallo come luce del sole
Rosso come le cose che mi fai… provare

Ciao, semplicemente ciao
Disegno l’erba verde come la speranza
E come frutta ancora acerba
E adesso un po’ di blu come la notte
E bianco come le sue stelle con le sfumature gialle
E l’aria, puoi solo respirarla
Azzurro come te, come il cielo e il mare
E giallo come luce del sole.
Rosso come le cose che mi fai… provare
Per le tempeste non ho il colore
Con quel che resta disegno un fiore
Ora che è estate, ora che è amore

Perché deve vincere?
Ma l’avete letto?

*

Forza, golden share dorata come l’oro, fa’ il tuo dovere.

*

Matteo Becucci, concorrente di X Factor 2 come protégé di Morgan, non ha ottenuto il successo sperato dopo la vittoria. Se alcune delle sue cover nel programma hanno venduto benone, non si può dire lo stesso degli originali – segno che, per una volta, il pubblico ha saputo distinguere un buon interprete da un autore medicore. “La cucina giapponese” segna il suo ritorno e al momento non è nemmeno nella top 200 di iTunes. Forse quei 300.000 euri di contratto Sony sono stati un po’ un harakiri. Ma passiamo alla canzone, che Becucci ci spiega così:

Adoro la cucina giapponese ma spesso mi succede che un’ora dopo il pasto, pasto che in un primo momento sembra ampiamente saziante, mi torna l’appetito. Questa la metafora che mi aiuta ad esprimere l’idea di un rapporto di coppia svuotato e alla ricerca di nuovi stimoli per sopravvivere. #

Innanzitutto, Becucci, ti invito a una delle mie maratone okonomiyaki e vediamo se troverai ancora difficile saziarti con la cucina giapponese. Per risolvere l’incomunicabilità della coppia, invece, consiglio di bagnare il tutto con abbondante sake. Io porto i fiammiferi.

La perla

Questa vita tra i cuscini
Sa di sushi e di sashimi

Perché deve vincere?
I versi qui sopra hanno già ispirato l’hashtag #rimepermatteobecucci, ma tutto il testo è una miniera di haiku dadaisti che renderebbero orgoglioso Mogol. Riascoltatelo, io vado a calcificarmi le orecchie col wasabi.

*

Paola e Chiara sono tra le poche cantanti italiane con attitudine da popstar. Non si danno arie da artiste impegnate: loro vogliono essere patinate. Negli anni, hanno imparato dalle loro colleghe internazionali un grande pop topos: fare canzoni da ballare che parlano di ballare. E quando si avventurano in territori meno familiari dal punto di vista tematico, be’, ilarità ne consegue.

Canzone giocata sull’ambiguità tra le due persone, Sudoku (come il famoso Sudoku) è un gioco di pura logica, nel quale al giocatore viene proposto di utilizzare solo numeri “solitari”. La canzone vuole ironicamente, ma anche con amarezza, denunciare l’estremo egoismo nella maggior parte delle relazioni, che spesso si crea rivelando un’ assoluta incapacità di amare. #

C’è Alfonso Luigi Marra al telefono, dice che rivuole indietro la sua teoria dello STRATEGISMO SENTIMENTALE.

Peccato non abbiano girato un video per “Sudoku”. Già me le vedevo, stese su un letto di alghe nori, coperte solo da origami priapici e con la partecipazione straordinaria di Ken Watanabe nel ruolo del maniaco.

La perla

Se l’amore è un archetipo
E perciò non è reale
È una fantasia rituale

Perché deve vincere?
Anche per Paola e Chiara sarebbe un premio alla carriera. Quindici anni di canzoni per poi tornare al punto di vista iniziale sull’amore: “è stato solo un gioco / un àffare da poco”.

*

Votate!

*

“Bastardo”, canzone di donna rancorosa che augura il peggio del peggio al suo partner, forse continuazione ideale di quella “Uomo bastardo” portata a Sanremo da Marcella Bella nel 2005. Inizia come “Fotoromanza” e continua in un crescendo di archi drammatici, come la perfetta colonna sonora  di un divorzio – di quelli con le porcellane che volano e i lampadari che cadono. La Guerra dei Roses: Frosinone Drift. E Lady Tata diventa la tua Kathleen Turner: vuole “bruciarti con il fuoco che [ha] dentro, per poi vederti cenere, bastardo!”

Tommassini veste il brano di un video cupo e pruriginoso, a metà tra Victoria’s Secret e lo spot di una hotline a tarda notte su Italia 7 Gold. Il letterbox pizzato (chiaro clin d’œil all’aspect ratio satinata di Beyoncé) è il tocco di glamour poraccio dove si riconosce la mano del Maestro, il Tommostrino d’autore. Ma la canzone trova la sua vera anima animale nella serata sanremese dei duetti, quando l’interprete si ebisce con la sempre oltra Loredana Errore in un’apocalisse tourettica. E allora sì che capiamo cosa significhi “bere il più potente veleno. È amaro”.

La perla

Maledetto sporco amore

Perché deve vincere?
Perché dopo l’exploit xfactoriano “quando la persona è niente, l’offesa è zero”, la Tatangelo interpreta una canzone che è un insulto: è un cerchio che si chiude e dà lustro al meme nato su queste pagine. Bisogna, però, riconoscere che questa è forse la canzone migliore della discografia Tatangeliana, dopo capolavori dell’assurdo quali “Ragazza di periferia” e “Il mio amico”. Diciamo che sarebbe un premio alla carriera.

*

“Anche tu, anche se (non trovi le parole)” è un brano del 2009, riscritto e riarrangiato per Ivy, l’ultima raccolta semi-acustica, semi-bucolica, semi-boh-a-Natale-i-best-of-vendono-un-casino di Elisa. Se già l’originale non era un momento da ricordare nella discografia della cantautrice, questa versione, impreziosita dal rap di Fabri Fibra, è un vortice impazzito di WTF. Scilla featuring Cariddi.

È una canzone di self-empowerment. Rialzati, non arrenderti, fa’ buon viso a cattivo gioco, e ricordati che sei speciale così come sei. No, sul serio, sei speciale. Un Fibra ispiratissimo sottolinea i concetti col suo rap (una tecnica vocale che consiste nel cantare quasi “parlando”, spesso associata a temi spinosi – NdR). Usa metafore semplici, perché il messaggio universale della canzone sia accessibile a tutti, e riesce con innata maestria a far rimare “Visa” e “Pisa” con “Elisa” in un verso meta (“Per Elisa”, non è solo un successo di Alice, ma anche una celebre suoneria di Beethoven – NdR).

La perla

Come una carta Visa
Alla cassa che slitta
La vita è unica come la torre per Pisa
Come lo spartito
Scrivo per Elisa

Perché deve vincere?
Inutile ripetere come l’evoluzione di Elisa sia stata una delle delusioni più cocenti della musica nostrana. Inutile ripetere come i testi italiani della cantante risultino sempre più piatti, semplici e immaturi rispetto a strofe in inglese che ha scritto più di dieci anni fa. La vittoria segnerebbe il culmine della sua parabola pausinizzante. E poi c’è Fabri Fibra, il rapper a cui hanno gentrificato la periferia e che non capisce che “rilevante” non farà mai rima con “Caterina Caselli”.

E ora, votate.

*

Regia, fa’ partire il trailer (è meglio se lo lasciate caricare tutto prima di schiacciare play; è ancora meglio se lo fate a tutto schermo).

Chiedo scusa ai lettori epilettici, che a questo punto temo ci abbiano lasciato, e do il benvenuto a tutti gli altri. Un saluto particolare a coloro che hanno colto l’omaggio a Enter The Void.

Enter the Void – il Vuoto della musica italiana, appunto, che quest’anno si manifesta in una shortlist ricchissima:

• Anna Tatangelo, “Bastardo”
• Elisa feat. Fabri Fibra, “Anche tu, anche se (non trovi le parole)”
• Matteo Becucci, “La cucina giapponese”
• Paola e Chiara, “Sudoku”
• Negramaro, “Sing-hiozzo”
• Modà, “Come un pittore”
• Biagio Antonacci, “Buongiorno bell’anima”
• Vasco Rossi, “Eh… già”

Purtroppo è stato necessario fare delle scelte, e non sapete quanto mi dispiaccia aver lasciato fuori tutti i Giovani di Sanremo, alcuni Amici di Maria, Davide Van De Sfroos (ahimè, canta in laghée), Nayked (ahimè, canta in inglese), Luca Barbarossa e la moglie di Alonso (ahimè, li ho dimenticati) e Al Bano (ahimEEEEEÈH).

“E io cosa devo fare?,” ti starai chiedendo. Ebbene: aspettare. Tra qualche giorno entreremo nel vivo della gara perché dedicherò un post a ogni ciofeca sonora elencata qui sopra. Esse si sfideranno due a due, a eliminazione, secondo questo schema.

Al momento, è impossibile sapere quando terminerà il torneo del dolore perché la data del Premio Mogol non è ancora stata annunciata. Nel caso ti interessasse saperlo per organizzare le vacanze in Valle d’Aosta, dovrebbe essere a giugno. È invece certo è che, quando questa edizione finirà, tu mi odierai per la mole di spam prodotta.

Nel Premio Salame dai Capelli Verderame 2011, la golden share sei tu. Ed è un potere che puoi sfruttare in svariati modi, perché qui si premiano lo spirito di iniziativa e i brogli ben orchestrati. Puoi usare l’hashtag #salame2011 per spammare tutti i tuoi amici 2.0; puoi creare dei mini-meme o incidere una cover della tua canzone prescelta (io posterò qualsiasi cosa mi arriverà); puoi photoshoppare Paz de la Huerta con un salame in mano; puoi comprare un call center o una click farm in Cina per assicurare la vittoria del tuo beniamino quando si apriranno le votazioni. E poi è indecente che questo Premio non abbia ancora uno sponsor: dammi l’indirizzo del tuo salumiere di fiducia.

Per concludere, devo rendervi partecipi della disgrazia che si è abbattuta sul Premio ancor prima che partisse questa edizione. Un mese fa, stark ha lanciato un provocatorio thread, distruggendo le certezze dell’Italia tutta. La strofa di Mogol che presta il titolo a questo premio è incorretta, e si tratta di un errore comune, portato avanti per decenni anche dalle voci più rispettabili. Mentre è risaputo che quel “verderame” è un lapsus storico del paroliere (che intendeva scrivere “rosso rame”), non tutti sapevano che la preposizione è “dei” e non “dai”. È tutto lì, nell’originale della Formula 3 che finora nessuno si era premurato di riascoltare. Ne parla anche Franco Zanetti in un illuminante articolo, parafrasando il verso e incolpando i Pooh per aver perpetrato l’errore. TuttoFaMedia, invece, punta il dito verso Ambra Angiolini per aver tratto in inganno un’intera generazione di italiani. Che disperazione nasce da.

Tuttavia, essendo questo un Premio ignorante vicino al cuore della gente, il titolo non cambia. Premio Salame DAI Capelli Verderame. È solo un gioco.

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Dopo l’avventura con la Polydor finita non proprio benissimo, Patrick Wolf ha più volte minacciato di lasciare l’industria musicale. Poi si è fatto finanziare il quarto album dai fan con Bandstocks ed ora è tornato ad una major. Roba da prenderlo a schiaffi, ma preferisco giudicarlo per il suo incredibile talento che per le sue scenate teatrali.

Lupercalia è il quinto album del cantautore inglese, che ha cambiato concept e data di uscita una ventina di volte. E se il fattore sorpresa ormai ce lo siamo giocato ascoltando praticamente tutte le nuove tracce dal vivo su YouTube, il fattore hype resta perché questo sarà il suo album definitivo. Come suggeriscono i bellissimi singoli “Time of My Life” e “The City”, Patrick ha finalmente trovato l’equilibrio sonoro tra le seguenti attività: suonare un’arpa sull’orlo di una scogliera della Cornovaglia; mettere a ferro e fuoco una discoteca con Alec Empire; trotterellare a piedi nudi per la foresta di Sherwood. Il tutto passa attraverso un filtro chiamato pop, con originalità e, come continua a ripetere in ogni intervista, vera serenità. Sarà il disco dell’estate e non voglio sentire ragioni.

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Matthew Morrison Matthew Morrison Mercury

Glee, ovvero la pluripremiata serie che risponde alla domanda “Che effetto fa trovarsi nel cervello di Luca Tommassini?”, ha iniziato a estendere i suoi pericolosi tentacoli fuori dalla televisione molto tempo fa. Ma qui si esagera. Mr Schuester è il primo membro del cast ad avere diritto a un album tutto suo. (Del resto, gli altri sono giovani, hanno ancora tempo… Lui deve sbrigarsi a diventare una popstar o finirà a fare le ragnatele come comparsa in una produzione dei Misérables di una sagrestia del Minnesota.) Quale migliore occasione per incidere “Somewhere over the Rainbow” in duetto con Gwyneth Paltrow? Volevo ascoltarlo, ma ho preferito annusare un panno intinto nel cloroformio.

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Lady Gaga Born This Way Interscope

È diventato impossibile parlare di Lady Gaga offrendo punti di vista minimamente originali – e  ciò che avevo da dire, l’ho detto all’uscita di “Born This Way”. Ma so che volete sapere anche la mia opinione su “Judas” perché  leggo nelle vostre menti, i.e., leggo le chiavi di ricerca: negli ultimi tempi, in molti hanno googolato “pop topoi judas”, quindi…

“Judas” riprende gli aspetti vincenti di “Bad Romance” dal punto di vista strutturale (le strofe cupe e deliranti, il ritornello più sciocco, gli intermezzi robotici e sillabati, il middle eight riassuntivo che esplode) e tematico (per riassumere: l’amore fa male). Non ci si può aspettare che Lady Gaga reinventi da capo il pop con ogni singolo, e qui gioca in un territorio familiare: è drammatica, è aggressiva, è ballabile. E se non portasse la sua firma, l’unica radio a trasmetterla sarebbe Industrial Bavaria FM.

E questo è quello che penso di “Judas”, il buon secondo singolo di un album comprabile.

Ora volete sapere cosa penso della copertina? Penso che talvolta un artista abbia bisogno di lavorare con gente che può dirgli: “ehm, NO”. E questa copertina conferma che Lady Gaga è diventata troppo colossale per ascoltare le opinioni altrui. Se questo si trasformerà nella sua fortuna o nell’inizio della sua fine è ancora tutto da capire.

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Depeche Mode Remixes 2: 81-11 Mute

Una nuova raccolta di remix dei Depeche Mode! Yawn! Secondo me, Dave & co. ci provano gusto a sentire tutte le loro canzoni rimaneggiate da mandrie di DJ: è come se volessero provare che, comunque le giri, non avranno mai la potenza dell’arrangiamento originale. Qualche remix interessante c’è (“John The Revelator” ricostruita dagli UNKLE, l’inedita “Personal Jesus” di Alex Metric), ma nella maggior parte dei casi, è meglio tenersi i classici nelle versioni che già conosciamo e amiamo.

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The Lonely Island Turtleneck & Chain Universal Republic

Turteneck & Chain è il secondo album del gruppo comico The Lonely Island. E, se amate i lulz, ricorderete alcuni dei loro eccezionali sketch musicali dal Saturday Night Live quali “I Just Had Sex”. Il prossimo singolo si chiama “Motherlover” ed è cantato con Justin Timberlake (loro amico dai tempi di “Dick in a Box”), ma nel disco troverete anche Rihanna, Snoop Dogg, Santigold e BECK. Dimmi niente. Tuttavia, senza corredo video, i pezzi non sono certo altrettanto esilaranti. Bella storia, ma dato che esiste YouTube, non vedo l’utilità dell’album.

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Moby Destroyed Little Idiot

Che strano fenomeno è Moby. Praticamente impossibile da classificare, e sempre un po’ in disparte. Eppure gli dobbiamo tanto. È stato tra i primi a concepire il video virale (ancor prima che esistesse questa definizione) e a interagire attivamente coi fan creando una solidissima community online. Ha trovato un perfetto equilibrio tra arte e commercialità senza mai suscitare il dubbio del sellout: Play è nel Guinness dei Primati perché è uno dei pochi album della storia in cui ogni traccia è stata usata per scopi commerciali, e se oggi siamo qui a parlare del decimo disco di Moby, probabilmente è perché le royalties di qualche spot di automobili gli permettono di fare ancora il musicista sbattendosene delle classifiche. Bene così, perché Moby è uno degli artisti più interessanti e sottovalutati in circolazione. (E poi un giorno vi scrivo un saggio lunghissimo sul perché Play è uno degli album più importanti del millennio.)

Destroyed, da quello che abbiamo capito ascoltando l’EP di “Be The One”, riproporrà la formula canzoni struggenti/pezzi ambient. Cosa chiedere di più. Il nuovo singolo “The Day” è una delle canzoni più belle della sua discografia (non è proprio nuova, dato che l’ha scritta l’anno scorso per la malvagia Mylène Farmer, la donna più potente dello showbiz francofono nonché scopritrice di Alizée!) e non escludo che troveremo tantissime altre perle.  Perle che passeranno, ahimè, inosservate, ma qui Moby lo si promuove a pieni voti – sempre.

Kate Bush Director’s Cut Fish People/EMI

Un nuovo album di Kate Bush che non è propriamente un nuovo album di Kate Bush, ma è comunque un nuovo album di Kate Bush, e noi prendiamo tutto quello che fa Kate Bush senza battere ciglio. Kate Bush può dire: “magari un album nuovo nuovo no, facciamo che riarrangio pezzi di due album vecchi?” Fa’ pure, Kate Bush, è un’ottima occasione per chi (come me) ti ha scoperto un po’ in ritardo e per chi ti scoprì tanto tempo fa e vuole crogiolarsi un po’ nella nostalgia di The Red Shoes e Sensual World. La rivisitazione “Deeper Understanding” è il primo singolo e il testo è la prova che Kate Bush viene dal futuro. Nel 1989, Internet praticamente non esisteva e lei già ne cantava, parlando di vita virtuale come rimedio alla solitudine.

Ci sarà anche un video con Noel Fielding e la collaborazione capita a fagiolo. Perché? Perché Noel Fielding è quell’essere umano meraviglioso che va in diretta televisiva ballando come nel video di “Wuthering Heights”.

Che essere umano meraviglioso.

Syria Scrivere al futuro Sony

Cara Syria,

Quasi due anni fa, all’alba dell’era Airys. ho scritto un post cattivissimo su di te. Statistiche alla mano, è ancora il post più letto, cliccato e linkato dalla nascita di questo blog. Un po’ ti devo ringraziare, perché in molti hanno iniziato a leggermi in quel momento e in molti mi associano ancora a quel post: ogni volta che apri bocca o appari in televisione, qualcuno manda un tweet per avvisarmi. Insomma, sono diventato ambasciatore di tutti i lulz che susciti e i FAIL che combini. Oggi un attacco così bastardo alla persona più che all’artista non lo scriverei, perché sono sempre minuscolo, ma qualche responsabilità in più sento di averla. E il mio terapista mi ripete sempre: “NON FARE L’HATER”.

Quel post del 2009 ebbe successo per due ragioni: faceva ridere e faceva centro. Il tuo ennesimo riciclaggio da riflessiva artista indie a aggressiva hipster tutta party esclusivi era facile da massacrare e l’ho fatto. Non ho nulla contro un’evoluzione di stile e, anzi, sono sempre il primo a premiare l’eclettismo in musica – e  le critiche non erano nemmeno particolarmente rivolte alla musica, dato che Vivo Amo Esco è meglio della maggior parte delle produzioni italiane in classifica. È che il tuo cambio di rotta puzzava proprio di marketing spicciolo. Le foto tette all’aria à la Terry Richardson chiudevano il cerchio.

Alcuni artisti possono permetterselo, tu no. Ma nel nuovo disco (di cui ho ascoltato il singolo “Sbalzo di colore”) mi pare di capire che torni a fare quello che ti riesce meglio: indiepop spensierato. E funziona. Non fa per me, non lo consiglierò, ma funziona. Maggioni e Moroldo sono bravi e hanno capito qual è la direzione gusta.

tl; dr: Redenzione: what up with that?

Non ho un bel ricordo dei negozi di dischi. Dove abitavo, ce ne erano due non troppo lontani da casa mia. Erano la tappa obbligatoria di ogni passeggiata, ma proprio non se lo meritavano. Uno dei negozianti era particolarmente ignorante e con gli amichetti ci divertivamo a chiedere dischi di band inesistenti. La risposta era sempre: “ci arriva la settimana prossima”. Quando, invece, la band esisteva perché – giuro – l’avevo vista su TMC2, il disco non lo avevano mai e mi toccava ordinarlo. Da quel momento, i negozianti sapevano che mi sarei presentato tutti i santi giorni fino all’arrivo della mia sudata copia, ma credo non gli dispiacesse troppo, dato che potevano estorcermi fino a 42.000 lire. A volte il CD lo vendevano già sbucciato, a volte c’erano talmente tanti adesivi sopra che a stento si vedeva la copertina – e a casa puntualmente cercavo di grattarli via e rimuovere le tracce di colla dalla jewel case.

Ora uno dei due negozi ha chiuso, l’altro è principalmente un videonoleggio, ma può ancora contare sui fan di Biagio Antonacci ed espone un cartonato ingiallito di Céline Dion dal ’98.

Spiacente, non ho mai avuto un negoziante capellone che ti fa scoprire la musica che ti cambia la vita e con cui passi i pomeriggi a chiacchierare di grunge (ti svelo un segreto: per quanto tu lo considerassi un fratello maggiore putativo, lui voleva i tuoi soldi) ma mi rendo conto che per molti il Record Store Day porti alla luce questi ricordi. Istituito nel 2007 da un gruppo di proprietari di negozi americani, e ampiamente supportato da grossi nomi come i Metallica (in your face, Napster!), in pochi anni è diventato un evento internazionale gigantesco. La lista di concertini speciali e singoli in edizione limitata previsti per sabato è lunghissima e gli anni scorsi in alcuni negozi hanno dovuto fare entrare poche persone alla volta per questioni di sicurezza. E si scoprì che non c’è molta differenza tra i fanatici Apple, le fashioniste che si accalcano da H&M per la collezione Lanvin e i branchi di hipster che vogliono mettere le mani su un 45″ di Wavves.

Come se non bastasse, sabato sarà una festa memorabile per coloro che amano dire: “il giradischi ha un suono caldo e corposo”; “qui una volta era tutto vinile” e “l’mp3 è un formato di scarsa qualità: lo so perché le mie orecchie captano gli ultrasuoni”. Poi arriveranno quelli de “L’ODORE DELLA CARTA!” e si accorgeranno di aver sbagliato giornata.

Non fraintendetemi, il RSD è una bella iniziativa, è giusto che esista e che una volta all’anno si commemorino un mestiere e un’abitudine che stanno per scomparire. Opporsi all’evento sarebbe un po’ come dire al WWF di arrendersi sulla questione dei panda perché ‘sti idioti non si vogliono mai riprodurre, hanno una dieta troppo selettiva e questa estinzione se la sono andata a cercare. Però, diciamoci la verità, oggi il mondo è un posto migliore per i fruitori di musica (e di libri, film, serie televisive, ecc.) e, davanti a svariati giga su iTunes, nulla può la nostalgia del negozietto. Alcuni gioiscono del piacere della conquista, io preferisco tirare fuori la carta di credito (questa frase suona un po’ ambigua, non è che puoi riscriverla? NdR).

Jus†ice “Civilization” Ed-Banger

In un momento storico in cui i Daft Punk vengono messi in † per TRON, parlare male degli Air è come sparare sulla † Rossa, e David Guetta è impegnato nella sua †ata disco-ignorante, all’idea di un nuovo singolo dei Justice, ci facciamo il segno della † e preghiamo all’altare dell’elettronica francese. Poi a me basta sentire “Romain Gavras” e inizio a dilatare le pupille fino all’esplosione. In†amo le dita per l’album, ma qui, a occhio e †, direi SCIMMIA e TANTA ROBA. SINGE et BEAUCOUP DE CHOSES.

Jamie Woon Mirrorwriting Polydor/Interscope

L’anno scorso, mi sono lanciato in un endorsement francamente ridicolo per gli Hurts. Ebbene, abbiamo visto come è andata a finire: a schifio (lo so che fa cliché, ma sul serio: i demo erano belli!). Ora ho una gran paura che la situazione possa ripetersi con Jamie Woon, che è il mio endorsement per il 2011, quindi sento il dovere di mettere l’allarme entusiasmo.
Jamie per ora non ha sbagliato nulla. Singoli stupendi, alcuni co-prodotti da Burial, col quale aveva già tirato fuori remix e collaborazioni in tempi non sospetti. Storia vera: nel 2007, si sono conosciuti tramite MySpace e hanno iniziato a lavorare insieme. Grazie dell’add! Jamie pesca a piene mani da R&B, soul e (oddio, non ci posso fare niente, mi tocca dirlo) dubstep (raga, quest’anno va così, non lamentiamoci, è sempre meglio della bachata, su) e ne esce fuori qualcosa di sorprendentemente gradevole. Funziona in radio, funziona in cuffia e funziona a cappella in barca in mezzo alle mangrovie. Questo è il mio disco del mese, fatevene una ragione.

Britney Spears Femme Fatale Jive

Ne ho già parlato ampiamente la settimana scorsa. Tl; dr: un album pop moderno, ma privo di anima, intelligenza e continuità.

Immanuel Casto Adult Music JLe

Immanuel Casto è il cantante italiano che più si avvicina al concetto di popstar. Sono tremendamente serio. Questo dimostra che non sempre serve il supporto di una major per avere un sito curatissimo, video fatti bene e una campagna promozionale mirata. Anzi, l’indie-pendenza permette al Casto Divo di mandare avanti un progetto coraggioso e furbissimo che ha già fatto proseliti in tutta Italia. Purtroppo la cura degli aspetti estetici e promozionali non corrisponde a quella musicale. Le canzoni sono povere, semplicissime, e la voce di Casto non aiuta. E se talvolta il messaggio potrebbe avere il suo perché (“Escort 25”), l’anima di poser e la tendenza alla rima sporcacciona lo avvicinano pericolosamente al suo equivalente nordico Günther. Il gusto per la provocazione gli farà ottenere decine di interviste e riempirà la sua agenda di date in tutta la penisola, ma dal condividere ironicamente un suo video su Facebook al comprare un suo album e apprezzarlo come progetto musicale, il passo è lunghissimo.

Bob Sinclar & Raffaella Carrà “Far l’amore“ Yellow Productions

Titoli alternativi:
“OMIGIDIO in Balera”
“Dentiere: The Musical”
“E Raffaella Smascella a Casa Mia”
“Scoppia Scoppia Mi Sco- (No, Sul Serio, La Signora Oggi Non Ha Preso Le Gocce)”
“A FAR LA MORTE COMINCIA TU”

È una concorrente dello Zecchino d’Oro, ma per sua sfortuna al posto del Mago Zurlì c’è 4chan.

La mia analisi del fenomeno Rebecca Black si legge su inkiostro.

‘Cause everybody knows
The things she does to please
She’s just a little tease

È inevitabile, per chi si occupa di pop, confrontarsi con Britney Spears all’alba del suo settimo album, Femme Fatale. Tuttavia, pensare che la cantante rappresenti ancora questo genere musicale nel 2011 non è solo sbagliato, è quasi offensivo.

Britney è l’ultima supersitite di una varietà di popstar ormai estinta. Al giorno d’oggi, un’esordiente con le sue caratteristiche non otterebbe neanche il pass per un provino di American Idol, figuriamoci un contratto milionario. Non ha la voce di Quella, non ha l’istinto manageriale di Quell’Altra e i paragoni con Quell’Altra Ancora osano farli solo i commentatori di YouTube. Britney ballava, questo sì, ma oggi si muove disorientata con lo sguardo assente, costantemente fuori fuoco, e vittima del suo passato. Non la si può riciclare come attrice o come conduttrice ed è meglio farla parlare il meno possibile (l’endorsement per Bush, poi ripreso e ridicolizzato da Michael Moore in Fahrenheit 9/11, lo sta ancora scontando adesso).

La Britney del 2011 deve fare la popstar degli anni ’90, perché non è in grado di fare altro.

Femme Fatale è un disco pop moderno prodotto da tastemakers del settore che traccia dopo traccia cercano di costruire una personalità alla cantante. Ma in mano a will.i.am, Britney diventa una scialba copia di Fergie (la ridicola “Big Fat Bass”); con Bloodshy & co. sembra una Robyn lobotomizzata (“How I Roll”); in un pezzo scritto da Ke$ha si trasforma – indovinate un po’ – in Ke$ha, ma senza la sua lurida ironia.

La voce, che dovrebbe costiuire l’elemento di continuità dell’album, è nascosta sotto strati di effetti sempre diversi e sempre più intrusivi e spersonalizzanti. Eppure, quando le si dà un’anima (“Criminal”, unica ballata e traccia conclusiva), c’è speranza di redenzione, ma è ancora troppo poco.

Non dev’essere facile per lei appropriarsi di un album in cui, credits alla mano, non ha scritto neanche una parola o una nota, e sul quale non ha probabilmente avuto voce in capitolo. Certo non ci si aspetta che Britney ricopra il ruolo di autrice o produttrice, ma il suo problema principale è l’essere priva del gusto estetico/musicale necessario per poter influenzare le sue scelte discografiche (“I CANNOT stop listening to “We No Speak Americano” by Yolanda Be Cool & DCup”, dice in una recente intervista a V Magazine).

Mentre la Madonna del settimo album telefonava ai Massive Attack e metteva sotto contratto i Prodigy, la Britney del settimo album è seduta in sala d’attesa che legge Chi prima di entrare in studio e recitare il solito copione: electropop farcito di doppi sensi a sfondo sessuale scritti in una chatroom di casalinghe annoiate che hanno alzato un po’ il gomito.

Questo non esclude che Britney (o meglio, la piccola azienda Britney S.p.a.) abbia dei meriti musicali (e la stampa è stata particolarmente generosa con lei nel periodo post-meltdown). Semplicemente, Britney funziona quando i suoi collaboratori fanno un buon lavoro. “Hold It Against Me”, coraggiosa e aggressiva come “Toxic” e “Piece of Me”, lasciava ben sperare. Invece, è un caso isolato in un album piuttosto scontato che cerca disperatamente di uniformarsi al resto delle classifiche. E se ci sono altri middle eight che si tingono di dubstep, non posso dirvelo perché, nella maggior parte dei casi, ho skippato prima del middle eight.

Il pop senza Britney non sarebbe lo stesso: è stata la vittima sacrificale dell’ultima generazione MTV, l’altare che l’ha consacrata a icona di un mondo che non esiste più. Ora è poco più di una presenza famigliare e la genuinità che emana da sotto dieci layer di Photoshop ci impedisce di odiarla.

Si possono combattere infinite battaglie per distruggere il guscio di plastica del pop, ma nel parco giochi discografico, Britney è ancora un burattino. Non vedevo l’ora di prenderla sul serio. E invece.

She builds you up to just put you down
What a clown

Nel 2005, 50 Cent sarebbe stato invitato a esibirsi durante una festa esclusiva di Muatassim Gheddafi, figlio di Muammar, in occasione del Festival di Venezia. Nel 2008, Mariah Carey avrebbe cantato al party di Capodanno organizzato dal clan del dittatore libico ricevendo un milione di dollari. Un anno dopo, Beyoncé pare abbia guadagnato il doppio per cantare cinque pezzi nel medesimo contesto. Quella sera, anche Usher sarebbe salito sul palco facendo il countdown alla mezzanotte, mentre Jay-Z e Lindsey Lohan osservavano dal pubblico – avendo percepito, si suppone, compensi altrettanto lauti. E ancora: Elton John al compleanno del genero del presidente kazako Nazarbayev; Kevin Costner e la sua band (?) chez Putin; Sting live per la figlia del dittatore uzbeko Karimov.

La lista di popstar colte in flagrante da WikiLeaks (o che hanno preso misure preventive in vista di altre fughe di notizie) è lunghissima e continua ad allungarsi. Se non hai cantato per almeno un Cattivo, non sei nessuno. La prima ad aver rotto il silenzio è stata Nelly Furtado, che in un tweet ha ammesso di aver accettato un milione di dollari per un mini-concerto per l’entourage di Gheddafi in un hotel italiano. Devolverà il tutto in beneficenza, così come i suoi colleghi¹ e come è giusto che sia.

In 2007, I received 1million$ from the Qaddafi clan to perform a 45 min. Show for guests at a hotel in Italy. I am going to donate the $—
Nelly Furtado (@NellyFurtado) February 28, 2011

E ora noi che facciamo, non ci indigniamo? Almeno per questa volta, prendiamo la strada difficile e cerchiamo giustificazioni.

Di fronte a una richiesta così generosa, la popstar può rifiutare? Esaminiamo la situazione dal punto di vista economico facendo i conti in tasca a Beyoncé, la più in voga del gruppo. Per il recente I Am… Tour, Beyoncé ha incassato in media 800.000 dollari lordi per data (arrivando a sette cifre in numerose serate), ma è ovvio che i giganteschi costi di produzione riducano la somma in maniera esponenziale. In quest’ottica, due milioni per uno spettacolo privato della cantante più richiesta del pianeta non sono poi un cachet così assurdo. Aggiungiamo anche che il “rischio” in un’esibizione simile è minimo: non avviene di fronte a raffinati critici musicali o fan esigenti, bensì ricconi probabilmente ignoranti e sicuramente sbronzi. Il tutto a telecamere spente.

E dal punto di vista etico, gli artisti sono colpevoli? Sebbene l’esemplare popstar solitamente non vanti una laurea in Politica e Relazioni Internazionali, saprà che chiunque possa sborsare simili somme di denaro per mezz’ora di intrattenimento non si è certo arricchito coi fagioli magici. La popstar sa o sospetta, ma nel contesto di una crisi che la obbliga a passare più tempo sponsorizzando profumi e balocchi che a cantare, accetta la richiesta del manager e partecipa alla festa di Muatassim & co. E se si rifiutasse? Il suo staff la deriderebbe con queste parole esatte: “LOL, Barbie Popstar, now with political concerns!”

Vogliamo proprio trovare un “colpevole”? Puntiamo timidamente il dito verso il management dell’artista. A questo proposito, non sono mancate le opinioni dei “buoni”: gli agenti di R.E.M. e Arcade Fire hanno espresso il proprio disappunto a Rolling Stone affermando che non accetterebbero simili ingaggi per tutto l’oro del mondo. Bravi, integerrimi, ma forse vi è sfuggita una cosa: simili ingaggi non vi arriveranno mai. È difficile pensare che i parenti di un dittatore abbiano Murmur nell’iPod e canticchino “Rebellion (Lies)” sotto la doccia… Sarebbe bellissimo, ma  il paradosso ci farebbe esplodere il cervello.

Nonostante sia facile gridare “SELLOUT” e lanciare rant sull’integrità musicale e morale di un artista (e io sono il primo a farlo), talvolta si dimentica che la popstar non è che la minuscola parte esposta di ingranaggi giganteschi. In questo caso, la macchina si è inceppata in maniera tanto disastrosa da necessitare scuse pubbliche, ma è una storia a lieto fine. Magari con quei soldi costruiranno un ospedale in Africa chiamato “99 Problems (and malaria is one)” e il reparto trapianti si chiamerà “Irreplaceable” e quello per la prevenzione delle malattie veneree sarà intitolato “Promiscuous Girl”.

In fin dei conti, si tratta di canzonette. Esibirsi alla festa del figlio di un dittatore (che potrebbe essere solo un ricco giovinastro viziato) non è strettamente un atto politico e non fa di te un ambasciatore del genocidio – proprio come cantare ai matrimoni della Camorra ricevendo minacce di morte non fa di te un camorrista,² cantare ad Atreju non fa di te un militante del Pdl³ e cantare a Natale in Vaticano non fa di te un pedofilo.

¹ Sting no, quei due milioni di sterline se li tiene e li rivendica con orgoglio dicendo che “i boicottaggi culturali sono atti senza senso” che privano del “libero commercio di idee e arte e rendono alcuni stati ancora più chiusi, paranoici e limitati”. Oh, you.

² Incredibile, mi è toccato rivalutare D’Alessio. Ora vado ad ascoltare uno dei suoi pezzi più brutti per poter tornare a odiarlo energicamente.

³ Fa di te un deficiente e basta.

Poi, non so se ve ne siete accorti perché ne ho parlato POCHISSIMO, ma sono andato a Sanremo per Donna Moderna. E Sanremo è una cosa difficile da spiegare a chi non ci è mai stato, ma “il luna park del giornalista musicale” è una buona definizione. Tra liveblog e twittercronache (il tweet migliore che ho scritto è questo) ho toccato il punto più alto della mia vita professionale e privata: ho intervistato i Jalisse aka i veri pionieri dell’indie italiano.
Purtroppo il festival dura solo cinque giorni all’anno e ce ne restano altri 360 di noia e sobrietà, quindi cerchiamo di riempirli con la consueta rubrica. Per i n00bs e gli smemorati: in My Compact Diss vi dico cosa comprare, cosa piratare e cosa evitare – spesso senza cognizione di causa.

Il carretto passava e quell’uomo postava le recensioni del mese.

Subsonica Eden EMI

I Subsonica sono un gruppo che ho sempre difeso a spada tratta. In termini di musica, marketing e numeri, sono stati un caso unico e importante per la musica italiana e continueranno ad esserlo pur senza “bissare Microchip Emozionale“. E come mi diverto ai loro live, signora mia. L’8 marzo uscirà Eden e più o meno sappiamo già cosa aspettarci.
1. La title-track eccezionale con un video ignobile. “Atmosfere lynchiane” dicono loro, “ma mi faccia il piacere” dico io;
2. “Istrice”, il brano così così che avrebbero dovuto/potuto portare a Sanremo, accompagnato invece da un video favoloso. Purtroppo le TV musicali si sono rifiutate di passarlo in fascia protetta e loro hanno gridato allo scandalo. Ehm, non so se avete notato che  nel vostro video C’È UNA TIZIA DEFORME CHE SI STRAPPA LE UNGHIE: non è esattamente Bat Roberto…;
3. Tante altre anticipazioni disseminate tra iTunes e riviste. Io punto tutto sulla sopraccitata “Benzina Ogoshi”, già celebre perché capitolo finale di un cortometraggio horror amatoriale girato da cinque bros che cercano di registrare un album.
La formula del disco mi pare invariata: equilibrio tra ballate stilose e “Su ‘ste mani!”, un po’ di impegno politico e un po’ di spleen torinese. Io ai Subsonica voglio un bene che non vi dico.

Jessie J Who You Are Universal

Jessie J ha già vinto tutto ancor prima di pubblicare il suo album d’esordio (BRITs Critic’s Choice, BBC Sound of 2011) e non ho ancora capito se se lo meriti. Per ora sappiamo che ha voce e tanta voglia di fare. Ed è stata definita da Justin Timberlake come “la miglior cantante al mondo” – o almeno così si legge in tutti gli articoli su di lei, ma nessuno sembra essersi preoccupato di controllare dove e quando JT abbia pronunciato queste parole. Pop Topoi, invece, la definisce come “una tipa su cui la Universal sta spendendo un sacco di soldi senza averle lasciato il tempo di sviluppare un’identità”. È la Gaga dell’Essex o ‘na chav con un po’ più talento di una Spice Girl a caso? In questo momento, quell’appiccicosa americanata di “Price Tag” è prima nella top 10 britannica e non lascia ben sperare. Però, il singolo uscito l’anno scorso, “Do It Like A Dude” – al di là del messaggio di cui si fa portatore – è una bomba.

Donne, siete state ispirate da Jessie J? Voi cosa sapete fare come un dude? Vi canterei la mia versione, “Do It Like A Chick”, ma ho paura delle conseguenze.

Lykke Li Wounded Rhymes LL

Il secondo album di Lykke Li, Wounded Ryhmes, è la dimostrazione di come si possa fare un album pop bello, aggressivo e contemporaneo senza dover per forza sfasciare i sintetizzatori.  “Get Some” e il suo video vagamente slutwave già lasciavano intuire che la svedese avrebbe optato per un suono e un’immagine molto più cattivi di Youth Novels. Non so che aria tiri di questi tempi, ma anche Lykke vuole farlo come un dude.

Because you’re a woman, the music industry puts you in another corner. I want to be fighting with the men. I want to be amongst the men, topless, throwing things onstage. [P4k]

Nessuno mette Lykke in un angolo. Mettiamola su un piedistallo.

The Naked and Famous Passive Me, Aggressive You Universal

The Naked And Famous, invece, hanno l’aria di voler sfasciare i sintetizzatori. Mi vengono in mente quattro lettere a caso: MGMT. Come testo e suoni, “Young Blood“, è infatti destinata a diventare la “Kids” del 2011 (pur non avendo l’impatto mostruoso di “Kids”). A me piacciono, ma io con queste orecchiabili hipsterate ci casco sempre. E pensate, questi vengono dalla Nuova Zelanda! No, niente, mi sembrava un’informazione curiosa, ma non so corredarla di battute sugli stereotipi Kiwi.

Avril Lavigne Goodbye Lullaby RCA

Avril Lavigne continua a voler sprofondare sempre più giù negli abissi dell’INASCOLTABILITÀ TOTALE. Dopo un esordio da adolescente a metà tra il dignitoso (“Losing Grip“) e il ridicolo (“Sk8r Boi“), Avril ha definitivamente deciso di optare per ciò che vende meglio tra i due: il ridicolo. Non è cresciuta coi suoi fan: ha iniziato a puntare  verso fasce d’età sempre più basse, quelle che vedono la rivoluzione in una ciocca rosa e una cintura borchiata. Nonostante l’arrivo di Dr. Luke e Max Martin alle produzioni, le canzoni della canadese sono state ridotte ai minimi termini, a filastrocche imbecilli  da cantare saltellando. E sventolare la bandiera consumata dell’alternatività punkeggiante lanciando linee di profumi (perché questo comporta essere rockstar oggi) è il più puzzolente dei paradossi. 

Non ho mai analizzato il fenomeno Lady Gaga in maniera esaustiva – cosa che, per un blog di musica pop, è alquanto vergognosa. La verità è che mi prese in contropiede. Quando arrivarono “Just Dance” e “Poker Face”, mi parvero business as usual. Quando, esattamente due anni fa, fu ospite dei Pet Shop Boys per un medley celebrativo ai Brit Awards, mi chiesi cosa ci faceva sul palco quella robotica starlette con il duo che ha costruito il pop. La risposta arrivò qualche mese dopo con “Bad Romance”.

Oggi è uscito “Born This Way”, il singolo della beatificazione. L’evento è stato sapientemente centellinato: il titolo svelato agli MTV Awards, la copertina di Nick Knight e il testo pubblicati su Twitter. E siamo solo a metà strada: domenica arriverà la performance ai Grammy, e infine il video di Jonas Åkerlund, che probabilmente creerà un’anticipazione simile a quella di “Thriller”, battezzerà ufficialmente la canzone.

“Born This Way” non poteva soddisfare le aspettative di tutti. Anzi, essendo un pezzo già iconico ancor prima di sfiorare le nostre orecchie, non poteva soddisfare nessuno. In questo senso, Gaga sembrerebbe aver compiuto un errore: svelando il testo con settimane d’anticipo ha fatto sì che l’ascoltatore idealizzasse “Born This Way” all’inverosimile; ha permesso che ognuno si appropriasse della canzone proiettandovi suoni (e immagini) virtuali. Ma ha anche lasciato il tempo ai fan di legare una canzone ancora inesistente a ricordi veri e di leggere qualcosa di sé in quella serie di versi (o meglio, slogan) ancora privi di un contorno musicale. Tutto questo, a contrario dell’hype, non può sfumare. E Gaga lo sa. Con questa strategia, oggi può aver seminato piccole delusioni, ma sul lungo termine ha agito con precisione chirurgica. È Babbo Natale che ti porta il giocattolo che tanto volevi ma del colore sbagliato. Vedrai che al colore dopo un po’ non farai più caso.

“Born This Way” ha avuto questo potere ancor prima di nascere perché è (e vuole disperatamente essere) una canzone universale. Nel primo verso fa riferimento all’amore e a Dio invocando la tolleranza; nel secondo verso c’è già una call to action alquanto aggresiva (“put your paws up”); nel terzo ti spiega che devi agire perché sei nato così; nel quarto cita la mamma e evoca immagini di infanzia. In quattro righe, Lady Gaga ti ha già detto chi sei, cosa devi fare, perché devi farlo e ha già iniziato a sbirciare nel tuo album di famiglia. Ha parlato di sé, ha parlato di te e, se ci credi, c’è pure Dio. E questo avviene per una canzone la cui copertina ritrae Stefani con finti impianti sottopelle come corna luciferine. Sacra e profana: è nata così.

A un primo ascolto, l’impatto musicale è decisamente meno forte rispetto ai singoli del passato. La voce – che non si ferma praticamente mai per più di quattro minuti – deve essere protagonista assoluta perché i suoni non possono affossare il messaggio. Negli ascolti successivi, però, si inizia a notare che sullo sfondo c’è un club in corto circuito. La discoball esplode e dentro c’è il sangue. Quella che credevamo di liquidare come un plagio di “Express Yourself” di Madonna, dopo pochissimo lascia affiorare la sua unicità: le parti che la compongono iniziano ad avere un senso, si apprezzano le variazioni. È camp, è industrial: è nata così.

Quando la musica si fa da parte nuovamente durante il bridge, Gaga decide che i giri di parole sono finiti: chiamiamo le cose coi loro nomi. E se dal punto di vista lirico, l’elenco/campionario di varia umanità è pleonastico e stilisticamente discutibile, non si può certo dire che non colga nel segno (vi viene in mente un’altra canzone pop contenente parole come “disabilities” e “transgendered” nel testo?).

Le canzoni di self-empowerment sono sempre esistite (e questa non è neanche la migliore), ma da Gaga trapelano un’onestà e una fedeltà alla propria missione difficilmente riscontrabili in altri artisti. “Born This Way” è l’inizio di una nuova fase della sua carriera: non solo può, ma deve essere esplicita e estrema nel modo in cui si presenta, suona e scrive.

Lady Gaga è importante. Non è nata così, ma ha saputo diventarlo e merita di esserlo.

PJ Harvey Let England Shake Island

Sto cercando di farmi un’idea sulla direzione che ha preso la Polly Jean da almeno un anno e mezzo, quando si venne a sapere che si era discontantinopolizzata. Col nuovo album (finalmente!) in arrivo e un paio di anteprime, continuo a non capirci niente, ma va bene così. Le sorprese non mancano mai ed è forse questa la ragione per cui PJ è l’unica rocker degli anni ’90 ad aver mantenuto vivo l’interesse del pubblico e ad essere sopravvissuta artisticamente. Le altre ci hanno tradito tutte – chi con lo yoga, chi con la chirurgia estetica, chi con la noia. Cosa sappiamo di Let England Shake? Che l’ha registrato in una chiesa, che ha preso corsi di scrittura perché si sentiva inadeguata (Polly, la scrittura andava bene, magari, ecco, un VOCAL COACH? No? Ok, scusa, ti si vuol bene lo stesso), che sarà il suo disco “meno introspettivo”, che parla di cose che succedono fuori da un rudere del Dorset e che noi lo compriamo senza nemmeno pensarci su.

Beth Ditto EP Deconstruction

Dopo “Cruel Intentions”, continua la collaborazione Beth Ditto/Simian Mobile Disco e noi l’accogliamo con un caloroso “figata”. Se c’è una cosa che mi piace è quando i clubbiers prendono un bel personaggio in prestito con scopi pop. Non facendo uso di MDMA, non me ne frega niente di sentire pezzi di otto minuti da discoteca berlinese: io voglio una strofa e un ritornello. Ed è un metodo che funziona sempre: Hercules & Love Affair con Antony; Kleerup con Robyn e Neneh Cherry; Röyksopp con chiunque; Gabry Ponte con Little Tony. L’EP è uscito il 10 gennaio in digitale, ma la pubblicazione ufficiale è il 6 marzo e io ne parlo nella rubrica di febbraio, va bene? L’anteprima con tutte le tracce spezzettate si ascolta puntando il mouse  qui sotto:

Ricky Martin MAS Música + Alma + Sexo Sony

Un applauso a Ricky Martin, che incide musica dall’84 e non ha MAI fatto una bella canzone neanche per sbaglio. Un record imbattuto che porta avanti col nuovo singolo “The Best Thing About Me Is You” in coppia con la sempre più derisibile Joss Stone. Detto questo, se l’album venderà un botto, magari si sfateranno un paio di miti sui supposti requisiti basati sulla sessualità per vendere dischi in America Latina.

James Blake James Blake ATLAS

C’è un hype che si taglia col coltello per questo giovane tennista artista londinese, dato che è arrivato secondo sia al BBC Sound of 2011 che al BRIT Awards Critics’ Choice (in entrambi i casi, dietro a Jessie J perché gli inglesi si stanno strappando i capelli all’idea di avere una futura Lady Gaga sul pianerottolo: lasciamoglielo credere). Cosa aspettarci dall’LP di debutto? Innanzitutto, quella splendida cover di Feist che avete già sentito tutti. Poi, un notevole miglioramento rispetto ai quattro EP che ha pubblicato negli ultimi anni. Nell’album, la voce di Blake, che prima faceva brevi comparse e quasi sempre sotto forma di campionamento, è centrale. Questa è una raccolta di canzoni, non componimenti dubstep astratti. Anzi, la parola “dubstep” gli va già stretta (qui c’è meno Burial e più D’Angelo – non Nino, l’altro) e probabilmente è una parola che tra qualche mese odieremo. Tuttavia, il bello del 2011 è che possiamo citare lo stesso genere parlando di James Blake, ma anche del nuovo, bellissimo singolo di Britney.

Stateless Matilda Ninja Tune

Gli Stateless sono in giro da quasi dieci anni e non hanno mai sfondato, ma non credo che sia per colpa loro. Troppo anticonvenzionali per la Sony (che nell’annus horribilis della fusione con la BMG stracciò il loro contratto da cinque album dopo appena un singolo), e forse troppo convenzionali per la !K7, gli Stateless stanno per pubblicare il loro secondo LP con la Ninja Tune e non riesco a pensare a una label che rappresenti meglio questi cinque Loiners (NdR: “di Leeds”, e sì, l’ho imparato cinque minuti fa). Il nome che spunta sempre fuori quando si parla di loro è DJ Shadow, perché gli hanno fatto da supporter e hanno lavorato con lui. Io preferisco definirli come “gli UNKLE che puoi canticchiare”. Insomma, ne vale la pena.

Quante parole sono tabù? Oltre alle famose Seven Words You Can Never Say On Television stilate da George Carlin nel 1972 più un’altra manciata di vocaboli dispregiativi per razze, handicap, droghe, pratiche, organi e orientamenti sessuali, la lista faticherebbe ad arrivare alla ventina. Molte di meno se vi piace la Littizzetto. E bisogna sempre considerare il contesto. Per esempio, abbiamo da poco scoperto che perfino la bestemmia, se incastonata nella barzelletta misogina di un Premier, può essere accettata.

L’industria discografica sembra meno permissiva. Non molti cantanti potrebbero permettersi di cantare le parole pronunciate da una celebre discografica. Quantomeno, non in prima serata. Eppure, non mancano i coraggiosi, gli artisti che vogliono sfidare il bollino Parental Advisory e farne una bandiera (o un efficace strumento di marketing). L’autore è ovviamente libero di scrivere e cantare ciò che vuole finché l’opera non appare in radio o in TV, e la parolaccia si trova incastrata tra vincoli legali per mettere la baracca al riparo dalla Buon costume e le associazioni dei genitori. E qui arriviamo al pop topos: come dire l’indicibile. Tre opzioni:

Sottrazione
La parolaccia viene tagliata e la musica sotto continua, lasciando un vuoto vertiginoso e francamente poco artistico. Ma se c’è una cosa che spaventa più della parolaccia sono i tempi morti, ed è per questo che l’eliminazione totale è sempre meno diffusa.

Mutazione
La parola viene blippata, camuffata, girata al contrario, robotizzata, tagliuzzata fino a renderla accettabile. Oppure si mette un po’ di eco sulle parole precedenti. C’è pure chi ci scherza, tipo will.i.am e Pussycat Dolls in “Beep”, che è tutta un segnale acustico da ricostruire (un vero rompicapo!) o la cara Missy Elliott in “Work It”, che sbianchetta tutte le parole zozze nel video, ma si premura di dirti: “If you got a big [verso dell'elefante] / Let me search it”.

Sostituzione
Si sostituisce la parola incriminata con una parola accettabile e tutto fila liscio. Di tutte le alternative possibili, questa è quella che più mi imbestialisce perché l’artista ha fatto una scelta di registro e gli viene negata la possibilità di portarla avanti chiedendo la sua complicità. Ma è anche vero che un artista al giorno d’oggi è consapevole di ciò a cui va incontro (“ops, non sapevo di non poter dire SMEGMA!”) e non ci mancano certo i mezzi per sentire la versione non censurata in tutta la sua pruriginosa gloria. L’esempio lampante e fresco fresco è “Fuck You” di Cee Lo Green, che nelle radio anglofone è diventata “Forget You” (e lui ci ha pure scherzato da Colbert cantando “Fox News”). A Cee Lo si perdona tutto, ma sostituire l’imprecazione in quel pezzo è come chiedere a Masini di cantare: “Ora basta / Io sto male / Non è giusto / Vaffanbrodo!” Non ha senso. E non ci sta in metrica.

Ma la sostituzione peggiore ci viene offerta dall’ispiratore del post odierno: Enrique Iglesias. Il nuovo singolo del cantante si chiama “Tonight (I’m Fuckin’ You)”. Arrossite, è un ordine.

Il mio giudizio sulla canzone ve lo risparmio, il gesto di Enrique è apprezzabile. Innanzitutto, perché uno che di cognome fa “Chiese” che dice che stanotte la vuole fottere genera un ossimoro lollificante che lèvati. E poi perché di double entendre nel pop odierno ce ne sono già fin troppi. Di “lo dico/non lo dico/facciamo che uso qualche verbo frasale di libera interpretazione” ne abbiamo sentiti abbastanza. Nel tempo che Julio impiega per sussurrare “Manuela”, Enrique le ha già sfilato le mutande. Chiamiamola evoluzione.

Ovviamente, il brano così com’è risulta inacettabile per il 99% dei canali televisivi e radiofonici, quindi abbiamo anche la versione censurata. Tra tutti i verbi del mondo, come avranno sostituito “fucking”? Con “LOVING”. “Tonight (I’m Lovin’ You)”. E certo, Enrique stanotte l’amerà. Se c’è un sentimento che trasuda da quel video è proprio l’amore. I due si conoscono a 0:38 e a 1:01 si mangiano la faccia. È amore. Sono talmente innamorati che al minuto 2:40 lei sta già viaggiando verso il Messico in missione bunga bunga con un’altra tizia, quella incontrata a 3:32.

Come vedete, dev’essere proprio amore, quello vero.

Rye Rye Go! Pop! Bang! N.E.E.T.

Rye Rye ha diciannove anni, viene da Baltimora e, se McNulty non l’arresta prima di gennaio, presto sentiremo il suo album di debutto Go! Pop! Bang! Cosa dobbiamo aspettarci da questa protégée di M.I.A.? Esatto: quel tipo di musica, quel tipo di estetica nei video, quei vestiti catarifrangenti. E non è necessariamente una brutta cosa. Se attraverso Rye Rye possiamo aggirare il problema M.I.A. tenendoci la sua musica e eliminando la sua boccaccia, io non ho nulla in contrario. Il problema sarà distinguerla da Santigold.

Verdena Wow Universal

La mia prima reazione al nuovo singolo dei Verdena non è stata esattamente “WOW”. È stata più “WTF”, ma un WTF positivo. È una bella canzone, battistianissima – e lo intendo come un complimento – da un gruppo a cui non ho mai prestato troppa attenzione, ma che “ha ancora qualcosa da dire”/”è arrivato a un difficile traguardo”/”non ha paura di mettersi in gioco” (scegliere topos recensorio a piacere). Poi si potrebbe parlare del loro fastidioso atteggiamento, del fatto che i titoli dei loro pezzi continuano a sfidare le mie capacità mnemoniche e vincono, o che le loro liriche sembrano venute fuori dal generatore automatico di testi dei Verdena. Ma chi se ne frega. Tutto il resto l’ha già detto benissimo Simone Rossi.

Cristina Donà Torno A Casa A Piedi EMI

Cristina Donà è sempre rimasta un po’ in disparte a farsi gli affari suoi. È stata l’unica cantante italiana di una certa importanza a non figurare tra le Amiche per l’Abruzzo e, se escludiamo un’apparizione con Nada, non è mai stata a Sanremo (nel 2008, Pippo la invitò e poi la bocciò). Inoltre, è anche l’unica persona ad avermi fatto digerire un duetto con Giuliano Sangiorgi e non è cosa da poco. Quindi a questo punto vorrei tanto dire: “è bravissima, comprate il suo nuovo album”. E invece no, perché il primo singolo, “Miracoli“, rompe la quasi-perfezione della sua discografia: è banale (non pensavo avrei mai usato questo aggettivo parlando della Donà). L’aiuto alla produzione e agli arrangiamenti di Lanza (già collaboratore di Pelù, Antonacci, Vasco: HO TANTO FREDDO) non mi lascia ben sperare. Questa volta non si va a colpo sicuro, aspettiamo di ascoltare il resto.

Gianna Nannini Io E Te Sony

Bla bla bla Gianna Nannini bla bla bla figlia bla bla bla sì ma però. Bla bla bla maternità bla bla bla grande emozione bla bla bla disco nuovo.

Adele 21 XL Recordings

Non so perché ho ignorato Adele per tutto questo tempo. Gli indizi erano a suo favore: un contratto con la XL Recordings, valanghe di premi e, nonostante l’aspetto non proprio freschissimo, la signorina ha solo 22 anni. Il nuovo singolo “Rolling In The Deep” è bellino, ma c’è voluta questa esibizione dal vivo di “Someone Like You” per farmi accorgere di lei.

Appunto, la perfezione. Come dice Jools Holland col suo accento pretenzioso alla fine del video, è una canzone che potrebbe avere cent’anni o essere stata scritta ieri. Non so come suonerà sul disco e non me ne frega niente. È questa esibizione che terrò nell’iPod, perché sono quelle piccole imperfezioni della voce che mi uccidono e non credo che resteranno nella versione in studio. Per una volta lo dico seriamente: “mi sei arrivata”.

12. Brendan Fraser’s “special” clap

Il contesto: Durante la cerimonia dei Golden Globes di gennaio, Bob De Niro consegna il premio alla carriera a Martin Scorsese facendo una battuta. Tutti ridono, ma Brendan Fraser lo fa in maniera “speciale”, dove per “speciale” s’intende “full retard”. (video)

Quando usarla: Se qualcuno fa una battuta idiota è l’ideale. Se quel qualcuno ha anche pagato per vedere Puzzole alla riscossa, ancora meglio.

11. Oprah’s Favorite Things: Bees

Il contesto: Ogni anno, Oprah Winfrey dedica una puntata del suo storico programma alle “cose preferite”. Si tratta di una gigantesca marchetta natalizia per vari prodotti, ma il pubblico in studio non è certo lì per fare un’aspra critica al consumismo. Il pubblico in studio potrà portare a casa i vari gingilli consigliati da Oprah e ciò causa fenomeni di isteria collettiva – ritratti in maniera esilarante e realistica in un vecchio sketch di SNL. Conan O’Brien reinventa lo scenario aggiungendo delle api, ilarità ne consegue. (video)

Quando usarla: Be’, questa è perfetta per tutte le brutte sorprese o chi vi ha fatto un orrido regalo per Natale. Se avreste preferito ricevere una scatola piena d’api anziché quello spremiagrumi elettrico, la GIF di cui sopra è il modo migliore per dire “non ti dovevi disturbare”.

10. Céline Dion, Animated Woman

Il contesto: Céline Dion è completamente fuori di melone (sul serio). Ne troviamo conferma in un’intervista chez Oprah a febbraio e Céline viene ufficialmente proclamata Donna Più Giffabile del Mondo. (video)

Quando usarla: C’è solo l’imbarazzo della scelta. Come potete vedere nella galleria qui sopra, le GIF della Dion contengono l’intera gamma delle emozioni umane.

9. Gaga e gli alani

Il contesto: In quasi tutti i video di Lady Gaga ci sono degli alani (sapevatelo) e uno degli alani di “Poker Face” è passato a miglior vita (RIP Rumpus). Nell’immensità di GIF dedicate alla Germanotta, questa serie di immagini presa da un vecchio video che non ricordo, sembra avere particolare successo perché…

Quando usarla: …è sinonimo di “haters gonna hate”.

8. Steve Carell, “I will kill you”

Il contesto: Alla cerimonia dei Golden Globes, Ricky Gervais fa una serie di battute a proposito della versione americana di The Office. Carell, inquadrato tra il pubblico, la prende bene. (video)

Quando usarla: Mi sembra di non dovere aggiungere altro.

7. Mo’Nique vs. Salad

Il contesto: Quest’anno, Mo apostrofo Nique ha vinto una vagonata di premi per il suo ruolo in Precious. Io non l’ho visto, mi han detto che è pessimo. Strano, chissà cosa non funziona in un film con una poveraccia sieropositiva obesa incinta analfabeta maltrattata dalla madre, violentata dal padre e con Mariah Carey come assistente sociale.

Quando usarla: “Non è proprio fame, è più voglia di mangiarsi Gabourey Sidibe.”

6. Sad Keanu

Il contesto: Sad Keanu è il meme migliore dell’anno. Tutto ha inizio quando l’attore viene paparazzato su una panchina mentre mangia un panino con aria affranta. Tenendo in considerazione che Keanu non è mai stato particolarmente fortunato nella sua vita privata e che pare sia un bro simpaticissimo, l’Internet si intenerisce e stabilisce che il 15 giugno è Cheer Up Keanu Day. Nel frattempo, l’attore, consapevole o forse no, viene fotografato in contesti sempre meno hollywoodiani (qui sopra abbiamo Cupcake Keanu), dando vita a centinaia di photoshoppaggi, GIF e meme dentro al meme.

Quando usarla: Perché usare due punti aperta parentesi, quando c’è Sad Keanu?

5. Dramatic Bieber

Il contesto: Il primo d’aprile, Funny or Die organizza un elaboratissimo scherzo per celebrare l’onnipresenza di Biebz nel web. La home page del sito viene completamente bieberizzata, con tanto di header frangettato e una valanga di contenuti video in cui la giovane postar reinterpreta alcuni classici virali. Dramatic Bieber, ça va sans dire, è la ciliegina sulla torta. (video)

Quando usarla: In qualsiasi contesto che richiederebbe Dramatic Chipmunk, ma c’è bisogno di un 100% di frangettona in più.

4. Mariah’s Boobcrack

Il contesto: A fine 2009, Mariah Carey viene intervistata da Larry King e, tra una “dichiarazione choc” e l’altra, si annusa il décolleté. (video)

Quando usarla: Una GIF versatilissima. Può essere usata come sinonimo di “check yourself” (la mia pagliuzza vs la tua trave nell’occhio, ecc.), per intromettersi in un’assurda discussione o semplicemente per provocare LOLLONI.

3. How LOST Should Have Ended

Il contesto: L’ultima stagione di LOST (che mi ha impegnato non poco) si conclude in un crescendo di assurdità panreligiose e qualcuno immagina il finale ideale. Perché avremmo veramente tutti preferito che fosse finito così.

Quando usarla: Mai, è solo un doloroso promemoria del tempo che ci hanno rubato.

2. Animated Albums

Il contesto: A maggio, esplode il fenomeno di Animated Albums, un tumblr che anima (spesso con risultati molto divertenti) le copertine di dischi belli. Finisce praticamente su tutti i siti che contano e, a sette mesi di distanza, va ancora fortissimo. Motivo d’orgoglio in più: il creatore è un italiano.

Quando usarla: La GIF di Homogenic è la mia preferita ed è forse la responsabile del successo iniziale del sito, ma c’è un’infinità di album per tutti i gusti e tutte le occasioni.

1. Kanye Is Not Amused

Il contesto: Kanye ci dimostra che sa ridere come un vero essere umano, ma essendo un androide semidio, riesce a cambiare stato d’animo con maggiore rapidità.

Quando usarla: La bipolarità della sequenza in questione è la sua arma vincente. La GIF d’eccellenza per la risata di circostanza, seguita da un sincero “muori, bastardo”. Album dell’anno, artista dell’anno, imbecille dell’anno, GIF dell’anno.

Ne ho dimenticato qualcuna? Sicuramente sì. Postala tu nei commenti.

Al di là dei (pre)giudizi personali sulla qualità della cover (secondo me non è male), già conosco le reazioni che susciterà. Perché Mellon Collie è piezz’e core, perché quella è la canzone della mia adolescenza, perché io sono tanto buono e caro ma se mi fai incazzare, perché tu a mia madre non la devi nemmeno nominare o ti sputo.

Ci risiamo: periodicamente, Qualcuno Che Non Va Bene fa una cover (ma potrei tranquillamente estendere il discorso ai remake e adattamenti cinematografici e televisivi) e la gente si indie-gna.

Bene, devo confessarlo: anch’io ero così [chiude gli occhi, annuisce, prende un lungo respiro] ma poi sono cambiato [ritrova il sorriso]. Sono cambiato! Ed è per questo che oggi propongo il mio esclusivo Metodo Per Disintossicarsi Dalle Cover Brutte E Vivere Meglio™.

Step one: Ammettere di avere un problema

Circa un anno fa – lo ricordo come se fosse ieri – in un giorno di ordinaria procrastinazione su Twitter,  mi giunse la notizia che Vasco Rossi stava per pubblicare una sua versione di “Creep”. Non lo nego, fu un colpo al cuore [indica il cuore]. Mi dava fastidio che la persona peggiore al mondo toccasse una band carissima e che i fan peggiori al mondo se ne appropriassero con le loro unghione sporche. Eppure, non potevo certo sostenere che si trattasse di chissà quale gioiello segreto da custodire gelosamente (mica era un’oscura b-side di Amnesiac che quando dici il titolo pure Thom fa: “che?”) o di avere particolari ricordi personali legati al brano, dato che, al momento della sua pubblicazione, i miei gusti si dividevano tra il synth pop e il folk. È lì che capii di avere un problema.

Step two: Comprendere gli autori

Nonostante Elisa all’estero sia FAMOSISSIMA (me l’ha detto un comunicato stampa!), questa cosa qui sopra non è successa. Non metto in dubbio che in certi casi l’autore debba dare il  consenso, ma se a Corgan crescesse un capello ogni volta che da Monfalcone qualcuno gli chiede se può fare una sua canzone, ora avrebbe in testa un cespo afro. Lui non ti sta facendo nessun torto e, a modo suo, ti vuole ancora bene [indica nuovamente il cuore].

Ma come si sentirà un autore quando la propria canzone viene attirata in un vicolo buio, derubata e stuprata ripetutamente da un branco di satiri? Lo chiediamo a Imogen Heap – chiedo scusa, c’era solo lei disponibile all’ultimo minuto… Fa’ ciao con la manina, Imogen, da brava – che cinque anni fa ha sfornato “Hide & Seek”. Il pezzo è finito in situazioni molto compromettenti, dalle scene di O.C. a Jason Derülo, dai pazzi su YouTube all’iPod di gente che mai si prenderà la briga di ascoltare mezza nota del resto della sua discografia. Come l’avrà presa?

[...] when I make a piece of music in the studio it’s very much my thing and I’m quite possessive over it but once I’ve finished it I feel more like ‘Go off and live your life, have fun, meet people, make babies’ and I don’t feel the need to control it as a song.

L’autore intelligente sa che, dal momento che la canzone viene pubblicata, il mondo ne farà ciò che vuole. Potrebbe diventare l’inno delle persone toste come te [fa l'occhiolino] oppure la remixeranno i tamarri, la canteranno gli ubriachi al karaoke e la eseguiranno cantanti di X Factor del sesso opposto cambiandone i pronomi personali. Il bello di queste ultime ipotesi, è che l’autore può comprarsi una villa a Malibu e tu devi essere contento per lui.

Step three: Ce la possiamo fare

“A me non interessa se con quella canzone si è pagato elicottero e mignotte! È stata la colonna sonora della mia gita di terza media al mausoleo di Stercolappio e avevo scritto il testo con l’uniposca sull’Eastpack di quella che mi piaceva!”

Be’, complimenti per la memoria. E ora il coverizzatore di turno avrebbe usurpato i tuoi vividissimi ricordi? Ora la canzone è meno tua? Hai paura che alla domanda “qual è la tua canzone del cuore?”, tutti, anche i deficienti, risponderanno con lo stesso titolo? Che finirà sui profili di Facebook delle persone sbagliate? Se è così, allora stai mettendo il concetto dei ricordi davanti ai ricordi stessi. E non stai rendendo loro giustizia se credi che basti una sequenza di note e parole eseguita da qualcun altro per intaccarli.

TLDR: YOU HAVE TO LET GO, JACK.

Stasera si terrà l’ultima puntata della quarta edizione di X Factor e io ho preparato l’esame di fine anno. Funziona così: ci clicchi sopra per ingrandirlo e poi lo salvi e/o lo stampi per garantire ore di intrattenimento gratis per tutta la famiglia. L’avevo fatto anche l’anno scorso e quattro o cinque persone adorabili me l’avevano pure rispedito indietro completato. Storie di successo 2.0, cari miei.

Credit where credit is due, l’ispirazione viene da Popjustice, che per l’X Factor britannico fa questi simpaticissimi playsheet (Hi Peter Robinson, if you’re reading this, please don’t sue me. I stole your playsheet idea because you’re my hero. The sincerest form of flattery, etc.)

Che imbarazzo. Ah, e se tutto va bene, domattina mi trovate anche sul blog di Grazia a fare il riassuntone. Dopodomani, invece, finalmente realizzerò che X Factor 4 è finito e mi troverete a vagare per strada con gli occhi sbarrati, la schiuma alla bocca, le braccia a comporre una X e tanta sete di talent.

UPDATE: Ecco il riassuntone.

Black Eyed Peas The Beginning Interscope

I Black Eyed Peas sono la band peggiore del pianeta. E questo non costituirebbe un problema, se non fosse che sono anche quella più importante. Il modo in cui riescono a unire il peggio della musica bianca al peggio della musica nera è a dir poco prodigioso. Sulla vacuità dei testi, poi, potrei scrivere una fottuta tesi di dottorato – se stessi facendo un PhD in Coprofilia. L’altra cosa che non sopporto è che hanno delle facce strane. Soprattutto la donna gatto con gli zigomi che si incontrano sulla nuca e l’uomo senza guance.

L’album non l’ho ascoltato. Non lo ascolterò mai di proposito. Tanto faranno uscire quarantasette singoli e avranno tutti successo malgrado la mia volontà. Per esempio, mi è già toccato sentire “The Time (Dirty Bit)“, che prende il ritornello della canzone di Dirty Dancing e lo mischia a cinque minuti pescati a caso nel palinsesto di Radio Deejay in una notte del 1995. Viviamo tempi bui.

Il regalo di Natale perfetto per: il cuginetto o il nipotino che mostra già evidenti sintomi di tamarrismo ed è troppo piccolo per capire qualcosa di musica. Ci sono buone probabilità che non ne capirà mai niente, quindi asscondatelo. Perché insistere?

Elisa Ivy Sugar

Ivy è la nuova raccolta della promessa peggio mantenuta della musica italiana: Elisa. Conterrà qualche inedito, delle b-sides, dei brani riarrangiati, una cover di Camille insieme a Giorgia (se non sapete chi è Camille, il vostro compito per la settimana è scaricare immediatamente Le Fil), una collaborazione con Fabri Fibra e un DVD con un documentario sulla cantante. Non mi invento niente: lo dice la tracklist. Ho difficoltà a capire quale sia il filo conduttore tra queste tracce e, se la Sugar avesse pubblicato un comunicato stampa decente, magari non sarei qui a cercare un senso dove un senso non c’è. Infatti, Elisa è un po’ il punto di riferimento per le raccolte raccolte male. È quella che in un disco riesce ad infilare un pezzo acustico con l’ukulele, un remix dub di nove minuti dei Funky Brothers On Acid Productions Superstars, una canzone registrata in uno studio di Los Angeles da milioni di dollari e una canzone registrata dal vivo alla sagra della sugna di Pietrafonte San Friscazza. Quando si dice avere una linea artistica.

No, non compratelo. Lo so che ha una voce deliziosa e prima di diventare normale ha fatto delle cose belle, ma cerchiamo di non incoraggiarla in questo suo inesorabile declino.

Il regalo di Natale perfetto per: quell’amica che con Elisa si emoziona tanto ma non ha mai sentito le b-sides. Non ha nemmeno mai sentito la parola “b-side”, a dire il vero.

Michael Jackson Michael Epic

Una nuova raccolta con 10 inediti di Michael Jackson! Ora sostituite “raccolta” con “circonvenzione d’incapace”, “inediti” con “scarti di magazzino” e “Michael Jackson” con “Gigi Sabani”. Ci sono infatti grosse possibilità che la maggior parte di queste tracce non contenga la voce di MJ e a tali accuse la Sony ha risposto dicendo: “ma LOL, inaudite panzane!  Credete forse che potremmo mai permetterci di lucrare sul cadavere più lucrativo della storia del pop?”. Eppure, i primi sospetti vengono proprio dalla famiglia Jackson: secondo LaToya e il nipote Taryll non sarebbe Michael a cantare nel primo estratto “Breaking News”. Ora, premesso che qualsiasi frase pronunciata da un membro della famiglia Jackson va presa coi guanti in nitrile, questa volta credo che il bluff sia palese. Ma soprattutto: le canzoni sentite finora fanno schifo.

Gia che siamo in tema (ed è un tema che non affronteremo MAI PIÙ), volevo dirvi che qualche tempo fa ho visto un documentario su Bubbles, la SCIMMIA della famiglia Jackson. Casualmente, è anche il peggior documentario ch’io abbia mai visto (ma dico così perché non ho ancora visionato il sopraccitato film su Elisa), quindi è imperdibile. Guardatevi almeno la reunion di LaToya con il canuto scimpanzè e che i lolloni siano con voi.

Il regalo di Natale perfetto per: chi ha passato l’ultimo anno e mezzo in coma e non sa cosa abbiamo dovuto passare noi che purtroppo eravamo svegli.

Esben And The Witch Violet Cries Matador

Questi Esben And The Witch sono il classico gruppo che subito mi fa uscire di testa e un mese dopo mi sono già dimenticato della loro esistenza. Vediamo se ci cascate anche voi. Per ora sappiamo che: sono di Brighton; stanno con la Matador; ti regalano un mp3 di “Warpath” qui; dal vivo fanno una cover un po’ stonata di “Confide In Me“; il loro primo video fa paurissima (anche se è chiaramente un plagio di quest’altro video). Stiamo a vedere.

Il regalo di Natale perfetto per: chi non vedrete a Natale, dato che l’LP esce il 31 gennaio. Se siete un po’ tirchi, potete sempre regalare il vinile di “Marching Song”.

Smashing Pumpkins Teargarden by Kaleidyscope Vol.2: The Solstice Bare Martha’s Music/Rocket Science Ventures

Jessica Simpson Happy Christmas Eleveneleven

Chiudiamo con due album in uscita a fine novembre/inizio dicembre. Uno è l’ultima opera di una sporca vacca meretrice che ha perso il contatto con la realtà, l’altro è il disco di Natale di Jessica Simpson.

Teargarden By Kaleidyscope Vol. 2: The Solstice Bare (e ‘sticazzi, no?) raccoglie una manciata di pezzi del delirante progetto di Billy Corgan ISPIRATO DAI TAROCCHI. Nell’ultimo anno, gli Smashing Pumpkins (a volte fa male anche solo scriverlo, sapete?) hanno messo in download delle tracce gratis ogni tanto sul sito di una scuola di yoga e ora le ficcano in un EP per vedere quanto riescono a puzzare tutte insieme.

Il disco di Natale di Jessica Simpson, invece, è il disco di Natale di Jessica Simpson.

(OK, si sono lasciati, ma a me fa ancora ridere.)

Il regalo di Natale perfetto per: Qui mi trovate in seria difficoltà. Svierò facendovi vedere questo storico sketch. L’espressione da ricordare è “functionally retarded”.

Riassunto delle puntate precedenti. Ci sono un’attempata discografica sboccata, una giovane MILF ciociara con ambizioni partenopee, un estroso musicista e un punk convertito al palinsesto di Italia Uno che cercano il nuovo talento della musica italiana. La persona giusta deve avere il fattore X, che è qualcosa che non si può spiegare, quindi si va per tentativi, o meglio, a tentoni nel buio sbattendo gli alluci contro gli spigoli per un’intera stagione finché non si trova l’intesa tra il Televoto, i poteri forti dell’industria discografica e il fantasma di Miguel Bosé.

Il resto del mio riassuntone della semifinale di ieri sera si legge sul blog di Grazia.

E dato che ormai nei siti dei periodici femminili ci sguazzo, vi segnalo anche la mia seconda ospitata chez Rimozione da Tiffany, dove Violetta Bellocchio mi chiede quanta sfiga c’è a X Factor UK (e quante Kelly Clarkson servono per cambiare una lampadina).

Non ditemi che non vi sono arrivato.

Domenica sera a Madrid si sono tenuti gli MTV Europe Music Awards e ci siamo nuovamente cascati. Come ogni anno, la rete ha fatto il possibile per creare spasmodica eccitazione intorno all’evento, promettendo faville e parate di stelle. È il loro mestiere e ci investono un sacco di soldi, ma la realtà è che MTV è più brava nei preliminari che nell’amplesso. Infatti, dando un’occhiata alle notizie di oggi, i giornalisti devono essersi trovati veramente in difficoltà a fare il loro compitino. A cerimonia conclusa, sono uscite solo due tracce per il tema: Descrivi i cambi d’abito della conduttrice Eva Longoria e Elenca i premi assegnati sottolineando il trionfo annunciato di Lady Gaga. E di cos’altro si potrebbe parlare? È mancato il momento “virale” (la star che sbotta, lo scivolone esilarante, la scapezzolata involontaria wardrobe malfunction) ed è stato tutto così mediocre che è anche difficile criticarli duramente e definirli un fallimento totale. Di una cosa non ha ancora parlato nessuno, vuoi per noia vuoi per abitudine, quindi me ne occupo io.

Non infierirò sulla mancanza di verve della conduttrice, le esibizioni scadenti e l’ingiustizia dei premi assegnati. Per una volta, sono pronto a fare finta che sia una questione di gusti. Farò invece un’analisi quantitativa per vedere dov’è andata a finire la “E” di questi EMA.

Su 35 artisti nominati nelle varie categorie (escludendo il Best European Act), 27 non erano europei. I rimanenti otto (concentrati quasi tutti nella categoria Best Push Act) erano britannici, con l’eccezione di Enrique Iglesias. Tra gli artisti premiati, solo uno è europeo: i Tokio Hotel.

E vabbè, gli europei hanno votato (si suppone) in maniera democratica e hanno preferito assegnare i premi agli americani. Se il popolo vuole credere che Bieber sia il miglior maschio della musica mondiale, be’, sono un po’ cazzi del popolo.

Andiamo invece a vedere come MTV ha scelto di onorare l’Europa nelle esibizioni della serata.

Ecco, su quindici artisti che si sono esibiti, due erano europei, anzi inglesi: Plan B e Dizzee Rascal. Anzi, uno e mezzo perché Dizzee Rascal faceva solo una comparsata nel pezzo di Shakira – la colombiana che dopo tanti anni fa un disco nella sua lingua natìa e, trovandosi a Madrid, decide che no, è meglio cantare in inglese e nel frattempo il pubblico intona la stessa canzone, ma in spagnolo: genio.

Quante storie, l’Europa era rappresentata dalla categoria Best European Act.

Non credo serva un grafico per capire che 30 secondi di videomessaggio in uno spettacolo di tre ore sono meno di niente. Mengoni non è il miglior artista europeo dell’anno, ma non è questo il punto. L’unica opportunità per un artista emergente non americano è stata messa da parte come qualcosa di cui vergognarsi. Non sia mai che gli spagnoli in ascolto s’incuriosiscano. Non sia mai che lo yankee che guarderà questa cerimonia in differita abbia il tempo di chiedersi se le note sono sette anche nel vecchio continente.

Le edizioni degli ultimi anni non certo sono state più generose nelle quote europee, ma l’altra sera, se avessimo giocato al drinking game “Bevi Quando Inquadrano un Europeo”, saremmo rimasti tutti sobri come atleti di Dio (non è un’espressione bellissima? L’ho trovata qui!).

Non voglio vedere il fratello squattrinato e brufoloso dei VMA, rivoglio “L’Ombelico del Mondo” a Rotterdam, rivoglio Jean-Paul Gaultier in minigonna e Björk ubriaca con lo zainetto di peluche a Parigi, rivoglio la vittoria del cartone del latte in una cinquina che farà storia, E mi sa che potevo evitare grafici e giri di parole dicendo semplicemente che mi mancano gli anni ’90.

Se è vero che ad ogni rinuncia corrisponde una contropartita considerevole, Carmen dovrebbe rinunciare ai mandolini. Ricordo un’intervista in cui diceva che una volta faceva quelle cosacce con la chitarra elettrica perché era solo una ragazzina. No, Carmen, eri una Donna con la D maiuscola e ora sei Teresa De Sio. Con me la storia dei “suoni maturi” non attacca.

Per Niente Stanca è il suo primo best of “tradizionale”, dopo aver disseminato negli anni riedizioni inutili, un live elettrico e il bellissimo L’AnfiteatroELaBambinaImpertinente (che si scrive così, tutto attaccato, giusto per rompere il cazzo a chi ha il template del blog di 416 px). Qui l’unica novità è un piacevole inedito scritto con Tiziano Ferro. Proprio non so chi comprerà questa raccolta dato che i fan di Carmen non hanno  certo bisogno di rinfrescarsi la memoria e il resto del mondo è ancora fermo a “che voce fastidiosa!”.

Kanye West My Beautiful Dark Twisted Fantasy Roc-A-Fella

Spero non vi dispiaccia sapere che Pop Topoi è TEAM KANYE TUTTA LA VITA. Capisco benissimo che, agli occhi di molti, il minchione arrivi prima del cantante. Non è facile dividere questi due poli e giudicare un artista solo per ciò che produce e sopprimendo l’istinto di riservargli torture che farebbero impallidire perfino le Woodland Critters di Cartman, ma io che seguo la temibile Björk da più di dieci anni sono allenatissimo.

I fatti: Kanye ci ha regalato una traccia nuova gratis ogni venerdì da settembre. Kanye ha realizzato un orgasmico videoclip di 35 minuti. Kanye ha detto ciò che tutti pensavano mentre Taylor Swift ritirava un premio che non meritava. Kanye ti farà ascoltare come è riuscito a includere nella stessa traccia La Roux, Alicia Keys, Fergie, Kid Cudi, Rihanna ed Elton John. Kanye ha il Twitter più bello dell’universo e se aggiungi “Liz Lemon” davanti ai suoi tweet otterrai la voce di Tracy Jordan. Kanye si lamenta perché gli censurano una copertina che ritrae il suo amplesso con una fenice.

Ora guarda nel tuo cuore e chiediti: 50cent ha mai fatto tutto questo per te?

Annie Lennox A Christmas Cornucopia Island/Decca

Ora ditemi voi come si fa a prendere sul serio un album 1) di classici natalizi; 2) intitolato A Christmas Cornucopia; 3) con questa copertina. E anziché andarsi a nascondere dietro il bue e l’asinello, la Lennox rincara la dose: “Erano anni che volevo realizzare questo album!”. Certo. Fate sì con la testa, datele un’accondiscendente pacchetta sulla spalla come fareste con la vecchia prozia sbroccata, passatele un brodino di pollo e allontanatevi lentamente.

Negramaro Casa69 Sugar

Non so di preciso in quale punto della carriera i Negramaro siano passati da “decenti” a “CRISTO DATEMI UN ASSORBENTE PER LE ORECCHIE” ma non sarò certo io a ripercorrere la loro discografia per scoprirlo. Il primo singolo di Casa69 si chiama “Sing-Hiozzo” e in questo momento è primo su iTunes. L’album conterrà anche una canzone dedicata a un’artista scomparsa, ma non so se la conoscete perché di lei non si parla mai mai mai: MIA MARTINI. Quindi, grazie Giuliano Sangiorgi per averci ricordato di questa cantante la cui morte non è mai stata oggetto dei soliti paraculismi del mondo dello spettacolo. Dice:

Ho pensato di chiederle scusa perché ci sono stati momenti in cui anch’io sono stato oggetto di pregiudizi, e nonostante facessi di tutto per dimostrare che certe maldicenze erano infondate, nulla cambiava. Dovremmo tutti chiederle scusa: Mimì è morta per colpa della gente, che cazzo di morte è?

Grazie, Sangiorgi, grazie a nome di tutti noi. Sono sicuro che questa canzone la renderà un po’ meno morta. Ah, poi com’è andata a finire tra la Caselli e la Bertè? Perché mi pare che qualche tempo fa non fossero proprio in vena di lulz, ma forse ricordo male, sa. Scusi ancora il disturbo, Sangiorgi, la ringrazio tanto, grazie.

N.E.R.D. Nothing Star Trak

Ricordate quando, dieci anni fa, sembrava che i Neptunes (e poi i N.E.R.D.) dovessero rivoluzionare la musica? Poi non so cosa sia successo, ma nel dubbio darò la colpa a David Guetta. Ora Pharrell Williams ha quasi quarant’anni e, come tutti i blipster della sua età, è troppo impegnato a disegnare sedie brutte o bruttissime per dedicarsi seriamente alla musica. Nothing è il quarto album del trio e per ora abbiamo i seguenti indizi: “Hot-n-Fun”, che non mi pare né hot né fun;  “Hypnotize U”, prodotta dai Daft Punk; “Help Me”, che non è malaccio, ma è corredata da un video col solito, trito e ritrito montaggio di immagini di repertorio. Uh, sottotesto politico! Questo aspetto della musica dei N.E.R.D. mi era sfuggito: ero rimasto a quando parlavano solo di passera! Incuriosito, ho fatto le mie belle ricerche da professionista e ho scovato questa intervista noiosetta. Ma verso il secondo minuto: l’epifania, la quote che ti svolta la giornata.

The economy kinda sucks. Girls are still beautiful. We wanted to make music that kinda reflected that.

Udendo queste parole, l’intera redazione di Pop Topoi (io) ha esultato, battuto i pugni sul tavolo, spalancato Photoshop e decretato che fosse necessario agire:

Ed è MEME.

Norah Jones …Featuring Blue Note

È difficile immaginare che esista gente in grado di non sbadigliare all’idea di questo disco ma, ehi, ognuno ha le sue perversioni. Trattasi di una raccolta di canzoni già pubblicate qua e là su album altrui (Foo Fighters, Outkast, Belle and Sebastian, Ryan Adams per citare i più importanti) in cui Norah Jones arrivava in punta di piedi a portare il suo gigantesco alone di NOIA. Non trovate che sia una di quelle tre o quattro cantanti che si qualificano come la risposta umana a JIGGLYPUFF? Secondo me, Norah Jones piace a due tipi di persone: quelli che si lavano i denti con l’acqua calda e Steve Jobs. Infatti, nel nuovo GarageBand potete scaricare i video in cui Norah vi insegna a suonare il piano. Io ci ho provato, ma poi il rumore dell’accordo suonato dal mio corpo rannicchiato in posizione fetale sulla tastiera mi ha svegliato. In compenso, questa situazione mi ha fatto venire l’idea per un film bellissimo: un remake di Buried, ma con Norah Jones chiusa dentro un pianoforte a coda. Per l’eternità.

Daft Punk TRON Legacy OST Walt Disney Records

Passare da Norah Jones ai Daft Punk è un po’ come farsi  un flacone di Lexotan e poi buttar giù tre compresse di Ritalin. Una volta ho tagliato una playlist di Norah Jones con Discovery e ho smascellato per una settimana. Poi sono andato su IMDb a leggere di che cazzo parli ‘sto TRON e ho deciso che preferivo la droga alle opere audiovisive in cui c’è un tizio che va a cercare il padre scomparso in un mondo con le moto fluorescenti. No, vabbè, i Daft Punk sono perfetti per questa colonna sonora. Sono più adatti a musicare TRON che il film che hanno diretto loro stessi ma che nessuno ha mai guardato. Probabilmente non l’han visto neanche loro perché con quei caschi sempre in testa dev’essere un casino. E niente. Mi vuoi sTRONcare ‘sto disco? Ma che sTRONzo!

Elenco di parole che chiedevano di essere inserite in questa recensione ma non ce l’hanno fatta: casTRONeria, gasTRONomo, TRONista, meTRONotte, festa paTRONale.

Francesco Renga Un Giorno Bellissimo Universal

Un Giorno Bellissimo è il sesto album da solista di Francesco Renga e, per motivi che sinceramente fatichiamo a comprendere, non conterrà una cover di “T’Appartengo”.

Nicki Minaj Pink Friday Universal Motown

Pink Friday è l’attesissimo album di debutto per Nicki Minaj, che è stata accolta da tutti come “la nuova Lil’ Kim”. Purtroppo, secondo me, si è giocata la possibilità di essere la nuova Lil’ Kim facendo un paio di passi falsi tipo presentarsi in pubblico vestita. Non è ancora disponibile una tracklist dell’album, che pare conterrà collaborazioni con will.i.am, Kanye West, Cheryl Cole e, se quel giorno il citofono funzionava bene, anche Rihanna. In compenso, abbiamo la copertina e direi che basta e avanza per farsi un’idea. E no, non vi do un link per vederla più grande.

Dovete inoltre sapere che finora il fil rouge dei singoli della Minaj è stato: prendere un sample famoso (nello specifico, “Awa awa” e “Dabadabadabbabbà OOH“), ripeterlo allo sfinimento finché non arriva qualcuno a dirle “SONO DIVENTATO AUTISTICO ASCOLTANDO UN TUO PEZZO PER CASO” e buttarci due versi rap sopra. Magari mi ricrederò sul suo conto, chi lo sa, ma per ora sono occupato a dondolarmi sulla sedia facendo la schiuma con la bocca.

Dabadabadabbabbà OOH.

Pink Greatest Hits… So Far!!! LaFace

Da Pink Friday a Pink, ammazza che aggancio. Questo sarebbe il primo greatest hits della cantante, che ha fatto un disco bellino (il secondo) e poi ha deciso che la sua vera vocazione era unirsi al Cirque du Soleil e farsi appendere per aria a testa in giù. Il titolo della raccolta si scrive proprio così, con tre punti esclamativi, per non strafare. Comunque io l’altro giorno mi chiedevo: ma “Pink” si scriverà ancora “P!nk”? ¿E se c’è qualche spagnolo in ascolto, mi può confermare che nei paesi ispanofoni si scrive “P¡nk”? E soprattutto, ha ancora senso che si chiami Pink da quando ha smesso di tingersi i capelli di rosa?

Lista di cantanti il cui colore di capelli non mantiene le aspettative del nome: Pink, Blonde Redhead, Mario Biondi.

Lista di cantanti il cui colore di capelli mantiene le aspettative del nome: Blondie, Carla Bruni, Brunori Sas.

- Professor Schuester, oggi avrei preparato una canzone sulla morte e la distruzione che questa serie promuove e propaga, posso?
- Prego.

1. Nel corso dell’intera prima stagione di Glee, ogni episodio gira attorno alla battaglia per la sopravvivenza del Glee club (una piccola compagnia di studenti canterini) dopo i continui sabotaggi di Sue Sylvester, la perfida allenatrice delle cheerleader. Ora arriverà qualcuno a dirmi che qualsiasi opera di narrativa si basa sulla lotta tra eroi e antagonisti, ma in Glee la trama è sviluppata con tale scarsità inventiva che pare di vedere Gargamella in tuta Adidas e Puffetta grassa e nera che canta “Amazing Grace”.

2. E se la trama è quello che è, ci si aspetta che almeno i numeri musicali siano spettacolari. Ecco, no. Le coreografie sono degne di un videoclip minore degli anni ’90; le interpretazioni trasformano qualsiasi brano in un’estenuante lotta tra donna e fischietto ad ultrasuoni e trasudano auto-tune; le scelte musicali sono ovvie e stucchevoli. Inoltre, la trama è schiava delle canzoni e le canzoni sono schiavizzate dalla trama. Nella puntata in cui si parlava di accettazione del proprio corpo mi sarei giocato  un flacone di Clearasil che qualcuno finiva a cantare “Beautiful” di Christina Aguilera; nella puntata dedicata a Madonna era necessario incastrare la questione verginità per poter cantare “Like A Virgin”; nella puntata sulla fede si è deciso di introdurre “Losing My Religion” per parlare di crisi mistica (quando è ben noto che il titolo significa “perdere la pazienza” e la canzone parla di tutt’altro). L’idea che mi sono fatto è che, una volta deciso l’argomento della puntata su cui eticheggiare, Ryan Murphy inserisce la parola chiave nel campo di ricerca su iTunes e i primi dieci risultati sono le canzoni che sentiremo.

3. Accettando un Emmy, Jane Lynch ha definito il suo personaggio come “the role of a lifetime”. Vero, Sue Sylvester è la colonna portante di Glee: ha le battute migliori e più divertenti. Ma come fa notare Peter Robinson sulle pagine del Guardian, “Glee non ha le palle di Sue Sylvester”. Infatti, si scopre che Sue ha una sorella handicappata ed è l’unica persona con la quale è Buona: dettaglio necessario perché l’antagonista possa espiare le sue colpe agli occhi del pubblico. In poche parole, l’unico personaggio che poteva essere una spassosissima macchietta perché Cattivo e Basta, viene reso profondo e a tratti tenero. Gli altri personaggi è inutile che ve li descriva. Pensate a una dozzina di incarnazioni stereotipate della sfiga e avete l’intero cast.

4. Tra le incarnazioni stereotipate della sfiga, c’è una ragazza filippina in viaggio studio. In questo caso, la sfiga non risiede nel personaggio, bensì nella giovanissima popstar/attrice che la interpreta, Charice Pempengco. La produzione, infatti, le ha gentilmente chiesto di spararsi del botox in faccia così da renderla un po’ meno rotonda. Non vorrei mai che un redneck, guardando programma, pensasse che gli si è scombussolato l’aspect ratio della televisione.

5. Glee riporta in auge la musica brutta. “Don’t Stop Believing” dei Journey è stata l’inno della prima stagione ed è balzata in testa alle classifiche di mezzo mondo, ha dato il nome a trasmissioni televisive, e perfino sei gigantesche icone musicali a caso che una sera si sono trovate a condividere un palco, tra tutte le canzoni al mondo che avrebbero potuto scegliere, hanno intonato proprio questa porcheria.

6. Glee genera una pletora di squallidi e pericolosi wannabismi. Come Amici di Maria De Filippi, ma su scala planetaria. Il messaggio che la serie vuol passare è “credi nei tuoi sogni” (sai che novità) ma viene puntualmente interpretato come “credi nei tuoi sogni e diventerai un cantante/ballerino di successo e anche se tutti fuorché tua madre dicono che sei una ciofeca non vuol dire che non hai talento, bensì che sei un incompreso e devi continuare a credere nei tuoi sogni”. Non a caso, gli impegni didattici nella scuola di Glee non esistono: la vita studentesca è nel teatrino delle prove di canto, nei corridoi e negli spogliatoi della squadra sportiva. Glee non è un gruppo di ragazzini che si impegnano per la recita di fine anno, Glee è una mandria di attention whores che genera attention whores e fa dell’accettazione e il successo nel mondo dello spettacolo una ragione di vita.
Vi sento già dire: “ehi, Pop Topoi, sei proprio un moralista!”. Può darsi, ma passare il messaggio che in una scuola esiste anche lo studio in almeno una puntata su venticinque non mi sembra una pessima idea. Cazzo, perfino Donna Martin alla fine si diplomava.

Antony & The Johnsons Swanlights Rough Trade

Ho voluto aspettare un po’ per parlare di Swanlights perché, dopo la delusione del’EP estivo, volevo dedicargli un ascolto attento. “Thank You For Your Love”, pur essendo largamente inferiore alla discografia antoniana e al resto dell’album, era un’ottima introduzione ai toni di Swanlights e le novità che porta con sé. “Everything is new”, dice Antony nella prima traccia, e l’impressione è che, per la prima volta, sia sereno, a proprio agio con la sua storia personale e pronto a riconciliarsi col suo passato (non a caso, il video di “Thank You…”  era  un montaggio di filmati di un Antony adolescente, appena giunto a New York in cerca di fortuna). Purtroppo, però, come spesso accade, la serenità può nuocere all’artista: Swanlights è bello, ma non commuove né incanta come i precedenti.

Spiccano la parte centrale (soprattutto la title-track), e la traccia conclusiva, “Christina’s Farm”. La traccia 9 è una invece una collaborazione con Björk, che possiamo chiamare “arte” o “devo restituire un favore  a Antony, ma c’ho fretta e görgheggio a caso, tanto tutti penseranno che è arte”.

Ad ogni modo, si compra senza se e senza ma, e se vi piacciono le figure, c’è pure un’edizione speciale con una collezione di disegni, foto e scarabocchi dell’artista.

I Blåme Coco The Constant Island

Io ci stavo per cascare in pieno su questa qui. Sentite un po’ gli indizi e ditemi se non c’erano già le basi per una scuffia totale: la collaborazione con Robyn, tracce scritte e prodotte da Klas Åhlund e una valanga di remix di gente tipo Miike Snow e La Roux. Aveva inoltre quest’aurea di scandinavietà (sai com’è, con quella å nel nome d’arte) che invece non c’entra niente: è inglese, ma è nata a Pisa ed è figlia di Sting. [Inserire qui battuta sul fatto che possa essere stata concepita in una delle leggendarie maratone tantriche del cantante.]

Eppure questo The Constant [inserire qui battuta su Desmond] proprio non mi ha convinto. La creatività scarseggia, le doti vocali sono piuttosto modeste e le melodie si dimenticano in fretta. [Inserire qui frase per instillare il dubbio che sia raccomandata dal padre.] Lo riascolterò meglio, promesso, ma per ora a chi vogliamo dare la colpa? I, for one, blame Coco.

Velvet Le Cose Cambiano Cose Comuni

Secondo me, i Velvet sono bravi, e questa è un’opinione che probabilmente non leggerete su nessun altro blog musicale (il che fa pensare che un motivo ci sarà – non pensiamoci). Secondo me, dicevo, sono bravi e sono migliorati tantissimo negli ultimi anni. Forse erano bravi già dal secondo album, ma come fai a essere credibile dopo aver cantato cose come “Boyband”, che sarà stata anche ironica ma cristogesùsantissimo. Le Cose Cambiano è un greatest hits che riassume dieci anni di carriera attraverso vecchi successi riarrangiati durante un provvidenziale soggiorno a Casasonica. È un’ottima occasione per accorgersi che “Funzioni Primarie” era e resta un pezzone, che i brani sanremesi non erano poi malaccio e che “Confusion Is Best” con Beatrice Antolini è ancora vergognosamente ballabile. Tuttavia, non sborserò € 16,90 per questa raccolta e non chiederò certo a voi di fare altrimenti. Troviamo un compromesso: fatevi almeno un salto sul loro sito ufficiale perché, pur non essendo aggiornatissimo, merita dal punto di vista grafico, e se ne riparla al prossimo disco di inediti. La strada è quella giusta.

Apparat DJ-Kicks !K7

Parliamo del nuovo capitolo della storica serie DJ-Kicks (mamma mia, che sofisticati! Non temete, tra poco torniamo alla musica sciocca). Questa volta a curare la compilation c’è Apparat, DJ e produttore tedesco now with 50% more facial hair. Il buon Sascha è uno che passa con disinvolutra da Modeselektor ai Giardini di Mirò, da Ellen Allien a Gianna Nannini (no, sul serio, è nei credits di Grazie e ha remixato “Contaminata”: guardate qui come sono carini). In questa raccolta, mette insieme i suoi amici e artisti di riferimento: Thom Yorke, Four Tet, Burial, Joy Orbison e tante altre cose belle, se vi piace il genere. Abbiamo pure tre inediti, due di Apparat stesso e uno dei Telefon Tel Aviv, eccezionale duo di Chicago, ahinoi giunto al capolinea. Non vi dico di comprarlo a tutti costi, ma con questo fareste veramente un figurone.

Joe McElderry Ambitions Simco

Di Joe McElderry avevamo già parlato l’anno scorso, quando vinse la penultima edizione dell’X Factor britannico e mancò la vetta delle classifiche nella settimana natalizia a causa dei Rage Against The Machine. “Ambitions” è il suo secondo singolo e ha già fatto urlare a tutti “epperò sembra Mika!” perché se canti un po’ in falsetto e fai un video colorato, questa è la reazione che devi aspettarti. Il ragazzo è giovanissimo e ha la personalità e il carisma di una ciabatta. Più specificatamente,  mi ricorda quelle ciabattine che ti danno in omaggio quando fai un viaggio in aereo. La canzone è in realtà una cover degli sconosciuti norvegesi Donkeyboy e sarebbe anche decente, ma non ve la linko. Vi faccio vedere il video dell’originale perché è fenomenale:

Volevo fare una presentazione come si deve, con note biografiche e tutto, ma le informazioni che ho trovato sul suo conto sono scarsissime. Da un lato è meglio così, perché possiamo giudicare l’artista e non la persona. Quindi, passatemi la durlindana (cit.).

Gaetano Morbioli è dappertutto dal 2003. Scorrendo la sua videografia su Wikipedia, ci si accorge che ha collaborato con tutte le case discografiche e i più alti esponenti del Male Sonoro (oh, non ne manca uno: Tatangelo, D’Alessio, valanghe di Amici di Maria, Antonacci, ecc.). Almeno 22 video solo nel 2010, 33 nel 2009. In un punto imprecisato, ha fondato la Run Multimedia, società con base a Bussolengo che gira videoclip, ma anche spot e spettacoli. State forse pensando che si tratti di una factory creativa? Be’, vi sbagliate, perché Run Multimedia “non si prepone di essere solamente una factory creativa, ma un vero e proprio crocevia di artisti e talenti del settore [per] creare linguaggi audiovisivi rivoluzionari”. (Aggiungerei anche che il loro sito dovrebbe comparire come primo risultato in tutti i motori di ricerca per “suicidio indotto da gif animate” e “discesa agli inferi tre fotogrammi per volta”: guardàtelo.)

E ora siete pronti per i “linguaggi audiovisivi rivoluzionari”?

Nei video di Gaetano Morbioli nel 90% dei casi non succede nulla. Niente. Vuoto pneumatico su frame esanimi. Sono servizi fotografici in cui qualcuno con la cinepresa passava di lì. Poi passava di lì anche un editor che ama mandare tutto in dissolvenza.

I video di Morbioli sono gallerie di Flickr col rigor mortis; è digitare “candelabri” su Google Images scuotendo lo schermo. Si inquadrano i dettagli (gli strumenti, i gioielli, le scarpe, gli angoli dei divani, le candele, i pomi d’ottone, i manici di scopa) perché una volta che ha finito di mostrarci tutto il bazar, cosa resta? Gente pensosa che cammina, gente pensosa appoggiata ai muri, gente pensosa DENTRO i fottuti muri.

In compenso, la cinepresa non si ferma un attimo: sempre in movimento, fuoco fuorifuoco, apri tutto chiudi tutto, zoom su un orecchio, ora un ginocchio, no ci ripenso, mi piace più la mensola in ferro battuto che c’hai dietro. Non succede niente, ma sembra che succeda di tutto. E che succeda di sbieco.

Prima di dare tutta la colpa a Morbioli, riflettiamo su quali possano essere le ragioni di questa lobotomia estetica. Sarà la mancanza di mezzi? Forse, ma quando i clienti sono la Pausini o Tiziano Ferro (che, si suppone, abbiano più soldi da investire), la solfa non cambia. Ci sono solo più cambi scena e soprattutto più acqua: da sotto, da sopra, da tutti i lati – ah, le inondazioni ti svoltano sempre la giornata!

Allora il problema dov’è? Il problema non c’è. Morbioli ha trovato una formula che fa felici tutti. Il fan può ipnotizzarsi con tante, tantissime inquadrature diverse del suo beniamino senza dover far fronte a, chessò, avvenimenti che disturbino il playback; il cantante porta a casa la pagnotta con due cambi d’abito e due pose distratte; il canale musicale (quella cosa che guardi in palestra mentre fai spinning) è accontentato; e la casa discografica si trova un pacchettino di vuoto confezionato a dovere: nulla di nuovo, strano o sovversivo di cui preoccuparsi. Nulla di nulla, appunto.

Morbioli è al contempo responsabile e vittima della mancanza di idee. Non ne ha neanche lui, però te le filma da dio.

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Bonus: nella sterminata videografia morbiolana che mi sono sparato per intero, ho trovato cinque perle rare, cinque mosche albine. Quindi, se volete restare ancora un po’, dopo il salto troverete la mia Top 5 Rari Video Di Morbioli In Cui Succede Qualcosa (Ma Forse Era Meglio Non Succedesse).

Lola Ponce, “Fuori Di Me” (2009)

Lola viene lasciata a un angolo della strada da un cabrón che non vuole rivedere nunca más. Segue una farfalla in CGI nella foresta, perché “tu non puoi fermare Lòla / Come una farfalla vòla”. Trova una sfera sbrilluccicosa. È felice. Trova una cascata (“l’amore è una pioggia che va su”), la sfera esplode: al suo interno, altre farfalle in CGI. Intermezzi green screen coi triangoloni mobili alla “Seven Nation Army”.

Luca Dirisio, “Nell’Assenzio” (2010)

Luca Dirisio e un regazzino (fratello, amico, figlio? Di certo hanno in comune il gene dei BRUTTI OCCHIALI CON CAPPELLO E CAPPUCCIO) partono in viaggio su un furgoncino in Inghilterra. Caricano una tipa. La polizia li ferma, alla guida c’è il regazzino perché Dirisio è a limonare con la tipa nel retro. I tre vengono arrestati. TO BE CONTINUED.

Anna Tatangelo, “Ragazza di Periferia” (2005)

Uno sgabello assiste impotente agli alti e bassi di una coppia.

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Sergio Cammariere, “L’Amore Non Si Spiega” (2008)

Sergio suona il pianoforte in una stanza. Nel frattempo, cinque o sei ragazze di diverse etnie camminano e vanno ad altrettanti appuntamenti nello stesso luogo. Sembra che i rispettivi fidanzati non si materializzeranno. Poi invece arrivano. Cammariere trova una fede sulla tastiera. Delle note escono letteralmente dalla tastiera. Be’, che cazzo vuoi, l’amore non si spiega.

Due di Picche, “Faccia Come il Cuore” (2010)

La svolta politica di Morbioli. Una dura critica a Vallettopoli, con scene volutamente grottesche e gufi in CGI. Avete mai notato che un cuore al contrario sembra un culo? LOL, eh!

Tagged: Alessandra Amoroso, Anna Tatangelo, Due di Picche, Gaetano Morbioli, Laura Pausini, Luca Dirisio, Sergio Cammariere ]]> http://poptopoi.com/2010/09/25/gaetano-morbioli-la-minaccia/feed/ 15 poptopoi AmorosoMuro BiagioPalo TatangeloPeriferia TatangeloPeriferia2 http://poptopoi.com/2010/09/19/my-compact-diss-ottobre-parte-prima/ http://poptopoi.com/2010/09/19/my-compact-diss-ottobre-parte-prima/#comments Sun, 19 Sep 2010 15:44:14 +0000 Pop Topoi http://poptopoi.com/?p=1001 ]]> Ottobre sarà un mese bellissimo per i fan della musica brutta! Allacciate le cinture e preparate la sick bag.

Robbie Williams In and Out of Consciousness EMI

Robbie Williams è un’ottima popstar, bisogna ammetterlo. E se la stampa non fosse così impegnata a urlargli “sei drogato!” o “sei pazzo!” o “sei [inserire prefisso a caso]sessuale!” a seconda delle stagioni, forse sarebbe più facile accorgersi dei suoi meriti musicali. Chiariamoci, è quasi certo che Robbie sia un idiota – e forse anche un drogato pazzo [inserire prefisso a caso]sessuale – ma se dovessimo eliminare tutte le note di colore dal mondo della musica popolare, rimarremmo soli in una stanza buia con Biagio Antonacci.

In and Out of Consciousness è il (bellissimo) titolo del nuovo greatest hits del cantante. Non che se ne sentisse la necessità, dato che ne uscì uno nel 2004 e, a giudicare dalle posizioni raggiunte dallo stesso nelle classifiche internazionali, siamo rimasti in pochi a non averlo comprato. Però, qui si parla di vent’anni di carriera e di reunion coi Take That, quindi meglio incassare due quattrini adesso ché questo è drogato pazzo e [inserire prefisso a caso]sessuale e non si sa mai cosa tirerà fuori.

Nel doppio album ci sono due (mediocri) inediti firmati da Gary Barlow, tra cui “Shame”, che ha fatto parlare di sé perché nel video sembra che a un certo punto tireranno fuori i rispettivi pifferi per suonarsi un do di prima ottava. Il resto del repertorio è presentato in ordine anticronologico e si divide tra canzoni belle (su tutte, “No Regrets”, “Kids” e “Come Undone”) e canzoni che hanno frantumato la minchia (“Angels”, “Feel”, “She’s The One” – quest’ultima soprattutto se avete visto Come Dio Comanda). Comunque no, non credo valga la pena comprare un album pieno di classici da karaoke, volevo solo spendere due buone parole per Robbie perché rientra di diritto nella categoria non ti darò mai un soldo, ma se passano in radio un tuo pezzo, non cambio stazione.

Kings of Leon Come Around Sundown RCA

I Kings of Leon, ovvero la band più sopravvalutata del pianeta. Prima c’avevano i capelli lunghi, poi se li sono tagliati e gli è andato il sesso a fuoco (“aaah, siiiì, così, Grisù!”). Di questo nuovo album non volevo sapere né ascoltare niente, ma poi mi è capitato sott’occhio il primo singolo, “Radioactive”, che è come se avessero ripreso quel video degli Weezer sostituendo gli animali coccolosi con dei bambini poveri. Il risultato è una campagna umanitaria firmata dalla Replay. Basta, per carità di Dio.

Passiamo alle belle notizie: durante un concerto estivo dei Kings of Leon, dei provvidenziali piccioni hanno iniziato a cagare in bocca al bassista.

Shakira Sale El Sol Sony

A nemmeno un anno di distanza da Loba/She Wolf e dopo aver sparso letame sonoro sull’intera estate con “Waka Waka”, Shakira pubblica un nuovo album e lo fa tutto in spagnolo. YAWN. Il primo singolo si chiama “Loca”, quello dell’anno scorso si chiamava “Loba”, se siamo fortunati, l’anno prossimo fa una canzone sulla fotografia vintage e la chiama “Loma”. (Chiedo perdono.)

Che poi, “Loba”/“She Wolf” era un singolo molto coraggioso e francamente strano che dopo un centinaio di ascolti finiva anche per convincere (soprattutto dopo averlo gustato nella versione degli Hot Chip). Invece, “Loca” è irrimediabilmente brutta e gli inserti rappati di Dizzee Rascal riescono perfino a peggiorare la situazione.

Shakira, nel tuo caso, un annetto sabbatico in cui mettere a riposo l’ugola e il bacino avrebbe fatto bene.

Tinie Tempah Disc-overy EMI

Sei nero? Sei tamarro? C’hai un pezzo di autotune incastrato in gola? Questo è il tuo anno, eccoti un contratto: ora raccontaci in musica che ti piace fare casino nei club e che hai una passione per le cubiste dai culi ben torniti. Tinie Tempah è un Dizzee Rascal for dummies che strizza l’occhio al filone rap+eurodance. A chi vogliamo dare la colpa? A will.i.am? A Usher? Al declino dell’impero culturale occidentale? E vogliamo parlare del titolo dell’album, scopiazzato ai Daft Punk con qualche secolo di ritardo e l’aggiunta di un trattino? Fastidio e ribrezzo.

Mambassa Lonelyplanet EMI

Non sono affatto convinto che sia un album da comprare, ma dato che questo mese sono stato poco generoso, concediamoci il beneficio del dubbio investendo su un album italiano. Dopo cinque anni di assenza, i Mambassa sono tornati con un singolo ad aprile e, volendo fidarsi degli scrobbling di last.fm, sono in pochi ad essersene accorti. Il brano si chiamava “Casting” e, pur non distaccandosi troppo dai lavori del passato, forse mancava dell’incisività di vecchi singoli come “Il Cronista” e “Canzone d’Odio” (quella “portata al successo” da Syria LOL NOT). “Casting” era anche accompagnato dal primo video brutto della storia dei Mambassa, ma presumo sia quello che succede quando si passa  da Lorenzo Vignolo (sempre sia lodato) a Lucio Pellegrini e si concede un cameo a Martina Stella.

Lonelyplanet esce il 5 ottobre, anticipato dal nuovo singolo “Nostalgia del Futuro”. Sarà sempre la stessa roba, ma a me piace e in nome della nostalgia me lo compro.

Tagged: Gary Barlow, Kings of Leon, Mambassa, Robbie Williams, Shakira, Take That, Tinie Tempah ]]> http://poptopoi.com/2010/09/19/my-compact-diss-ottobre-parte-prima/feed/ 2 poptopoi Tricky salame Tricky salame Tricky salame Tricky salame Tricky salame http://poptopoi.com/2010/09/05/quando-la-persona-e-io-loffesa-e-non-partecipare-al-meme/ http://poptopoi.com/2010/09/05/quando-la-persona-e-io-loffesa-e-non-partecipare-al-meme/#comments Sun, 05 Sep 2010 02:39:23 +0000 Pop Topoi http://poptopoi.com/?p=925 ]]> Questa settimana la musica ha ricominciato a battere sul Due e noi, puntuali, abbiamo risposto battendo la scopa sul soffitto per farla smettere come si fa coi rumorosi inquilini del piano di sopra. Tra le tante “giovani” promesse presentatesi ai casting, c’era anche Martina Cambi (in arte MARTIN J. CAMBI), una nanninissima signorina. Di quelle che hanno “la grinta” e raschiano come se avessero la trachea coperta di squame di armadillo. Il provino va male e Martin si gioca la carta “produttrice che crede in me”. Tutto come da copione, se non fosse che la produttrice è Milly D’Abbraccio. L’ex pornodiva, che per colore e forma pare ormai una bottiglia di Fanta, entra in scena per difendere la sua cantante e si gioca la carta “Tatangelo non capisci un cazzo e sei raccomandata”.  La Tatangelo prontamente sottolinea di aver vinto Sanremo quando non era nemmeno barely legal e tu la famiglia non la devi toccare; e Milly risponde che, tesoro, sotto la scrivania di Schicchi ci sono i calchi di queste ginocchia. Avrebbero potuto continuare per ore se la Tatangelo non avesse liquidato la D’Abbraccio dicendo: “Quando la persona è niente, l’offesa è zero”.

Wow. Anche se l’espressione non l’ha coniata lei, signori miei, qui si fa la storia della TV litigarella.

È inutile girarci attorno, questo non è solo un grande momento di X Factor: è un meme che aspetta e merita gloria. Così, ho lanciato la proposta su Friendfeed.

Poi ne ho fatto uno con Hurley:

E uno che piacerà ai nostalgici dei Bluvertigo:

Poi sono andato al ristorante cinese. Al mio ritorno, il buon Tob Waylan ne aveva fatto uno bellissimo:

E basta?
Non ci siamo capiti.
No, dico, quale parte di “facciamo partire un meme” non ti è chiara? Apri quel programma là, mandami il risultato e vediamo di farla finire come deve finire, OK?

UPDATE: Pop Topoi chiama e l’internets risponde. Che dire, ne avete fatto una VALANGA e li ho raccolti tutti nello slideshow qui sotto. Siete i figli che avrei sempre voluto.

Clicca per vedere la presentazione.

Credits: lock_groove (Penn, Einstein, Cannavaro, Holmes); kekkoz (Roger Moore); SuniBu (Beverly Hills); BRUmeansBRU (Renato Zero); Dabliu Stonehead (Renato Zero 2, Leibniz); apn (Sky Ferreira); Vincenzo (Carrà, Ferro); Alina (Giacobbo); Superfluox (355, 666, Iva Zanicchi); Nino_dangerous (McCartney/Jackson); theAlexSimms (Krueger, Brenda); Tob Waylan (Pitagora); panapp (Xena, t.A.T.u., Ranma, Madonna, Lennon, Il Genio); RozenLylac (Ritorno al Futuro); Giopota (iamamiwhoami, Dancer in the Dark); Sciain (Fibonacci); Chris (Facchinetti) e menzione d’onore a Maxxeo, che se ci fosse un premio in palio, l’avrebbe vinto sicuramente coi suoi Autostoppisti e soprattutto Airys.

Fatemi sapere se ho dimenticato qualcuno e continuate a mandarmi le vostre gustose interpretazioni. E no, non lo apro un Tumblr apposta, ma se qualcuno vorrà farlo, ha già la mia benedizione.

Tricky Mixed Race Domino

Il percorso di Tricky è inscindibile dalle voci femminili che l’hanno accompagnato. Dopo essere stato abbandonato (anche in termini sentimentali) da Martina Topley-Bird, le ha provate tutte (Alanis Morissette, PJ Harvey, perfino Cyndi Lauper) per poi trovare un po’ di stabilità nelle italiane: la bravissima Costanza Francavilla in Vulnerable e Veronika Coassolo (di subsonica memoria) in  Knowle West Boy. Per il suo nono album, Tricky ha scelto Franky Riley, italo-irlandese che interpreta in maniera piuttosto anonima il primo singolo “Murder Weapon”. Trattasi della cover di un classico della dancehall jamaicana, ma alle mie orecchie sembra più la storica sigla di Batman. Il video pare una scena tratta da un qualsiasi filmetto “oi mate whassyo fuckin’ problem” dell’era post-Guy Ritchie ed è una noia mortale. L’ascolto dell’album ci farà ricredere? No, mi han fatto passare la voglia di ascoltarlo. E Tricky, per una volta, mettiti una maglietta.

Milva Non Conosco Nessun Patrizio Universal

Il grande ritorno di Milva, la Pantera di Goro! Non era bello quando le cantanti italiane famose portavano nomi di felini come i sistemi operativi del Mac? Dovremmo rivisitare questa tradizione con le cantanti dei nostri giorni. Che ne dite della Donnola di Catania, la Fagiana di Solarolo e il Bulldog di Siena?
Scusate se tergiverso, è che di quest’album e la sua interprete, per quanto ne riconosca i meriti, ne so veramente poco. Vediamo se l’internet ci aiuta. Ah, è una raccolta di cover e inediti prodotta insieme a Franco Battiato. Be’, non vedo l’ora di ascoltare l’accoppiamento sonoro di una settantunenne sbroccata e un settantenne con settant’anni di crisi mistica alle spalle. Grazie a un’intervista di Gino Castaldo, scopriamo com’è nata la collaborazione:

L’idea è stata mia, dopo tanti anni di conoscenza. Ho chiamato Franco e lui ha risposto: “perché no, Milfa”, lui mi chiama così, Milfa, ricordando un po’ la Germania.

MILFa? Altro che Pantera di Goro, qui siamo in pieno territorio cougar. Poi Frengo (L’Amadriade di Catania) si spreca coi complimenti:

Mi ha detto: “canti addirittura meglio di come canto io le mie canzoni”

E senza bisogno di mescalina, aggiungerei. Ma la vera perla è l’origine del titolo dell’album:

È una risposta a una domanda che mi fanno, e io rispondo così: “non conosco nessun Patrizio”.

Sì, ma è la risposta a QUALE domanda? Come dici? Ah, non conosci nessun Patrizio. Come sarebbe a dire che non conosci ness…CI SONO CASCATO!

Interpol Interpol Matador

Ora potete anche finire di leggere perché dopo MILFa è tutto in discesa, almeno in termini di lulz. Del resto, chi potrebbe mai ridere parlando degli Interpol? Quello che so di quest’album è che contiene l’insipida “Lights” (accompagnata, però, da un video molto bello – uno dei tanti sintomi della ladygaghizzazione globale dell’estetica) e che il leak ha deluso quasi tutti coloro che l’hanno ascoltato. Io non mi sono ancora preso la briga di scaricarlo, ma secondo me sarà molto simile al precedente. E a quello prima e a quello ancora prima. Il suono degli Interpol non era esattamente “fresco” ai loro esordi, figuriamoci al quarto album. La minestra è stata riscaldata così tante volte da avere iniziato a soffrire di sindrome di Stoccolma per il microonde.

Linkin Park A Thousand Suns Warner

Elenco di gruppi rock che una volta erano molto meglio dei Linkin Park e ora sono molto peggio dei Linkin Park: Placebo, Muse, Skunk Anansie, qualsiasi rappresentazione di Billy Corgan. Questo non mi porterà certo a comprare A Thousand Suns, ma bisogna ammettere che, nei limiti del suo genere, il gruppo californiano ha fatto il suo porco dovere. In molti li disprezzarono per il solito paradosso della commerciabilità alternativa: la verità è che sono molto più bravi di tante altre band “propriamente” alternative. I rest my case. (L’album si becca il bollino col salame, ma se lo scaricate di nascosto non lo dico a nessuno.)

Mark Ronson & The Business Intl. Record Collection Columbia

Mark Ronson ha avuto un’idea piuttosto semplice: prendere canzoni pop contemporanee, arrangiarle come se fossero vecchie di cinquant’anni e farle cantare da bravi interpreti. Non sarà stata una genialata, ma ha funzionato, tant’è vero che “Valerie” ora appartiene più a Amy Winehouse che agli Zutons. Al terzo album, però, Mark Ronson si cimenta con gli inediti, senza paura di chiedere aiuto a destra e a manca per renderli più interessanti. Del resto, è un produttore e sono le collaborazioni a definire il suo lavoro. C’è chiunque: D’Angelo, Simon LeBon, Q-Tip, Boy George, Jake Shears. Se tutto va come deve andare, “il nous plumera la tête”.

Sky Ferreira One Parlophone

In realtà, il primo singolo di Sky Ferreira esce a fine agosto, ma bisogna parlare di lei prima che lo facciano tutti. La jailbait in questione ha diciotto anni e lavora al suo album di debutto da quattro. Anziché passare le giornate da teenager davanti allo specchio, combattendo l’acne e gridando “SONO BRUTTA”, Sky si è messa a girare per club cercando di convincere DJ famosi a produrre i suoi pezzi. Stalkare Bloodshy & Avant (ovvero i signori dietro “Toxic”, ovvero i Miike Snow) ha dato i suoi frutti e nel 2011 uscirà il suo primo album. Tuttavia, non si può dire che ci troviamo di fronte a una povera wannabe disagiata col sogno nel cassetto, dato che è cresciuta con Michael Jackson (AWKWARD) perché sua nonna lavorava per lui. Mia nonna invece una volta ha visto Lino Banfi in un ristorante.
Il primo singolo ufficiale della Ferreira si chiama “One” ed è un robotico electropop decisamente sperimentale per gli standard. Non è un capolavoro, ma è un buon inizio. È una canzone che odierete, poi amerete, e poi odierete nuovamente perché sarà ovunque. Di lei potete anche ascoltare “17″ (bruttina), “Obsession” (mediocre) e una cover di “Animal” dei Miike Snow (già meglio).
È troppo giovane perché io non possa dubitare che si tratti di un burattino plasmato a dovere per attirare pubblico indie e mainstream in egual misura, ma potrebbe stupirci positivamente.

Ed ora, vado in vacanza.

Antony & The Johnsons Thank You For Your Love Rough Trade

Esistono pochissimi cantautori e interpreti del calibro di Antony e di conseguenza ogni sua nuova creazione suscita enormi aspettative. Questa volta le delusioni sono direttamente proporzionali perché “Thank You For Your Love” è forse il pezzo meno interessante e ispirato della sua discografia in termini di testo, arrangiamento e interpretazione. Se questo EP è il preludio al nuovo album (in arrivo a fine ottobre) non c’è da stare allegri. Come se non bastasse, una delle cinque tracce è una cover di “Imagine”. (Dlin dlon, comunicazione di servizio: chiunque possegga uno strumento, una voce o l’abilità di emettere suoni con le ascelle è pregato di non toccare “Imagine” o “Hallelujah” perché hanno ufficialmente rotto il cazzo in tutte le loro declinazioni.) Non la voglio neanche ascoltare perché Antony la sua “Imagine” l’ha già scritta.
Insomma, Antò, che ti è successo? Voglio sperare che siano solo gli strascichi della tua stivale anomaly. Swanlights sarà bellissimo. Per forza.

Robyn Body Talk Pt. 2 Konichiwa Records

Questo non è un pregiudizio, è il parere di uno che ha ascoltato questo album quotidianamente dall’uscita del leak. E che per Robyn va in brodo di giuggiole. Stiamo calmi, Body Talk Pt. 2 è un po’ più debole del suo predecessore (e ‘sti gran cazzi, mi direte, dato che era perfetto) ma siamo comunque a livelli altissimi. La formula vincente è la stessa: prima si balla, poi si piange, poi si balla piangendo. C’è anche un’ospitata di Snoop Dogg che, dopo aver bazzicato con Katy Perry, cerca di riguadagnare la sua aurea di badassitudine nella traccia 7. Tuttavia, le strofe da tatuare spettano sempre a Robyn: “We need a black pope and she better be a woman / There’ll be no more celibacy / Even the Vatican knows not to fuck with me”. WHOA. L’album si chiude con “Indestructible” in versione acustica, della quale non sono nemmeno degno di parlare: giudicate voi.

Röyksopp Senior Dog Triumph

Anche qui sto barando perché non ho resistito ad ascoltare Senior prima dell’uscita ufficiale. Maledetti scandinavi, mi riempite la libreria di umlaut e mi soggiogate coi vostri suoni spaziali. Senior è la continuazione strumentale del bellissimo Junior e, come si legge nel comunicato stampa, è la sua “controparte introversa e talvolta elegante, traboccante di segreti oscuri e ricordi distorti”. Wow, esattamente il sottofondo di cui avevamo bisogno per sorseggiare cocktail all’inaugurazione di una mostra d’architettura concettuale! Se però non sorseggiate cocktail all’inaugurazione di una mostra d’architettura concettuale e, come me, volete qualcosa per fischiettare battendo le mani sul volante, Senior non è la scelta ideale. Con questo non voglio dire che sia un disco brutto o inutile, ma che i Röyksopp raggiungono l’apice se aiutati da voci femminili e non hanno paura di tirare fuori pezzoni pop della madonna.
Ah, quella là sopra non è il risultato di cinque minuti di scazzo con Paint: è la copertina ufficiale.

Skunk Anansie Wonderlustre V2 Benelux

File under: reunion di cui non sentivamo la necessità. La mia passione adolescenziale per gli Skunk Anansie era sconfinata e non nego che mi portò perfino a indossare cose del genere. Ma ora sono passati dieci anni, il rock alternativo è morto e sepolto e preferivo tenere intatto il ricordo di tre bellissimi album e di Fabio Fazio e Laetitia Casta che presentano “Charlie Big PATATÒ” prima che l’intero Ariston venga ridotto in macerie dalle urla di Skin. In Wonderlustre, gli Skunk Anansie riprendono il lavoro interrotto una decade fa e che la cantante ha continuato a fare senza mai raggiungerne i fasti e perdendo man mano la sua leggendaria potenza vocale. Tutto suonerà esattamente come deve suonare – solo un po’ peggio. Ci saranno le ballatone sul tradimento e i pezzi incazzati che questa volta non spaventano nessuno, come il primo singolo. Qualcosa, però, è cambiato: nel video di “My Ugly Boy” c’è Skin che slingua un uomo. Gross.

Hurts Happiness Sony

Gli Hurts, come ho già detto nella puntata precedente, sono la seconda cosa migliore successa al pop britannico nel 2010. La Sony ha investito una valanga di soldi e energie in questo duo di Manchester, ma è improbabile che gli sforzi vengano ripagati (traduzione: godiamoceli prima che li licenzino). È da più di un anno che ci tocca ascoltare demo, bootleg e remix sapientemente centellinati, quindi è anche un po’ ora che facciano uscire l’album. Happiness non sarà affatto allegro. Lo descriverei come i Depeche Mode che cantano power ballad scritte da Ryan Tedder, ma poi mi prendereste per scemo. Facciamo parlare i fatti: la traccia 9 è un duetto con Kylie Minogue e qui si spera sia la “Where The Wild Roses Grow” del 2010. Serve altro?

Weezer Hurley Epitaph

Ma che davvero c’è Hugo in copertina? Se l’avessero fatto un paio d’anni fa, sarei andato da(gl)i Weezer stringendo mani e distribuendo pacche sulle spalle con sincera stima, ma ora? Seriously? Non fate ridere nessuno, è solo un dito ciccione nella piaga ancora aperta. Vabbè, parliamo della musica? No, (gl)i Weezer non mi piacciono più.

Brandon Flowers Flamingo Island

Voi riuscite a pensare a un titolo più gay di Flamingo? Io no. Dopo averlo annunciato, Brandon Flowers organizzò una campagnuccia virale per svelare la copertina dell’album: tu schiacciavi “like” su Facebook e pian piano te ne facevano vedere un po’. Se vi aspettavate il cantante dei Killers con la solita giacca ma con piume di fenicottero anziché di fagiano, vi è andata male: c’è Brandon in una stanza d’albergo a Las Vegas (Flamingo Road è una strada in cui bazzicava da giovane) a contemplare il nulla e una scrivania. Vabbè, parliamo della musica? Il primo singolo, “Crossfire”, è innocuo e si lascia ascoltare, ma le produzioni di Stuart Price potrebbero riservare sorprese. Gli concederemo almeno un ascolto distratto in streaming.

Un appunto: mi piacerebbe anche parlare della Buona Musica Italiana©, ma mi risulta che a settembre escano solo Controcultura di Fabri Fibra e Non Conosco Nessun Patrizio di Milva. (Oh, Cristo.) Quindi, se qualcuno ha segnalazioni da fare o sa indicarmi un feed affidabile a cui abbonarmi per sapere quali nuove musicassette vengano pubblicate dalla scoppiettante industria discografica nostrana, parli ora o taccia per sempre.

Pensavate che fosse tutto finito. E invece.

La fabbrica di Lost ci ha regalato dodici minuti di materiale inedito per la sezione extra dei DVD dell’ultima stagione. Manco a dirlo, il mini-episodio è finito nelle grosse mani sudaticce dell’internet con notevole anticipo sull’uscita dei cofanetti – e non è detto che sia un caso. Ora, se nell’ultimo anno avete imparato qualcosa da questo blog, è che dovete fidarvi di me. E sulle basi di questa fiducia sicuramente non reciproca, vi suggerisco di non guardare mai e poi mai quei dodici minuti. Soprattutto se siete di quelli che hanno versato copiose lacrime sul finire della serie e che – inspiegabilmente – ne hanno ancora un bel ricordo. Mi rendo conto che sia controproducente dirvi di non guardare il video che è l’argomento di questo post, ma se avete ancora un po’ di sale in zucca, SCIÒ, FATE LARGO, NON C’È NULLA DA VEDERE. Ci vediamo la prossima volta che pubblico qualcosa.

Se invece state pensando “DON’T TELL ME WHAT I CAN’T DO”, il video è qui.

E voi siete dei CITRULLI perché siete andati a vederlo. Oppure l’avevate già visto qualche giorno fa. Siete dei CITRULLI lo stesso. Il danno è fatto: il vostro romantico epilogo di Lost è stato coperto da escrementi di orso polare, quindi sedetevi con me a mangiare l’ultima, nauseabonda barretta snack della Dharma.

Siamo nel deposito di provenienza degli alimenti Dharma. È come un LIDL, ma con etichette più minimal. Per gli unici due impiegati del centro è il solito tran tran: conta i barattoli, prepara gli scatoloni e aspetta il fax con le  coordinate – che se fossero dei peni disegnati in ASCII non cambierebbe nulla. Ma ecco che arriva Ben Linus per “chiudere alcune cose lasciate in sospeso”: vuole cessare le attività e licenziare gli operai. “Ma noi vogliamo risposte!” (A chi lo dici.) Il magnanimo Linus concede loro il lusso di una domanda a testa. Mi raccomando, sceglietela bene, così la vostra comparsata non sarà stata del tutto inutile e andrò a mettere un cuoricino sui vostri profili di IMDb. Via con la prima: “Dove vanno a finire i prodotti?” FFFFFUUUUUU. Manteniamo la calma, Operaio 2 avrà una domanda migliore. “Perché, se l’isola è nei tropici, spediamo cibo per orsi polari?” Oh Gesù.

Ben tira fuori un gigantesco raccoglitore per DVD, sempre a portata di mano per improvvisare i suoi VJ set dell’assurdo. Ci propone un orientation video sull’Hydra. Sempre peggio.

Ben precisa: “Scusate la qualità del DVD, era una vecchia Betamax. E avevamo speso tutto il budget in esplosioni”. Ed ecco apparire il caro Dottor Chang, che ci spiega lo scopo della stazione Hydra: ricerche su animali, umani e ostili. Di che esperimenti si tratta? Be’, non so voi, ma io ho pregato di sentire le seguenti due parole: Millepiedi. Umano. E invece no – uffa! – fanno incroci di animali. Trattasi di “hybrids or hy-birds, as we call them”. (LOL?) (NO.)

Ecco, magari Titti starebbe più buono, se non l’aveste incrociato con una nutria.

Si procede con uno spiegone sugli orsi, che non sono tuoi amici e non ti ci devi affezionare. Volendo, puoi rischiare di morire entrando nella loro gabbia per premiarli con biscotti a forma di pesce, ma solo se sei un hippie lurido e francamente inadatto alla vita.

il dottor Chang conclude quindi il suo tour nella stanza 23, dedicata al trattamento Arancia Meccanica per i manichini dell’Oviesse gli ostili. Forse non tutti sanno che proprio in questa stanza, verso la fine degli anni ’70, nacque la drum and bass – con ben vent’anni d’anticipo rispetto alle credenze popolari. Ora che questo grande mistero è svelato e la mia sete di conoscenza è appagata, possiamo proseguire con il cambio scena.

Manicomio, interno notte, forza quattro. La partita in solitaria di WAAAALT viene interrotta da Ben, che rivuole il regazzino sull’isola. WAAAALT ha un po’ paura di essere rapito come quell’altra volta, ma si lascia convincere quando Ben gli dà una barretta della Dharma e sfodera la sua inconfondibile pedoface.

Ad attenderli fuori dall’edificio c’è Hurley dentro il solito Volkswagen azzurro (se lo sono portati dietro sul sottomarino?). Non c’è alcuna giustificazione per la colonna sonora tesissima, ma la Zimmerata era l’unica tecnica per non appiattire ulteriormente l’elettrocardiogramma dello spettatore. I tre se ne vanno, titoli di coda, e questa volta speriamo sia per sempre.

L’insulto finale, la pernacchia estrema, lo sberleffo supremo.

Lost, esci dalla mia vita.

La rubrica si chiama My Compact Diss. Quando mi è venuto in mente il giochino di parole, ho pensato: “ammazza ‘sto titolo, che bomba, fammi googl… Nooo! C’è già uno stronzo che ha chiamato così il suo blog!” Poi ho visto che non lo aggiorna da più di sei mesi e che ha ancora meno lettori del sottoscritto e quindi a un certo punto chi se ne frega. Ci ho aggiunto “my” davanti e, se mi denunziano, c’ho sempre quelle 48 ore, no?

Cominciamo.

Katy Perry Teenage Dream Capitol

Si sa ancora molto poco della seconda fatica inutile di Katy Perry. L’album esce a fine mese e per ora gli unici indizi sono la titillante copertina dipinta dall’artista Will Cotton, l’insignificante title-track e la fastidiosa “California Gurls” feat. uno Snoop Dogg ai limiti del ridicolo. Voglio dire, una volta non lo potevi neanche nominare senza beccarti un proiettile in testa e ora fa i video con ambientazione à la Hansel e Gretel e cucina il purè da Martha Stewart. Bro, you’ve changed.
Cosa stavo dicendo? Ah sì, Katy Perry fa schifo. Magari la curiosità mi porterà ad ascoltare le tracce prodotte da Rivers Cuomo e il sempre bravo Guy Sigsworth, ma i profondi dubbi sull’interprete restano inalterati. Inoltre, non ho alcuna intenzione di arricchire una  che, criticando Lady Gaga, sostiene che “usare la blasfemia per fare intrattenimento è di cattivo gusto quanto un comico che fa battute sulle scoregge” – e poi, per coerenza, si fidanza con un comico che fa battute sulle scoregge.

Phil Selway Familial Bella Union

Ricordate che bisogna ascoltare qualsiasi scoreggia incisa dai Radiohead? (Scusate, le flatulenze sono chiaramente il fil rouge di questo post.) Be’, vale anche per i progetti paralleli dei Radiohead. Philip Selway non se l’è mai filato nessuno, per sua stessa ammissione, ma ora ha fatto un album tutto suo che lascia ben sperare. Come si intuisce dalla copertina e dal titolo, si parla (anche) di famiglie disfuzionali. (“Tesoro, bambini, guardate: ho fatto un disco su di noi!” “Oh, babbo, che bello! Ma perché in faccia ho MUSCHI, LICHENI E PEZZI DI SELVAGGINA?” “Perché io ti vedo così, figlia mia.”)
Se questo non fosse sufficiente a convincervi, dovete sapere che da qualche parte c’è anche la voce di Lisa Germano e che, in questa occasione, Phil ha affidato gran parte delle percussioni a Glenn Kotche de(gl)i Wilco. Gioite, amici del dromedario.
Ah, ho dimenticato che questo album mi dà l’opportunità di sganciare la bomba del recensore serio: ATMOSFERE AUTUNNALI.

Wavves King of the Beach Fat Possum

“A fantastic record, and you can’t say Williams didn’t earn it this time.”
- Pitchfork

“Sucks. Big time.”
- Pop Topoi

Ecco, sento di aver perso minimo dieci lettori in un colpo solo. Che ci devo fare. Io ‘sta roba non la ascoltavo quando avevo tredici anni, figuriamoci ora che ne ho quasi il doppio e parlo come uno che ne ha il quadruplo. Andate a mangiare la droga con Williams e i giornalisti di Pitchfork, io mi rifiuto. “So bored“, indeed.

Klaxons Surfing The Void Polydor

Tiè Wavves, impara dai Klaxons come si fa una copertina coi micioni. Surfing The Void pare abbia avuto una gestazione piuttosto lunga e complicata perché i primi tentativi erano troppo sperimentali e psichedelici secondo la Polydor. Il gruppo è stato poi rispedito a lavorare con Ross Robinson, che è il produttore di una caterva di album dei Korn. Brr. La sensazione è che, nel caso dei Klaxons, il Mercury Prize abbia fatto più danni che favori, creando troppe aspettative attorno a un gruppo con un paio di singoloni incredibili (soprattutto quello in cui s’improvvisavano guerriere Sailor) e poco di rivoluzionario. Se a questo si aggiungono le pressioni di una label in ansia per avere canzoni programmabili nella A-list di BBC Radio One, il disastro è compiuto.
Ho scritto 127 parole senza menzionare nemmeno una volta “new rave”, visto che bravo?

Usher Versus La Face/Jive

Negli ultimi anni, Usher ha portato al successo Justin Bieber, ha chiamato una canzone “OMG”,  è diventato amico di Tom Cruise, ha continuato a ballare come se non ci fosse un domani, e nonostante tutto ciò può ancora fregiarsi del titolo di eterosessuale.
Versus è la continuazione di Raymond v. Raymond sotto forma di EP ed è tutto come da copione: ospitate di Jay-Z, Ciara, Pitbull e Bieber; produzioni di Polow Da Don (l’uomo il cui nome è l’onomatopea di qualcuno che cade dalle scale, ricordiamolo); quintalate di autotune e tamarrate anni ’90; baby-making songs e abort-inducing songs. Ma anche basta così.
E pensare, caro Usher, che con quel nome d’arte saresti stato ottimo come uomo che usciva la gente.

Hurts Wonderful Life Sony

Chiuderei con un singolo che, se vivessimo in un mondo normale, sarebbe il pezzone dell’estate. Gli Hurts sono la seconda cosa migliore successa al pop britannico nell’ultimo anno e, nonostante si dica in giro che abbiano firmato un contratto con qualche zero di troppo, per ora faticano a sfondare. È la seconda volta che pubblicano “Wonderful Life”, quindi abbiamo il video a budget zero del 2009 e il video girato a Ibiza l’altro ieri. Entrambi eccellenti. Non so voi, ma a casa mia smoking, ballerine vestite a lutto sott’acqua e architettura ipermoderna sono sinonimo di WIN.
Vi vedo perplessi. Facciamo così: questo ve lo scaricate su The Hype Machine, però quando a settembre esce l’album, accattatevillo.

Arcade Fire The Suburbs Merge

Be’, ci sarebbe anche quest’album qui ma, a giudicare dal mio feed di Twitter, l’avete già ascoltato TUTTI prendendo una decisione pressoché unanime.

Sono ospite di Rimozione da Tiffany, dove mi fingo esperto rispondendo alle domande di Violetta Bellocchio. Si parla del fenomeno M.I.A., ma anche di patatine fritte e lotta armata:

Rimozione da Tiffany >> M.I.A.: è matta?

I più attenti avranno anche notato che mi sono divertito a stilare il decalogo della Canzone Pop Perfetta su Inkiostro. Era tutta una scusa per scrivere una lettera d’amore  a Robyn, ça va sans dire. Mi fa molto piacere che si sia già acceso il dibattito nei commenti, ma vi avverto: i miei comandamenti non sono negoziabili. La religione cattolica vi ha abituato veramente male, eh.

Inkiostro >> La Canzone Pop Perfetta

Justin Bieber è la giovane promessa della musica brutta e tu hai svariate ragioni per odiarlo:

- Ha sedici anni ed è sotto contratto da quando ne ha tredici. Fu notato per aver messo su YouTube alcuni video e pare ci sia anche stata una guerra tra Usher e Justin Timberlake per chi dovesse accaparrarselo. Usher vinse e infatti la sua musica fa schifo. Sua madre voleva per lui “una label cristiana” e invece  è stato scoperto da un talent scout ebreo (Scooter Braun) e il suo pigmalione Usher pare si sia convertito a Scientology. DOV’È IL TUO DIO ORA?

- Mettiamo subito le cose in chiaro: Justin Bieber non è un bambino prodigio. È una scimmietta ammaestrata a colpi di fon e autotune alla quale la Universal ha bloccato la crescita. Ciò nonostante, negli ultimi due anni ha accumulato più soldi, fama e fica di quanto tu possa anche solo immaginare nel corso della tua inutile vita.

- Ogni tanto incontro gente che che ancora non sa chi sia, e a me questa cosa stupisce perché il mio internet è pieno di Justin Bieber. È costantemente un trending topic su Twitter e negli ultimi tempi ho visto più Biebers che LOLcats. Tant’è vero che c’è persino chi ha inventato Shaved Bieber, un’estensione per Firefox che elimina automaticamente il suo nome e la sua immagine dal tuo browser con pratiche pecette.

- Viene regolarmente scambiato per una femmina adulta (questa non è una buona ragione per odiarlo, diciamo che è più un consiglio per il suo parrucchiere). La settimana scorsa, una squadra di polizia del Maryland ha notato Bieber in un bar a bere alcolici e si è scatenato il panico. Peccato che si trattasse di una certa Katie, che ha 27 anni e una vagina. Cosa abbiamo imparato da questa storia? Che i poliziotti del Maryland dovrebbero leggere Lesbians Who Look Like Justin Bieber.

- Non è mai troppo presto per iniziare a degradare le donne nei propri testi e Justin lo sa bene. Nell’apocalittica collaborazione con Sean Kingston (la giovane promessa oversize della musica più brutta) il duo rivisita la filastrocca “Eeny meeny miney moe” – ovvero l’ambarabà-ciccì-coccò anglofono:

Eenie meenie miney mo
Catch a bad chick by her toe
If she holla let her go

Ma non temete POLLASTRE, nonostante le rivisitazioni gangsta delle conte per bambini, The Biebs ha affermato di volere una ragazza acqua e sapone e col cervello. E dice le preghierine prima di andare a nanna:

Aridatece Jordy.

Nel caso viviate in una caverna lontanissima da qualsiasi centro abitato del pianeta, vi comunico che sono iniziati i Mondiali di calcio. E io, in questo mese, vorrei vivere in una caverna lontanissima da qualsiasi centro abitato del pianeta. Purtroppo non mi è concesso darmi all’eremitismo – quantomeno mediatico – e succede ch’io mi trovi la timeline di Twitter intasata dalle hashtag con le bandierine e un sacco di panzoni sovraeccitati in televisione che esaminano con maniacale attenzione ogni secondo di gioco. Non solo. Da dieci anni a questa parte, la FIFA si è accorta che il calcio può andare a braccetto con la musica popolare e regalarci una pletora di sgradevoli inni per incitare i tifosi. La tradizione sembra trovare le sue origini proprio con Italia ’90 e la (sfortunamente) indimenticabile “Un’Estate Italiana” dell’inconsueto trio Bennato/Nannini/Moroder. Fu la canzone più venduta in Italia durante l’anno dei Mondiali e qualcuno probabilmente fiutò l’affarone dell’inno ufficiale (ovviamente le canzoni calcistiche già abbondavano, ma non c’avevano il bollino FIFA).

E fu subito pop topos. Ma se con Italia ’90 e USA ’94  le canzoni ufficiali potevano vantare una connessione col paese ospitante e la sua tradizione musicale (gli americani c’avevano un gospelone che levati), da Francia ’98 in poi, è stato imposto un regime di insensatezza e locura che ha di fatto plasmato il pop topos coi seguenti requisiti:

• La canzone dev’essere brutta;
• La canzone dev’essere cantata da un artista internazionale non originario né residente nel paese ospitante (ad esempio, un portoricano che canta in spanglish per il mondiale francese);
• La canzone deve parlare di calcio, facendolo però leva su sentimenti universali (la vittoria, l’euforia, la passione, il fuorigioco).

Se volete puntare il dito contro qualcuno, anche questa volta dovrete andare a bussare alla Sony, partner musicale (e non solo) dei Mondiali proprio dal ’98. (Avete notato che parlo sempre male della Sony? Per bilanciare, ora scriverò EMI cacca, Universal pupù, Warner puzzette.) Ed ecco spuntare, in ordine cronologico, Ricky Martin, Anastacia, Il Divo e ora Shakira.

Non oso immaginare le tavole rotonde nel transilvanico castello della Sony, che deve mettere insieme di fretta e furia una canzone ufficiale cercando di bilanciare interessi economici e tradizione. Quindi quest’anno, Shakira viene affiancata da un gruppo autoctono (i Freshlyground) e un po’ di ballerine colorate per creare l’immortale effetto Benetton, e le si fa cantare un pezzo con sillabe facilmente riproducibili dall’hooligan neanderthaliano (che comunque preferirà  ridurre ai minimi termini “Seven Nation Army” o soffiare in una stracazzo di vuvuzela).

Persino Marinella Venegoni della Stampa si è accorta delle contraddizioni di “Waka Waka” e per una volta ha scritto qualcosa di sensato sull’argomento in uno dei suoi “post” in corsivo grassetto rosso. Curiosamente, ha anche suscitato una modesta flame war: una novantina di commenti incazzati, probabilmente scritti dai cugini di Shakira e Rudy Zerbi.

E se “Waka Waka” non fosse abbastanza, sappiate che quest’anno hanno istituito pure l’official FIFA anthem (di pedobeaR. Kelly), l’official FIFA mascot song (Pitbull e un paio di altri tamarri) e la canzone ufficiale per passare il testimone a Brasile 2014 (dalla vuvuzela alla favela). Devo continuare questa panoramica sui disastri Sony su scala planetaria? In Inghilterra, l’infallibile Simon Cowell ha reclutato Dizzee Rascal per fargli coverizzare “Shout” con James Corden (un attore comico che conduce una trasmissione calcistica), e noi c’abbiamo  “Invocazioni Al Cielo” (cioè? Le bestemmie?) delle Vibrazioni come sigla ufficiale per Sky Sport.

E quelli dell’altra sponda (la Universal) non stanno certo a guardare e acciuffano un rapper somalo-canadese per plasmare l’inno Coca-Cola, disponibile in TREDICI lingue e versioni diverse a seconda del mercato. Tutti in coro: “SELLOUT!”

Insomma, basta. Sapete che c’è? L’arbitro ce l’ha con noi e questo è l’unico inno che ascolteremo:

Sì, stasera sono qui per dire al mondo e a Dio che la prima edizione del Premio Salame dai Capelli Verderame è stata vinta da Pupo, Sua Maestà Emanuele Filiberto di Savoia e il tenore Luca Canonici. Non c’è stata gara. Sin dall’apertura delle votazioni, “Italia Amore Mio” è sempre stata in testa con uno scarto notevole sugli altri brani. Un disastro annunciato. Si è verificata invece un’interessante battaglia per la conquista del secondo posto. Per giorni abbiamo assistito a un testa a testa tra i laghi di Scanu, la pucciosità di Jovanotti e la mondanità di Airys. Quest’ultima è stata notevolmente avvantaggiata dai bushismi di Nino Dangerous e Enver che, avendo capito di poter votare industurbati quante volte volevano senza blocco dell’IP, hanno fatto impennare la percentuale di “Esco”. Ma questi retroscena non tolgono certo lustro ai grandissimi salami verderame che hanno conquistato il premio.

Si noti, inoltre, come la nomination di Damiano Fiorella abbia portato grande fortuna al nostro talent. Pensate, pochi giorni dopo la candidatura di “Anima”, ovvero la prima volta in nove mesi che qualcuno menzionava il nome di Damiano e prendeva atto della sua esistenza, i poteri forti della discografia italiana hanno deciso di concedergli un’altra chance realizzando un video. Quindi, d’ora in poi, mi sento di dire che la reunion di Damiano con la sua anima e la conseguente, inarrestabile ascesa al successo sono merito mio.

Giovedì, nell’universo parallelo ma soprattutto autonomo della Valle d’Aosta, si è anche tenuto il terzo Premio Mogol. La giuria di Rapetti ha premiato [SPOILER per chi fosse in pari con la programmazione Rai] Simone Cristicchi ed Edoardo Bennato. Ex aequo. Era così difficile scegliere? Te lo dico io, Rapetti: no. Cristicchi non sarà Bob Dylan, ma almeno nel suo pezzo sulla solitudine geriatrica qualche spunto carino c’è. Bennato, per quel che mi riguarda, può prendere la sua armonica e i suoi occhiali da sole e tornarsene negli anni Settanta chiudendo la porta dietro di sé. Gli altri tre nominati erano Arisa e il suo fidanzato (che hanno studiato all’Accademia di Mogol, ricordiamolo, quindi la nomination credo sia parte della retta), Carmen Consoli e Battiato/Sgalambro (ma i brani non dovevano essere in italiano?). Stupore per l’assenza di Povia, che io vedevo già vincitore per una seconda volta, ma non hanno avuto manco il cuore di nominarlo, povera bestia.

E dall’incantevole cornice di WordPress, si chiude qui la kermesse. E riguardatevi ‘sto video ché c’ho messo un’eternità a farlo, eddai.

Utlima puntata, prendiamo un bel respiro, prepariamo i lacrimoni. Jack è diventato Jacob e Sawyer è invidiosissimo. Zitto, Sawyer e vammi a prendere Desmond ché mi serve per fare delle cose nell’acquitrino magico. Quando Sawyer arriva al pozzo, ci sono già Ben e Locke in pole position ma nessun Desmond. Sawyer stende Ben, ruba il fucile e scappa. Locke, anziché trasformarsi in fumo e guadagnarsi una panoramica dall’alto per capire dove si trovi il nostro brotha, si mette a esaminare delle impronte sul terreno come una pessima Jessica Fletcher: Desmond è diventato un licantropo ed è scappato? No, è solo ospite del rustico bed and breakfast del trio interraziale Jamaican-flavoured Rose, Bernard e Vincent.  Locke minaccia di fare un hippiecidio se Desmond non andrà con lui e Desmond cede.

I due gruppi si incontrano. Ti uccido. No, sono io che ti uccido. Ah sì? Andiamo alla sorgente e vediamo chi uccide chi. Dov’è la sorgente? Primo sentiero a destra. Bravo Jack, il Mostro ha cercato la sorgente per duemila anni e arrivi tu, il cui unico compito è proteggerla, e al primo giorno di lavoro non solo gli dici dov’è, ma ce lo accompagni pure.

È il momento della verità. Nessuno sa bene cosa fare, ma per la prima volta Jack e Locke si trovano d’accordo: caliamo Desmond nella Jacuzzi metafisica e vediamo che succede. Desmond muove un pilone di pietra dal centro della piscina (che sia il mignolone mancante della statua egizia?!?), l’acqua smette di scorrere, e la terra inizia a tremare. Oopsie. Jack e Locke si menano, Locke sanguina, sinonimo che i suoi giorni di mostruosa gloria sono finiti, e scappa.

Nel frattempo, Miles e Richard sono ancora convinti di dover far saltare in aria l’aereo (E MMOBBASTA VERAMENTE PERÒ) e se la navigano verso l’Hydra. Ehi, ma Richard non era morto ammazzato da una fumata? No, ma sta facendo progressi, dato che è comparso il primo capello bianco. E indovinate chi altro non è morto? Lapidus! Oh, Lapidus, vecchio mattacchione e dispensatore di saggezza. In tre secondi netti convince Richard e Miles che l’aereo non va fatto esplodere, ma usato per lasciare l’isola prima che affondi. È una lotta contro il tempo, ma sopratuttto contro il nastro adesivo. Non male per un vegliardo che ha appena passato due giorni ammollo in mezzo a lamiere e cadaveri.

La squadra di Jack ritrova Locke e Kate gli spara. Poi slingua Jack. Sawyer non se la prende perché tanto appena saranno soli a 9000 metri, il bagno dell’aereo sarà la nuova gabbia degli orsi. Kate è fatta così. Bon, basta, finito, tutti a casa. Tutti tranne Jack, che è mezzo morto e claudicante, ma deve tornare alla fonte per sistemare ‘sto casino che ha combinato e si fa accompagnare dai wannabe-candidati Hurley e Ben. Questa è l’ultima volta che attraversano la foresta, me lo sento

Prima di affrontare il pericolo della fonte, Jack si licenzia e serve il solito drink magico a Hurley. Uno schiaffo alla disoccupazione. Jack viene calato, risistema il pilone, e i rubinetti si aprono. Hurley e Ben ritirano su la corda ma chi ci trovano attaccato? Desmond. Si devono essere sentiti come quella volta che mi mancava solo un Coccodritto per completare la collezione, ma dentro l’ovetto ho trovato un cazzo di trenino. Ora la missione di Hurley è aiutare Desmond a tornare a casa e Ben è il suo assistente perché è molto esperto nel non sapere che minchia fare. Basterebbe mettere Desmond sull’aereo, ma è troppo tardi perché Lapidus sta già sfrecciando via.

Nella timeline parallela finalmente è arrivata la bara di Christian Shepard e fervono i preparativi per il Lostapalooza dei Widmore, dove avverranno molte reunion tra i personaggi. Epifanie a go-go! Desmond e Hurley sono in missione per “farlo sentire” a tutti, con le buone e con le cattive. Charlie, ad esempio, si becca una palottola anestetizzante in una chiappa perché non voleva dare ascolto a nessuno con la solita strafottenza brit-pop. Hurley e Boone sono anche responsabili di un piano riuscitissimo per “farlo sentire” a Sayid. Facciamo finta di menare Shannon (ma nel frattempo la meniamo davvero, e di gusto) e buttiamola nel cassonetto dell’umido (il suo habitat naturale) sperando che Sayid si ricordi di lei. E giù a limonare. Sun e Jin “lo sentono” durante l’ecografia che mostra la figlia che volontariamente lasceranno orfana; Juliet e Sawyer “lo sentono” grazie a una barretta snack; Claire partorendo nel dietro le quinte del Lostapalooza; Charlie guardando partorire la soon-to-be MILF del suo cuore; e Kate al cospetto di una vagina familiare.

Manca solo Jack, che è troppo preoccupato a vedere se l’operazione Lazzaro ha avuto successo e arriva in ritardo al Lostapalooza.

Tuutavia, è ancora in tempo per l’afterparty a cui lo invita Kate, una festa esclusivissima dove si trovano tutti i personaggi che non hanno fatto le fighette nella stipulazione del contratto o che abbiamo deciso non erano importanti nella serie pur avendo dedicato loro l’intera storyline di una stagione. La festa, in realtà, è il funerale di Christian Shephard (l’uomo che non starà mai nella tomba) e si tiene in una chiesa dall’aspetto cattolico con inserti panreligiosi. Tipo che c’è anche la Religione delle Ruote Barilla, di cui io sono un fedele accanitissimo.

E niente. Sono tutti morti, ma l’han presa bene. E il pastore cristiano li guida verso la Luce. Amen.

***

E finisce qui una delle poche costanti della mia vita negli ultimi sei anni, nonché l’unica rubrica costante di questo blog. Probabilmente in molti venivano da queste parti solo per Lost Topoi, gli altri (ebbene sì, esistono anche persone che non hanno seguito la delirante saga di JJ) tireranno un sospiro di sollievo. Ringraziamenti d’obbligo a tutti coloro che ogni settimana mi hanno letto, ritwittato e tumblerato (e siete tanti, oh!) e a Lost Italia.

Ancora provata dall’incidente del sottomarino di due settimane fa, Kate si affida alle cure di Jack sulla spiaggia e ha l’idea del secolo: “dobbiamo uccidere Locke”. Buona fortuna, Kate. L’invincibilità del Mostro è uno dei pochi punti fermi di questo programma, ma sono certo che gli sceneggiatori troveranno il modo di accomodare la tua richiesta. I superstiti decidono di andare a recuperare Desmond nel pozzo (impresa che li costringerà a camminare nella foresta: un evento rarissimo) ma a metà strada Hurley incontra Jacob bambino che rivuole le sue ceneri adulte per buttarle dentro a un falò. Che bella idea, bruciare delle ceneri. Chissà quali poteri avranno le ceneri delle ceneri! Jacob è di fretta perché sparirà quando il fuoco sarà spento (e non sarò certo io ad aggiungere altra legna!) così raduna tutti attorno al fuoco e svela la ragione per la quale sono stati trascinati sull’isola: la sfiga. Insomma, i potenziali candidati sono stati selezionati in base a una complicata equazione di infelicità, daddy issues e menate varie. Kate chiede quindi perché, con un curriculum imbattibile come il suo, sia stata cancellata dalla lista nella caverna. Jacob adduce come motivazione la maternità, ma “è solo una riga col gesso, puoi ancora candidarti al lavoro, se ti va”. COSA? Dopo tutte le storie di quegli stracazzo di numeri vorresti dare il lavoro alla prima che capita? Jacob, come responsabile delle Risorse Umane sei veramente una schiappa. Ma non temete gente, Jack è pronto a sacrificarsi per il bene dell’isola e dell’umanità e sarà lui ad accettare l’impiego. NON CE LO ASPETTAVAMO PER NIENTE. Jacob prende da parte Jack per discutere delle mansioni, il salario, i giorni di ferie retribuiti e mette su la mini-cerimonia di iniziazione.

Trasferiamoci all’ex villaggio degli Altri dove Ben invita Richard e Miles nella sua cabina armadio per mostrare gli ultimi acquisti della collezione primavera/estate.

E invece no! È la porta d’accesso a posti magici, nonché il nascondiglio per l’esplosivo!

Mannaggia, quell’uomo ne sa una più del diavolo, chi andrebbe mai a cercare queste cose dietro una fila di camicie! L’esplosivo serve per far saltare in aria l’aereo (aridaje) ma Ben non sa che qualcun altro ha avuto la sua stessa idea. Si tratta di Widmore, ospite indesiderato con l’altrettanto indisiderata Zoe. Presto, il Mostro sta arrivando. Su una barca. Miles scappa, Ben decide che lo accoglierà con le buone, Zoe e Widmore si nascondono nella cabina armadio e Richard BOOM. Niente commoventi primi piani d’addio ché poi ci cola l’eyeliner. R.I.P. Ricardo, useless since 1876.

Ben si fa una chiacchierata con Locke e promette di aiutare il Mostro in cambio dell’isola. Che affarone. Ben rivela subito dove si trovano Widmore e Zoe, che viene prontamente sgozzata. R.I.P. Zoe, questo breve epitaffio, per quanto brutto, non sarà mai un cesso come te. Minacciando di uccidere anche Penny, Locke fa il domandone: “Widmore, si può sapere che cazzo ci stai a fare qui?” Dai, che finalmente scopriamo qualcosa di importante! Widmore fa il timidone e non vuole dirlo davanti a tutti, così s’avvicina all’orecchio di Locke e Ben spara. Ormai in questa serie funziona così: i segreti li diciamo nell’orecchio e poi per sicurezza ammazziamo chi li ha raccontati. Sapete chi mi ricordate? LA MAFIA. Comunque, R.I.P. Widmore, mi dispiace molto che non sposerai Wilhelmina Slater.

Nell’altra timeline c’è grande attesa per il saggio di pianoforte del figlio di Jack, che sarà una specie di riunione di condominio Oceanic organizzata da Desmond. Bel modo di rovinare il momento di fama del ragazzino. Scommetto che salirà sul palco dicendo qualcosa tipo: “Ladies and brothas, FEEL IT“.

EDIT: Pardon, mi ero sbagliato. Non era il saggio del figlio di Jack, era il concertone della Widmore Family feat. Driveshaft.

Tagged: LOST ]]> http://poptopoi.com/2010/05/23/lost-topoi-6x16-what-they-died-for/feed/ 0 poptopoi Picture8 jacobjack-excel-poptopoi BenCamicie BenCamicie2 uglybettylost-POPTOPOI http://poptopoi.com/2010/05/20/prima-edizione-del-premio-salame-dai-capelli-verderame/ http://poptopoi.com/2010/05/20/prima-edizione-del-premio-salame-dai-capelli-verderame/#comments Thu, 20 May 2010 23:30:48 +0000 Pop Topoi http://poptopoi.com/?p=610 ]]> Come tutti ben sapete, ogni anno Mogol premia il testo italiano “più bello” nella prestigiosa cornice del Teatro Romano di Aosta con una rassegna che porta il suo nome. Ci fanno pure una trasmissione e quest’anno la presenterà Fabrizio Frizzi. L’attempato paroliere, autore di alcune delle canzoni più memorabili della musica italiana (una su tutte, “Essere Una Donna” per Anna Tatangelo) ha premiato “Luca Era Gay” di Povia nel 2009 e “Fango” di Jovanotti nel 2008. Per fare giustizia, mi è sembrato doveroso istituire anche un premio per la più imbarazzante ciofeca ad aver sporcato le sette note con vocaboli italiani nel corso dell’ultimo anno. Ed è così che nasce la prima edizione del Premio Salame dai Capelli Verderame. Le nominations sono nel video qui sotto:

Spero vi siano piaciuti il mio remix della Formula 3 e i salami in stop motion.

Non vi resta che votare nella colonna qui a destra. Il vincitore verrà annunciato il 3 giugno, quando ad Aosta premieranno invece il testo “più bello”. Se non sapete bene per chi votare, potete lasciarvi influenzare dalle motivazioni per ogni brano dopo il salto.

Valerio Scanu, “Per Tutte Le Volte Che”
Il vincitore di Sanremo entra di diritto nella rosa dei finalisti perché se questa è la nuova musica leggera italiana, mi sento di gridare “aridatece Cutugno”. E poi, se persino la Clerici ti prende per il culo chiedendoti “ma come si fa l’amore nei laghi? Vengono i reumatismi?”, dovrebbe quantomeno sorgere il sospetto di aver cantato un’immensa, derisibile porcheria.
La perla:

A far l’amore in tutti i modi, in tutti i luoghi, in tutti i laghi, in tutto il mondo, l’universo! L’universo! L’universo!

Povia, “La Verità”
Anche quest’anno, quell’orrendo container umano di sfiga e unto che risponde al nome di “Povia”, ma soprattutto di “stronzo”, è riuscito a far parlare di sé per aver cantato di qualcosa di cui non capisce né capirà mai niente. Con l’aggravante, però, di aver usato un problema etico, politico e spirituale, ma soprattutto una tragedia personale, per il suo squallido e paraculissimo spettacolino. La perla:

Quando sentirete un brivido che corre sulla vostra pelle / È lì che io sarò presente / La vostra bambina per sempre

Jovanotti, “Baciami Ancora”
Oh, Lorenzo ci porta sempre il buon umore, vero? La bellezza delle cose semplici, la saggezza degli anziani, la fedeltà dei cani… Uno spot della famiglia (disfunzionale) del Muccino Bianco. Quanta serenità in questi elenchi di cosine belle, buffe e naïf. Immancabile in tutte le Smemoranda delle tardone sognatrici. <3
La perla:

Un magnete sul frigo, un quaderno di appunti, una casa, un aereo che vola

Pierdavide Carone, “Di Notte”
Doppia nomination per Carone che, pensate, è anche l’autore dei laghi! Arriva dritto dritto dalla DeFilippi con un contrattino Sony e un bel disco preconfezionato con gli arrangiamenti in midi. Io tutti gli anni spero che ad Amici trovino il nuovo Mino Reitano e invece sembra abbiano trovato il nuovo Rino Gaetano E CHE DIO CE NE SCAMPI. In realtà, quasi tutte le canzoni del suo primo album sono peggio di “Di Notte”, ma quando ho visto questa esibizione con Maria, Rudy Zerbi e Platinette che fanno finta di cantarla commuovendosi, non ho saputo resistere. Sublime.
La perla:

E fa male quando dici che stai male e non sto con te

Airys, “Esco”
Di lei ho già parlato troppo, quindi non dirò nulla per convincervi a votarla. Affidatevi alle vostre coscienze.
La perla:

Esco con le amiche stasera / Siamo molto allegre quindi dove si va? / Lasciamo a casa i soldi / Qualcun altro dovrà pagare al nostro posto

Damiano Fiorella, “Anima”
La par condicio impone l’inclusione di almeno un talent di X Factor e la scelta non poteva che ricadere sul barbuto alunno di Claudia Mori. Ci sarebbe anche Silver, ma ecco, in lui non ha mai creduto nessuno, mentre Damiano provarono a vendercelo come la voce di una generazione! Il primo e, ahinoi, unico testo rinvenuto di questo wannabe-Daniele Silvestri è “Anima”, inno al nonsense, ma soprattutto all’anafora.
La perla:

Prendi chi ti vuole chi ti duole rendi / Anima anima anima / Ci vuole

Finley, “Fuori!”
Per un attimo si era pensato che i Finley avrebbero tirato fuori “il disco della maturità”, quello della boyband scema che a un certo punto fa la svolta e diventa da merda a mediocre. Non preoccupatevi, non è successo, e i Finley non meritano ancora il lusso dell’aggettivo “mediocre”. Sono ancora intenti a elemosinare credibilità sfoggiando t-shirt dei Ramones come nel video di “Fuori!”, un vero e proprio manifesto contro le regole e lo squallore del paese in cui viviamo. Meno male che ci sono loro a guidare la ribellione.
La perla:

Fuori dalla scuola, fuori con la testa! / Se ti serve il fumo c’è la baby-gang che spaccia

Pupo, Filberto, Canonici, “Italia Amore Mio”
Come potevano mancare i vincitori morali del festivàl. Eliminati dopo la prima esibizione, soprannominati “Trio Merda” dopo trenta secondi e finiti sul podio tra mille fischi. Dato che Pupo è affiliato a Rapetti, questo brano probabilmente sarà in lizza anche per il premio Mogol. Resta a voi decidere quale onoreficenza meriti di più.
La perla:

Tu non potevi ritornare pur non avendo fatto niente / Ma mai ti sei paragonato a chi ha sofferto veramente.

Ora non mi resta che trovare uno sponsor per l’iniziativa. La Rovagnati sarebbe l’ideale, ma prendetevi pure la libertà di dare la mia mail al vostro salumiere di fiducia.